LOS PERROS DORMIDOS MIENTEN

Título original: “Sleeping Dogs Lie”

Estados Unidos, 2006

Género: Comedia

Hablada en inglés

Dirección: Bobcat Goldthwait

Producción: Marty Pasetta Jr.

Guión original: Bobcat Goldthvait

Música: Gerald Bruskill

Fotografía en colores y blanco/negro: Ian S. Takahashi

Montaje: Jason Stewart

Vestuario: Sarah De Sa Rego

Intérpretes: Melinda Page Hamilton (Amy) –Bryce Johnson (John) – Geoff Pierson (Papá) – Colby French (Ed) –Jack Platnick (Dougie) – Brian Posehn (Randy) – Bonita Friederick (Mamá)

Diseño de Producción: Melanie Mandl

Estreno en Estados Unidos: 20 de octubre de 2006

Estreno en Madrid, España: Mayo 2008

Duración: 89’

Calificación: Sólo para mayores de 18 años

Es una comedia hasta ciertos límites. Se la conoce como “Stay”, título que reemplaza al original y le da más sentido a la frase publicitaria del filme: Todo el mundo tiene un secreto.

Se requiere una falta de prejuicios para asistir a la visión de esta historieta de lenguaje prostibulario y de feroz crítica a la institución de la familia, en el cuadro de un hogar de clase media estadounidense acomodada.

Amy es la protagonista. Una joven adorable que sus padres bautizan “Diamante” porque la consideran la personificación de lo perfecto: hija buena, excelente alumna, coleccionista de trofeos tanto estudiantiles como deportivos. Un primor.

De entrada, primeras tomas. La encontramos a los 18 años en su cuarto universitario, aburrida, poniéndose crema para curar el acné, aburrida y dispuesta a recibir su diploma de graduación. Cerca de ella está un perro grandote con cara de pocos amigos pero que es más dócil que un gatito a la hora de tomar la leche. Se llama rufus y se está revolcando sobre la alfombra. Amy lo observa y su mirada se detiene en los genitales del can. Hace un gesto de curiosidad. Resumiendo: lo que sigue es una felación con algún detalle digno de un chiste verde.

Ése es el secreto de Amy. No lo ha contado a nadie. Cuando conoce a un pretendiente (rubio, aspirante a periodista) parte con él para presentarlo a su familia.

La composición del cuadro hogareño es, por lo menos, extravagante: papá es un puritano que odia su trabajo de profesor; mamá, un ama de casa que esconde relaciones matrimoniales con ¡Elvis Presley! y otro cantante famoso, dignas de un espectáculo circense; su hermano un facineroso que cela y odia a Amy, se droga con la mercadería que le provee el tío Randy, un grandote, obeso y bruto. Quien tire la primera piedra…

Amy está ansiosa por tener la aprobación familiar para su casamiento. Pero antes su madre tiene la imprudencia (es una católica empeñosa, hipócrita completa) de aconsejarle que su futuro consorte debe saber toda su vida: “No deben haber secretos entre cónyuges”, sentencia.

Amy recuerda el episodio de zoofilia y decide darlo a conocer a su novio en el guardacoches. Se lo comunica entre arrumacos sin saber que el drogadicto de Dougie está escondido en el altillo del garaje. De hecho: el hermanito lo comunica a su familia en plena cena con el tío dealer incluido.

Éstos son los primeros quince minutos de esta comedia muy bien interpretada, con un montaje tan hábil que disimula la falta de presupuesto de la producción independiente y con un consejo final dado al espectador que lo deja pensando un largo tiempo: nunca se debe contar absolutamente a nadie un hecho vergonzoso cometido por uno, mucho menos si se trata del compañero para toda la vida, es decir, el marido (o la esposa).

Tamaña moral está acentuada a través de corrillos entre los personajes, murmuraciones escatológicas y titubeos provocadores de asombro (el novio le propone a Amy que cometa el acto indebido con su perrito, nada más que por curiosidad).

Son 89 minutos disparatados, capaces de hacerle cosquillas culposas al inconsciente del más desprejuiciado, y hasta calificarla de “escandalosa” como lo hizo un crítico de USA.

Para calmar los ánimos de azorados lectores hay que informarles que “Los perros dormidos mienten” integró la Selección Oficial del Festival de San Sebastián 2006, del certamen de Sundance y del de Toronto del mismo año. Lo que significa que el filme posee valores no sólo formales. Hay que admitir que la moraleja es la coronación de la simulación O dicho de otro modo, que “la hipocresía es un homenaje a la virtud” como dijo el filósofo Sartre, sin pensar en los canes ni en el deseo de vestirlos para no despertar obscenidades en el imaginario popular, esa cocina colectiva que guarda trastos sucios que no conviene ventilar. Salvo si es muy valiente. O se está cerca de la muerte: como le ocurrirá a uno de los personajes que previo derrame cerebral deja una carta diciéndole a Amy que no tiene nada de qué avergonzarse.

El director y guionista Bobcat (repárece en el irónico nombre) Goldtwait es un hombre de televisión y ésta es su opera prima para un cine independiente que en los Estados Unidos comenzó a abundar en la década última, dedicándose con fruición a tocar asuntos de la sociedad y sus instituciones con una irreverencia cuyo juzgamiento corre por cuenta y cargo del voyeur de turno.

Cada uno se haga cargo de sus deslices pasados.

Hernando Harb

LUZ DE DOMINGO

España, 2007

Género: Dramática

Hablada en español

Dirección y producción: José Luis Garci

Guión: José Luis Garci y Horacio Valcarcel

Basada sobre un relato de Ramón Pérez Ayala

Fotografía en colores: Félix Monti

Música: Pablo Cervantes

Vestuario: Lourdes de Orduña

Decorados: Gil Parrondo

Una producción Nickel Odeón

Intérpretes: Alfredo Landa (Joaco) – Paula Echevarría (Estrella) – Alex González (Urbano) – Kiti Manver (Doña Paredes) – Manuel Aliana (Alpaca) – Toni Acosta (Cova) – Enrique Villén (Longinos) – Francisco Algora (Chanfaina)

Estreno en España: 16 de noviembre de 2007

No estrenada en la Argentina

Duración: 111 minutos

Calificación: Sólo apta para mayores de 13 años

Tiene un ritmo (demasiado) parsimonioso. La hermosa fotografía (de Félix Monti) está acorde con las exigencias del relato (muy) libremente adaptado por el director y productor Garci y Horacio Valcarcel de una historia dramática de Ramón Pérez Ayala ambientada en el pueblo asturiano de Cenciella, a principios de siglo XX. La filmación se hizo en pintorescos paisajes de Oviedo, lo que le da al fotograma un aire de postales románticas bañadas de esa “luz de domingo” que proviene del sol y que su resplandor es el mismo que imanan las buenas personas, según los dichos de uno de los personajes.

El guionista y director le imprime un sello típico de una fábula dividida en secuencias separadas con oscuros lo que le dan un cierto suspense de filme antiguo. Hay que añadir que el desenlace con moraleja discutiblemente ética parece salido de un western con cabalgatas persecutorias, balazos vengadores y un policía (guardia civil) que pone fin al asunto cumpliendo el rol de sheriff prestado de una película ajena.

No obstante todos estos despistes de género (violatorios de una historia romántica y perfumada de bosques que albergan a una casta y bondadosa pareja de enamorados de folletín español) el filme se deja ver con el encanto de presenciar la ilustración de alguna de las “novelas ejemplares” cervantinas. Ni más ni menos.

Al pueblito de Cenciella arriba el buen mozo de Urbano dispuesto a desempeñarse como secretario del alcalde, un individuo canallesco, padre de tres hijos cuyos actos de opresión hacia una mujer no consideran “vicio, sino política”. El recién llegado se enamora de la bella Estrella, hija de un padre viudo, sentencioso pero comprensivo (papel que le cae como anillos al dedo a don Alfredo Landa), que sufre del jefe del ayuntamiento deseoso de apoderarse de sus tierras con fines lucrativos. Sí, ya se sabe, el mayor de sus hijos ha puesto sus ojos en Estrella. Con lo que el drama tenuemente lorquiano se cierne en medio de fiestas comunales y personajes menores muy simpáticos (en especial, la dueña de la taberna, una viuda con la palabra aleccionadora pronta en los labios).

Todo es muy liviano, la bondad humana personificada en Urbano y Estrella es casi de un mundo celestial, la maldad del alcalde tiene parentesco con los brujos de los cuentos de Hans Christian Andersen) y el fin la crítica eclesiástica en un filme español, con alusiones directas a la hipocresía de algunos disfrazados de católicos.

Lo que es extraña en que el filme fuera candidato a cinco premios Goya y estuviera preseleccionada para el Oscar al Mejor Filme extranjero. Demasiado para estas estampas bellamente coloridas y con medianas aspiraciones artísticas, lo que extraña teniendo cuenta algunos aciertos de Garci (“Asignatura pendiente”,1977, éxito entre los públicos español y argentino durante el posfranquismo o la premiada “Volver a empezar” de 1982, que atrajo a los miembros de la academia hollywoodense en su momento). Pero, los apresuramientos en ponderar a directores muy apresuradamente trae estas sorpresas. “Luz de domingo” es una de ellas, almibarada, con una secuencia violenta cubierta de muchos arbustos como para no dañar mucho el clima sentimental creado, y con un grupo de actores muy simpáticos, algo almidonados, extraídos de daguerrotipos y provocadores de lagrimones en particular entre las señoras amigas de novelones de época.

Don Alfredo Landa (quién no lo recuerda como uno de los monjes de “Marcelino, pan y vino” (1991), o como el investigador de un sobreviviente García Lorca -a cargo de Nino Manfredi –en “La luz prodigiosa”, 1982) cumple gracias a su veteranía, aunque se nota que su personaje le resulta un vengador algo tardío para poner fin a la dictadura en un pueblito armonioso hasta que…

HERNANDO HARB

Dirección: F. Javier Gutiérrez.
País: España.
Año: 2008.
Duración: 93 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Víctor Clavijo (Alejandro), Mariana Cordero (Rosa), Eduard Fernández (Lucio), Daniel Casadellá (Emilio), Ana de las Cuevas (Raquel), Elvira de Armiñán (Clara), Juan Galván (Nico), Vicente Romero (Marcial), Pepe Salas (don Miguel), Antonio Dechent (Urbano), Alejandro Muñoz (Josema), Miguel Zurita (Damián).
Guión: F. Javier Gutiérrez y Juan Velarde.
Producción: Antonio Pérez.
Música: Antonio Meliveo.
Fotografía: Miguel Ángel Mora.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas.
Dirección artística: José Domínguez del Olmo.
Vestuario: Soledad Molina.
Estreno en España: 25 Abril 2008.

El Secretario General de la ONU anuncia que un gigantesco meteorito se estrellará contra la Tierra en el plazo de tres días. No hay ninguna esperanza de vida tras el impacto. La desesperación, el caos y la muerte recorren el planeta. Los habitantes del perdido pueblo de Laguna escuchan aterrorizados la noticia. Ante la histeria colectiva, Ale, un joven frustrado que vive con su madre y hace chapuzas a domicilio, decide pasar sus últimos días encerrado, emborrachándose y escuchando su música favorita. Pero sus planes cambiarán repentinamente cuando se vea obligado a ayudar a su madre a proteger a los cuatro hijos de su hermano ante la llegada de Lucio, un desconcertante personaje cargado de oscuras intenciones.


Las criticas españolas no se han cansado de elogiar este film. Y casi colocan a su director Gutierrez al nivel de Bertolucci. Una nueva forma de hacer cine...dicen..bla..bla. O yo estoy en un mal día, hecho este que no percibo, o el film es espantoso. Hace rato no soy espectador de una pelicula tan horrible. En fin es muy poco lo que tengo para decir, no me parecio atractivo el argumento que es casi inexistente, los dialogos absurdos. Muertes y muertos que no se saben para que estan en el film, quizas con la peregrina idea de inspirar terror, cosa que obviamente nunca lo logra. Los actores sobreactuados y nada creibles. Pretende generar suspenso filmando las piernas del personaje que se acerca, quizas para que no sepamos quien es. Por favor hay otros recursos mas sutiles que filmar las piernas. En fin espantosa.

Puntos de 1 a 5: 1 punto

ARNALDO H.CORAZZA

MURIÓ UN PEQUEÑO HÁBIL ARTESANO

ARTHUR PENN

El martes 28 de septiembre falleció Arthur Penn a los 88 años (nació en Filadelfia, 1972) de un ataque cardíaco. Se lo recordará como el director de “Bonnie & Clyde” y el resto de su filmografía quedará sepultada en el olvido, menos en el recuerdo de eruditos cinéfilos.

Muy joven, finalizados sus estudios intentó hacer teatro, donde tuvo intentos fallidos que recopilarán los archiveros de cinematecas.

No es hasta su movilización durante la Segunda Guerra Mundial cuando se le ofrece la oportunidad al trabar amistad con Fred Coe , hombre clave en su carrera, quien lo introduce en el mundo de la televisión y luego en el del teatro, donde cumple una elogiada carrera entre cuyos éxitos caben destacar las dos piezas de William Gibson, una de las cuales ganadora de un Premio Tony-dará lugar a su segundo filme, “The Miracle Worker” (“Ana de los milagros”, 1962).

Sus películas tienen en común cierto regocijo en mostrar una lucha individual contra el medio social. Individual o social su acción nunca responde a un principio moral o humanitario sino a una exigencia de encontrar una justa relación ya sea con la naturaleza, la sociedad, en definitiva con el mundo que rodea a sus personajes. Esta característica se desprende de haber sido elegido por productores hábiles en enmarcarlo en un marco de violencia en el que un héroe manifieste su rebeldía y el espectador logre una empatía transitoria gracias a la reivindicación de la justicia tardía o de la muerte.

Su primer filme, “The Left Handed Gun” (1958, “El zurdo”), conocido en la Argentina como “Billy the Kid”, el nombre del personaje central, fue un discreto western cuyos hallazgos hay que encontrarlos en la adaptación hecha por Leslie Stevens de una historia escrita por Gore Vidal para la productora Philco Playhouse con el título de “The Death pf Billy the Kid” difundida por NBC en 1955 y en la composición de un Paul Newman que se desprendía del “estilo Brando”. Fue la fracasada investigación de un mito debido a su indecisión de primerizo detectada en los numerosos cortes que impuso la producción.

Luego vendría la mencionada “The Miracle Worker” alabada por la actuación de su protagonista Anne Bancroft y por la inevitable carga de sensiblería contenida en la mutación de la escritora ciega-sordo-muda Hellen Keller, sin olvidar la colaboración de William Gibson. Luego “Mickey One” (1965) dominada por un ascendente ególatra como Warren Beatty dominando los primeros planos significó un fracaso en la carrera de Penn, siempre avalado por sus amistades kennedyanas, confirmadas en 1966 con “The Chase” (La jauría humana”, que mostraba a un sheriff (soberbio Marlon Brando) enfrentando a todo un pueblo para salvar el linchamiento de tres jóvenes inocentes (dos de ellos encarnados por Jane Fonda y Robert Redford), una historia maniqueísta al extremo que ni figuró en la lista de posibles Oscar.

Hasta que un grupo de productores –a cuyo frente estaba Warren Beatty- le propone rodar un guión escrito por un francés llamado François Truffaut, quien debido a las imposiciones de los mandamás se regresó a Francia dispuesto no sólo a no dirigirlo sino que solicita se lo retire de los créditos. El guión del maravilloso integrante de la nouvelle vague cae en manos de Penn, quien se somete a las órdenes de los dueños del capital invertido. Se trataba de la relación entre Bonnie Parker y Clyde Barrow, una pareja de ladrones dedicada al crimen y al robo en la época de la gran depresión.

Se llamó “Bonnie & Clyde” (1967) . Un ejemplo de falta de ética en el mundillo del cine: conservan los quince primeros minutos del autor francés, alteran el resto hasta transformarlo en una de acción con dos héroes al mejor estilo de Robin Hood, y con la imposición de no lastimar la imagen que Beatty estaba “fabricando” para su estrellato: Clyde era un impotente sexual, lo que afearía su calidad de galán, por lo tanto la mecánica industrial se pone en funcionamiento e imagina una escena llena de viento y de música sentimental donde Clyde posee a Bonnie al aire libre (la secuencia aparece cubierta por la primera plana de un diario que el remolino ventoso hace de telón pudoroso). Penn fue un ndébil que aplacó sus ideas políticas y se puso al servicio de la comandancia ejecutiva empresarial. Lo demostró su poco gratificante seguidilla de títulos menores.

Dustin Hoffman salvó la inversión con su labor en “Little Big Man” (“Pequeño gran hombre”, 1970) una imposible reivindicación indígena, “Night Moves” (1975) una insignificante policial con Gene Hackman y la detestable “The Missouri Breaks” con Marlon Brando y Jack Nicholson, cuyos errores deben indagarse en internas entre la producción. Fue un fracaso del que Penn no se recuperó. El episodio fue muy parecido al que vivió con el rodaje de “The train” (“El tren”, 1964) cuando el actor y coproductor Burt Lancaster lo echó literalmente de la filmación y lo reemplazó por John Frankheinmer.

Algunos sectores políticos recordarán a Arthur Penn como consejero de John F. Kennedy en debates contra Richard Nixon. Otros, con una pátina setentista y rémoras de hippies

Preferirán decir que regaló un “Alice´s Restaurante” (“El restaurante de Alicia”, 1969) a toda una juventud perfumada de incienso y vestida con túnicas transgresoras en comunidades viajando a Oriente vaya a saber a encontrar qué ilusiones.

Se fue un artesano, digno cumplidor de las órdenes de comerciantes del cine e imposibilitado de poder trasladar sus ideas libremente a la pantalla. (Es mejor recordarlo como el creador de una secuencia sensacional que se le escapó ala censura de USA: el negro disparando contra la finca confiscada por una entidad bancaria, en “Bonnie & Clyde”, filmada con ese inolvidable rasgo estilístico de la época como eran los tonos cromáticos fanés .)

Hernando Harb

Dirección: Claude Chabrol.
Países: Francia y Alemania.
Año: 2004.
Duración: 110 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Benoît Magimel (Philippe), Laura Smet (Senta), Aurore Clément (Christine), Bernard Le Coq (Gérard), Solène Bouton (Sophie), Anna Mihalcea (Patricia), Michel Duchaussoy (Vagabundo), Suzanne Flon (Sra. Crespin), Eric Seigne (Jacky), Pierre-François Dumeniaud (Nadeau).
Guión: Pierre Leccia y Claude Chabrol; basado en la novela de Ruth Rendell.
Producción: Antonio Passalia, Patrick Godeau y Alfred Hürmer.
Música: Matthieu Chabrol.
Fotografía: Eduardo Serra.
Montaje: Monique Fardoulis.
Diseño de producción: Françoise Benoît-Fresco.
Vestuario: Mic Cheminal.
Estreno en Francia: 17 Noviembre 2004.
Estreno en España: 8 Abril 2005.

Philippe, de 25 años, es un chico normal, atractivo, que vive con su madre y dos hermanas más pequeñas en un barrio tranquilo de las afueras y que acaba de empezar a trabajar con un contratista inmobiliario. En la boda de su hermana, se siente atraído por su dama de honor, Senta, se trata de un amor a primera vista, pero Senta no ama como los demás. Su pasión envuelve y consume a Philippe. Más tarde ella declara que, como prueba de su amor mutuo, deberían matar a un completo extraño.

No hay ninguna duda que es un autentico Chabrol. Con su manejo cansino del relato Chabrol comienza por describir uno a uno todo el entorno de Philippe -interpretado por un correcto Benoit Magimel-, su madre, sus hermanas, su futuro yerno. Tambien describe minuciosamente su entorno laboral, sin prisa, pareciendo que se preocupa mas de los personajes que de la trama. Pero como siempre Chabrol, poco a poco, y tras la aparicion de Senta -interpretada por unas magnifica Laura Smet- nos va involucrando y atrapando en la trama siniestra de la relación de Philippe y Senta. No se le escapa a Chabrol una critica amoral de la familia burguesa, de una madre abandonada por su esposo que vive en un limbo, y la caricatura de la problematica de cada uno de sus hijos. Es este esquema todos los personajes, sin ninguna prisa se van encadenando uno a uno, para terminar abordando la pasion enfermiza de Philippe y Senta. El final como siempre solo sugiere una recta sin precisiones, como ya es caracteristico de Chabrol. Es un buen film, bien realizado, del no simpre regular Chabrol. Debe verse, como una forma de homenaje a este gran Director recientemente fallecido.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H. CORAZZA

Ver tambien en este blog el homenaje a Chabrol en el link:
http://arnaldohugocorazza.blogspot.com/2010/09/gracias-por-su-cine-claude-chabrol.html

BEAR

de John Rebel

Traducción: “Oso”

EE.UU., 2010-09-29

Género: Suspenso

Hablada en inglés.

Dirección: John Rebel

Guionistas: Roel Reiné – Ethan Wiley

Producción: Andrew Ackerman – Dickey Beer – Roel Reiné

Música original: Trevor Morris

Montaje: Herman P. Koerts

Dirección artística: Rose Shawhan

Maquillaje: Dijais Erwin

Domador de animales: Scott Handley

Intérpretes: Brendan Michael Coughlin (Nick) – Patrick Scott Lewis (Sam) – Katie Lowes (Christine) – Mary Alexandra Stiefvater (Liz)

En colores.

Filmada en Santa Clarita, California.

Duración original: 93 minutos

Aún no estrenada en la Argentina.

Advertencia: éste no es un filme para los que se emocionaron con las acrobacias de montaje y los espléndidos paisajes del culturoso artesano francés Jean-Jacques Annaud (el de “El amante”, sobre novela de Marguerite Duras) que populariza “El oso”. Tampoco para los adictos de Animal Plannet.

Los que gustan de texturas terroríficas y estallidos de sangre saldrán defraudados, así como los que integran alguna asociación de protección de animales. Ni unos ni otros hallarán motivo de placer o de protesta.

Es un filme para admiradores del buen cine que detectan detrás de la fachada de cine “clase B”. O sea una película hecha con bajo presupuesto (aquí hay sólo cuatro actores sin contar a una pareja gigantesca de osos) y un rodaje al aire libre casi único (marañas de arbustos, desolación en la carretera). El guión limita el tiempo de la acción hasta desarrollarlo en unas horas nocturnas.

Los guionistas presentan a dos parejas viajando en un auto descuidado hacia un centro de recreo: Sam (el hermano mayor) y su mujer Liz, Nick (el menor, al volante) y su amante Christine. Lo previsible: el que maneja decide acortar camino y tomar un atajo. Hasta aquí muchos pensarán que estamos ante la típica película de terror nocturno. Error. La llanta se pincha y hay que cambiarla. Nick -un rockero drogadicto escaso de dinero y de cordura- repara el cacharro, que se niega a retomar la marcha. Habrá que ir caminando en medio de las obvias protestas de Sam (un empresario que atraviesa la amenaza de una quiebra económica). Aquí aparece la figura de una osa que se acerca. Asustado el hermano mayor saca un arma y la mata descargando todas las balas. Y aquí comienza la construcción de un guión inteligente y que se diferencia de los del género del terror trillado.

Sí, aparecerá el oso macho dispuesto a vengarse, y entonces uno recuerda antecedentes similares: “Orca, la ballena asesina” (1977, Michael Anderson). Otra vez error.

Nick insinúa que el animal pertenece a una raza especial que convivió con aborígenes. Su amiga y el matrimonio se burlan. Hasta que surgen detalles imperceptibles de que el oso parece pensar cada una de sus maniobras para castigar a los asesinos de su compañera. Lo increíble es cierto. El animal razona hasta el extremo de arrastrar varios kilómetros a uno de los personajes que fue a buscar ayuda cercana y devolver al interior de lo que quiere como trofeo: el coche. Ni más ni menos.

Los cuatro encerrados en el auto comienzan a ventilar trapos sucios a medida que presienten la presencia de ese especial vengador. Y he aquí lo original imaginado por el dúo Reiné-Wiley y dirigido con astucia por el primerizo John Rebel, un joven neoyorquino que tiene como antecedentes fílmicos el haber sido ayudante de dirección de “Blood” (2004) y asistente de “Sensation” (2002). El oso oficia de elemento catártico en los ánimos de los cuatro únicos personajes de este singular filme.

Sam y Liz demuestran que no son la perfecta pareja matrimonial, todo lo contrario. Nick y Christine entienden que su relación está hecha de complicidad (drogas mediante). Sam y Nick descubren que sus actitudes delatan un revanchismo cruel y una competencia que implica la presencia de un progenitor nada inocente.

Con una sutil banda musical de Trevor Morris y un exacto montaje de Herman Koerts asistimos a una sesión de culpas y traiciones que no aflorarían sin la presencia de ese animal que con sus rugidos parece conocerlos y su venganza incluye que sus prisioneros establezcan una contienda que estalla en revelaciones que sorprenderán al más imaginativo espectador.

La naturaleza toma su revancha. El horror es lo único verdaderamente auténtico: nos obliga a comportarnos tal cual somos, a esconder las buenas maneras y a mostrarnos desprovistos de la vergüenza que siempre disimulan las relaciones sociales.

En suma: un filme imperdible para los aficionados a la “clase B” y a los que intuyen en Rebel a un director que pertenece a la camada de Roger Corman, Francis Ford Coppola (y sus escarceos con Edgar Poe) y hasta de James Cameron (recordar “Pirañas”, un título que nunca falta en la grilla de cable).

Los actores son muy buenos. Patrick Scott Lewis cuenta con una destacada intervención en el turbador “Zodíaco” (2007, David Fincher), y la joven y bonita Katie Lowes integró el elenco de la serie “Los Soprano”. Todos son actores de la televisión norteamericana.

Quien merece una mención especialísima es Scott Handley, el domador del animal, baste notar la humanización de los primeros planos y esa secuencia culminante cuando ese oso huele el auto con la inclemencia triunfal del victimario.

Hernando Harb

Título: Malditos bastardos
Título original: Inglourious Basterds
Dirección: Quentin Tarantino
País: Estados Unidos, Alemania
Año: 2009
Fecha de estreno: 18/09/2009
Duración: 160 min.
Género: Bélico, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Brad Pitt, Samuel L. Jackson, Diane Kruger, Cloris Leachman, Mike Myers, Samm Levine, Eli Roth, B.J. Novak, Til Schweiger, Julie Dreyfus
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, A Band Apart, Lawrence Bender Productions, Weinstein Company, The, Neunte Babelsberg Film

Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa. Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como "The Basterds", los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark, una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

La reaccion de la critica sobre este film del telentoso Tarantino ha sido de amores y odios, pasando los conceptos de ser el mejor o el peor film de este Director. Ni una cosa ni la otra. Es un Tarantino auténtico, excelentemente filmada, con momentos memorables, y con personajes de historieta, como son todos los personajes de Tarantino. Lo criticable es la duración del film, dos horas cuarenta minutos, que son por cierto excesivos, perdiendo el film ritmo, pero no deja de entretener esperando los delirios de Tarantino. Respetando todas las opiniones, en lo personal el film me encanto, no me defraudó. El papel y la interpretación de Christoph Waltz es descollante, aunque son muy buenas todas la actuaciones, aun la de Brad Pitt. La escena final es fantastica, desplegando la violencia exacerbada de los films de este realizador. Con el delirio que lo caracteriza Tarantino cuenta su propia historia de la segunda Guerra Mundial son la solvencia que lo caracteriza. Les encantará o no le gustará, pero sin ninguna duda, para los amantes del buen cine, es imprescindible verla.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA