TUESDAY, AFTER CHRISTMAS de Radu Muntean - Arnaldo H.Corazza

domingo, 30 de enero de 2011 en 14:49


















TUESDAY, AFTER CHRISTMAS
de Radu Muntean


Título internacional: Tuesday, After Christmas 
Ttítulo original: Marti, dupa craciun
país: Rumania
año: 2010
género: ficción
dirección: Radu Muntean
duración: 99'
fotografía: Tudor Lucaciu
escenografía: Sorin Dima
producción: Multimedia Est

Paul y Adriana están casados desde hace diez años y tienen una hija de ocho, Mara. Desde hace seis meses, Paul mantiene una relación extraconyugal con Raluca, dentista. Paul, que intenta distribuir su tiempo durante los pocos días que quedan antes de Navidad entre Raluca, la búsqueda de los regalos y las veladas en familia, decide hacer una última visita con Mara al consultorio de Raluca. Un imprevisto en la agenda de Adriana provoca que las dos mujeres se encuentren por primera vez. A pesar de no dar pie a una confrontación, este encuentro colocará a Paul frente a una difícil elección.

Mas de la primera mitad del film, Radu Muntean uno de los directores del nuevo cine rumano, nos va pintando lentamente el conflicto de Paul, que ademas de estar casado con Adriana, mantiene una relacion de Raluca, una dentista de la que esta enamorado.Todas esta parte, es lenta y por momentos aburrida, contandonos la doble y complicada vida de Paul, mientras llega la navidad. La mejor parte del film debia ser el momento de la confesion de Paul a su esposa, y donde se arriba a un conflicto intenso entre ambos. Pero se queda en pañales con un Paul demasiado distante, sin emociones. Es buena la escena del final, donde ya separados y en la casa de sus padres presentan con su esposa los regalos de navidad para su hija Mara.
No es malo el film, se puede ver, pero se queda en promesas. En su desarrollo le falta emocion, y se va quedando lentamente, salvo las escenas finales. Recomendable con reservas.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

HUMAN ZOO de Rie Rasmussen - Arnaldo H.Corazza

sábado, 29 de enero de 2011 en 15:59




















HUMAN ZOO
de Rie Rasmussen

Actores : Rie Rasmussen, Nikola Djuricko, Nick Corey, Vojin Cetkovic, Hiam Abbass, Saïd Amadis, Jean-Pierre Sanchez, Cyril Raffaelli, Jean-Luc Boucherot, Dany Benedito, Uros Milovanovic, Vuk Vidor
Directora : Rie Rasmussen
Productor ejecutivo : Didier Hoarau
Director de fotografía/imágen : Thierry Arbogast
Encargado de prensa (pelicula) : Pascal Launay
Montadora : Rie Rasmussen
Montadores de sonido : Guillaume Bouchateau, François Fayard
Supervisora de continuidad (Script) : Claire Dumaze
Escenógrafo : Hugues Tissandier
Autor de la música : Illinav Illim
Reparto : Anne Frémiot
Vestuarista : Joanna Georges-Rossi
Mezclador : Didier Lozahic
Producción y distribuición de películas
Producción delegada : EuropaCorp
Exportación/Ventas internacionales : EuropaCorp
Distribución en Francia : EuropaCorp Distribution


Adria es una mujer albanesa que vive en Marsella, donde intenta rehacer su vida. Vivio en sus propias carnes el conflicto de Kosovo, donde un soldado serbio la rescato cuando iba a ser violada. Al mismo tiempo que vive su nueva vida en Francia, la pelicula muestra la historia de como salio de Kosovo con el soldado y en Serbia vivieron del crimen y el trafico de armas.

 Después de estar más de una década desfilando, esta danesa  ha logrado, actualmente, que su nombre figure como el de una de las top models más cotizadas, ademas es actriz, fotografa, y directora de cine. Este film, donde actua y dirige data del 2009 y es de origen frances. Es la historia de Adria -Rie Rasmussen- que vige una gitada vida en Francia luego de salir de Kosovo hacia Serbia con un terrible soldado Serbio, del que se enamora. Este soldado la habia salvado de ser violada por otros soldados en Kosovo.  El film puede considerarse por momentos  entretenido, con una historia de violencia sin pausa, pero no despega, no pasa a ser mas que esto. Rie Rasmussen en el papel de Adia, despliega como actriz su belleza mas que su talento.Es buena la actuacion de Nikola Djuricko en el papel del soldado serbio que transcurre su vida matando gente que participo en la guerra de Kosovo. No da para mas, es un film que intenta mostrar -sin profundizar- los horrores de la guerra de Kosovo, y que puyede verse sin demasiadas pretenciones. Esta correctamente filmada, sin demsiados atributos esteticos.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL TURISTA de Florian Henckel von Donnersmarck - Arnaldo H.Corazza

viernes, 28 de enero de 2011 en 7:36

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 EL TURISTA
de Florian Henckel von Donnersmarck
 
 
Título: The Tourist
Título original: The Tourist
Producción: Jon Hutman
País: Francia, Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 2010-10-30
Duración: 0 minutos
Género/s: Drama, Thriller
Guión: Julian Fellowes
Música: Becky Bentham, Isobel Griffiths
Fotografía: John Seale
Montaje: Joe Hutshing, Patricia Rommel
Distribuidora: The Tourist
 
Frank (Depp) es un turista americano que viaja a Italia para tratar de recuperarse de un fracaso amoroso. Elise (Jolie) es una extraordinaria mujer que deliberadamente se cruza en su camino. Con el incomparable marco de Venecia como telón de fondo, Frank se deja llevar por la atracción del romance, pero en poco tiempo él y Elise se verán envueltos en un torbellino de intriga y peligro.

Espantosa. No quiero creer los millones de dolares que deben haber gastado para hacer este horrible film, principalmente para pagar las interpretaciones de Johnny Depp y  Angelina Jolie. No es cierto que buenos actores siempre salen airosos en sus roles. Las actuaciones de ambos dejan mucho que desear, aunque el Director debe ser el gran responsable. Depp pone la misma cara durante todo el film, y Jolie se dedica a hacer un desfile de modelos. Yo no creo que este film representante del peor cine comercial pueda haber dado ganancias a la industrial del cine, el público no es tan estupido para estafarlo asi. El guion es pesimo, nada creible, absurdo por momentos, tornando al film sumamente aburrido. No es un pecado que el director Florian Henckel von Donnersmarck -del que esperaba muchisimo mas- se haya sumergido en el cine comercial, al fin los artistas tambien necesitan dinero, pero por favor, que trate de hacer un cine comercial digno, no semejante espanto. Lo mejor las vistas de la hermosa Venecia, pero convengamos que Visconti en Muerte en Venecia la mostro tambien muy bien, e hizo una obra de arte con ese film. Es muy mala, no pierdan el tiempo ni dinero para ver esto. Nada recomendable.

Puntos de 1 a 5: 1 punto

ARNALDO H.CORAZZA


DRAMA de Matias Lira - Arnaldo H.Corazza

miércoles, 26 de enero de 2011 en 11:25






















DRAMA
de Matias Lira

Titulo Original: Drama
Titulo hispano: Drama
Director: Matias Lira
GENERO: Drama | Misterio
PAIS: Chile
DURACION: 75 Minutos
AÑO: 2010

Tres estudiantes de teatro, influenciados por un carismático profesor y la técnica actoral creada por el francés Antonin Artaud, comienzan a experimentar con sus propias vidas en busca de emociones y situaciones reales para llevar al escenario. Su obsesión por ser mejores actores los guía a contactarse con sus lados más oscuros, sobrepasando límites que ni ellos mismos ni sus maestros imaginaron.

Es un film Chileno, donde tres personajes estudiantes de teatro comienzan a experimentar situaciones reales (Uno el mundo gay, otra la prostitucion y el tercero el mundo de las drogas), a los fines de poder materializarlas en el escenario. Obviamente se conectan con sus lados mas oscuros de su vida. El film no es muy malo, pero tiene muy poco para destacar. El guion es flojo y poco atractivo, y con el,  el director hace lo que puede. Las escenas calientes, si no estuvieran da lo mismo, no ayudan demasiado al film.  La actuaciones son flojas, sin sobresalir. En lo personal me parece un intento bien fallido, con un tema que hubiera dado para mucho mas, y con algun recurso estetico para destacar, que el film no lo tiene. Poco recomendable

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL DISCURSO DEL REY de Tom Hooper - Arnaldo H.Corazza

lunes, 24 de enero de 2011 en 17:15
 

















EL DISCURSO DEL REY
de Tom Hooper (1)

Título: El discurso del rey. 
Título original: The king’s speech.
Dirección: Tom Hooper.  
País: Reino Unido.  
Año: 2010.  
Duración: 118 min.  
Interpretación: Colin Firth (Bertie, rey Jorge VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham Carter (reina Isabel), Guy Pearce (rey Eduardo VIII), Jennifer Ehle (Myrtle Logue), Derek Jacobi (Cosmo Lang), Michael Gambon (Jorge V), Timothy Spall (Winston Churchill), Anthony Andrews (Stanley Baldwin).  
Guion: David Seidler.  
Producción: Iain Canning, Emile Sherman y Gareth Unwin.  
Música: Alexandre Desplat.  
Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Tariq Anwar.  
Diseño de producción: Eve Stewart.  
Vestuario: Jenny Beavan.  
Distribuidora: DeAPlaneta.  
Estreno en Reino Unido: 7 Enero 2011.

A la muerte de su padre, el rey Jorge V, y tras la escandalosa abdicación del rey Eduardo VIII, Bertie, afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel, la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue. A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill, el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla. “El discurso del rey”, basada en la historia real del rey Jorge VI, describe el camino del monarca en busca de su voz y su autoridad.

Es un muy solido drama historico britanico, como solo suelen hacer ellos. Dos actuaciones sublimes la de Colin Firth como el Rey Jorge VI, y la de Goeffrey Rusch su asesor para corregir su tartamudez. Esas actuaciones se integran en un excelente film, muy bien filmado, con una excelsa fotografia. Casi ni me di cuenta de sus dos horas de duración. Las escenas y dialogos entre Bertie -el rey- y Lionel su terapista son fantasticas y es un duelo de actuaciones memorables. Se inserta este film en el camino del mejor cine britanico, que nos tiene acostumbrados -no siempre-. a films magnificos. Altamente recomendable

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

1.- George Thomas "Tom" Hooper (nacido en 1972) es un Inglés de cine y director de televisión . Hooper began making short films at the age of 13, and had his first professional short, Painted Faces , broadcast on Channel 4 in 1992. Hooper comenzó a hacer cortometrajes, a la edad de 13 años, y tuvo su primer profesional a corto, rostros pintados, emitido por Canal 4 en 1992.  En la Universidad de Oxford Hooper dirigió obras de teatro y comerciales de televisión. Después de graduarse, dirigió episodios de muelle , Byker Grove , EastEnders y pies fríos . En la década de 2000, Hooper dirigió la importante BBC dramas traje de Amor en clima frío (2001) y Daniel Deronda (2002), y fue seleccionado para dirigir el renacimiento de 2003, de ITV 's Prime Suspect serie, protagonizada por Helen Mirren .  Hooper hizo su debut en el cine con Red Dust (2004), un drama de África del Sur protagonizada por Hilary Swank y Chiwetel Ejiofor , antes de dirigir Helen Mirren de nuevo en la Compañía Imágenes / HBO Films drama histórico " Elizabeth I (2005).  Esto comenzó una asociación entre Hooper y HBO, y en 2006 dirigió la Televisión Granada / HBO la película televisiva de Longford y en 2007 la épica miniserie John Adams Hooper volvió a características con The Damned United (2009), una película basada sobre el hecho de Inglés entrenador de fútbol Brian Clough (interpretado por Michael Sheen ).. El año siguiente vio el lanzamiento del drama histórico discurso del Rey (2010), protagonizada por Colin Firth y Geoffrey Rush , que fue recibido con elogios de la crítica después de exámenes festival de cine.

El trabajo de Hooper fue nominado a un Premio Emmy a la Mejor Dirección para el primer sospechoso y Elizabeth I, ganó uno de John Adams, y fue nominado para la televisión Arte premio BAFTA al Mejor Director por Longford. Rey Discurso El fue nominado para varios premios, incluyendo Mejor Director candidaturas para Hooper de la Directors Guild of America y la Academia Británica de Cine y Artes Televisivas . Fuente Wikipedia

INHALE de Baltasar Kormakur - Arnaldo H.Corazza

domingo, 23 de enero de 2011 en 15:23


















INHALE
de Baltasar Kormakur

Titulo: Inhale
Titulo Original: Inhale
Genero: Drama
Año De Produccion: 2010
Estreno en España: 22/10/2010
País: Estados Unidos
Reparto
: Diane Kruger, Dermot Mulroney, Rosanna Arquette, Sam Shepard, Vincent Perez, Jordi Mollà
Director: Baltasar Kormákur
Productores: 26 Films

Todos los días han de llenarse de fuerza para el Fiscal del Distrito de Santa Fe, Paul Chaney y esposa Diane. Están esperando un doble trasplante de pulmón para su hija Chloe, que padece una extraña enfermedad degenerativa. Chloe está en una larga lista de gente que está a la espera de un donante. A medida que empeora su salud, Paul se desespera más y más para salvar la vida de su hija. Hasta tal punto que llegará a arriesgarlo todo para organizar la operación. 

El film no es bueno, aunque puedo transigir que es entretenida. Es la historia de Paul fiscal de estado de Santa Fe (EE.UU.) cuya hija esta en lista de espera de un transplante de pulmón, que nunca llega. Enterado que gobernador compro un tranmsplante de corazon en el estado lindero de Mexico, alla parte. Luego de mil viscicitudes, encuentra en cirujano -americano-  que hace la operacion y consigue los organos previo pago de altas sumas en dolares.  Como los consiguen, matando personas, en su caso a un niño. En la escena final muy poco creible, debe optar entre salvar a su hija o el niño, y opta por el niño en el medio de la operacion de su hija. Lo mejor del film, por la ambientacion, es la parte que transcurre en Mexico. De todos modos el film es pobre, nada creible, y con un final moral que tampoco nadie cree. Poco recomendable.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LAS HIERBAS SALVAJES de Alain Resnais - Arnaldo H.Corazza

sábado, 22 de enero de 2011 en 20:35





















 LAS HIERBAS SALVAJES
de Alain Resnais (1)


TITULO: Las Hierbas Salvajes.
TITULO ORIGINAL: Les Herbes Folles.
GÉNERO: Drama.
DIRECCIÓN: Alain Resnais.
GUIÓN: Alex Réval y Laurent Herbiet; basado en la novela “L’incident” de Christian Gailly.
ACTORES: Mathieu Amalric (Bernard de Bordeaux), Sabine Azéma (Marguerite Muir), Anne Consigny (Suzanne), Emmanuelle Devos (Josépha), André Dussollier (Georges Palet), Michel Vuillermoz (Lucien d’Orange), Sara Forestier (Elodie), Nicolas Duvauchelle (Jean-Mi).
PRODUCCION: Jean-Louis Livi.
MÚSICA: Mark Snow.
FOTOGRAFÍA: Éric Gautier.
MONTAJE: Hervé de Luze.
DISTRIBUIDORA: Alfa.
PAÍS: Francia e Italia.
AÑO: 2008.
DURACIÓN: 104 Minutos.

Describe el encuentro de una mujer, Marguerite Muir (Sabine Azéma), dentista y piloto a quien le roban su cartera, cuyo contenido es abandonado en un estacionamiento, y de un hombre solitario de pasado turbio, Georges Palet (André Dussollier) que lo recoge. Entre estos dos personajes, que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental que sigue en ocho fases las normas del control aéreo, en particular los procedimientos de comprobación antes del despegue.

Alain Renais ronda los 88 años, y si bien no nos vamos a encontrar con uno de sus mejores films, encontraremos una genial manera de hacer cine. Es una historia simple, que se vuelve intrincada, con destellos de humor, y una historia de amor, confuso, obsesivo. El pincel de Resnais al contar la historia, sigue siendo fantastico,  con una fotografia de Eric gautier que derrocha talento. La historia es poco creible, pero atrapante, ycomo hemos dicho antes con detalles de gortesco y humor. Es pasado turbio del personaje de Geporges Palet nunca es develado por Resnais, y es curioso como la esposa de Georges se involucra en la historia. Esta excelentemente filmada, como lo puede hacer Resnais aun con sus 88 años, y  si bien no nos vamos a encontrar con el de sus mejores films, es un Resnais autentico. Muy recomendable.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

1.- Alain Resnais ([alɛ̃ rɛnɛ]; Vannes, 3 de junio de 1922) es un director, guionista de cine y montador francés; junto a François Truffaut y Jean-Luc Godard, entre otros, fue una de las principales figuras de la Nouvelle vague ("Nueva ola") del cine francés, que revolucionó el concepto del montaje y la fotografía.
Fascinado por el cine, desde pequeño —a los 14 años filmo su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des hautes études cinématographiques de París. Comenzó su carrera tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores, mientras se abocaba a la dirección de cortometrajes1950 su atrevido corto sobre la vida de Vincent van Gogh, que formaba parte de una serie de cortometrajes dedicados a temas de pintura, junto a "Gauguin" y "Guernica". El uso de la narración en off, anticipaba los recursos que Resnais desarrollaría en sus siguientes obras, entre ellas la también premiada Les statues meurent aussi, correalizada con Chris Marker, un ensayo fílmico sobre la interpretación colonialista de las obras de arte. sobre temas artísticos y sociales. En
Volvió a trabajar con Marker en 1955 en un estudio sobre el Holocausto (Nuit et brouillard, "Noche y Niebla") con texto de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentración durante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Shoah (1985), sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos. El film es una verdadera joya pero, en su momento, pasó bastante desapercibido en los festivales en los que se pasó. También rodó un documental sobre la Biblioteca Nacional, "Toute la mémoire du monde" (1956). En 1958 rodó "Le chant du Styrène", una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.
Antes de dirigir su primer largometraje, Resnais también había adquirido experiencia en el cine como montador para directores como Paul Paviot, Agnès Varda, François Reichenbach, François Truffaut, Jacques Doniol-Valcroze, William Klein y Nicole Védrés. La pareja de temas que habían ya motivado sus obras documentales —la guerra y la memoria— formaron también la base de su primer largometraje, Hiroshima, mon amour (1959), sobre guión de Marguerite Duras. En ésta obra, Resnais retoma el diseño no lineal de una obra de juventud, Ouvert pour cause d'inventaire; los hechos no se narran según el orden convencional de la cronología, sino que se evocan a través de los sucesivos recuerdos que dos sobrevivientes de la guerra van reviviendo gracias a un affaire sentimental. A la noción ya establecida de que la huella del pasado traumático es la que conforma el presente de los protagonistas, el montaje suma la sugerencia de que el pasado irrecuperable se modifica también por las experiencias posteriores, y asimila la fragilidad de la memoria a la de las víctimas del bombardeo de Hiroshima, cuya imagen se reitera a lo largo de la película. La técnica de montaje empleada para los flashbacks, usando breves planos que cortan el ritmo narrativo, se ha convertido en parte del repertorio estándar del lenguaje cinematográfico.
El premio de la crítica obtenido para Hiroshima, mon amour —empatada con Los 400 golpes, de Truffaut— marcó el comienzo de la época dorada de la Nouvelle Vague, que acapararía la escena internacional en los años siguientes junto al "free cinema" británico, que irrumpe también por entonces ("Sábado noche, domingo mañana", "El ingenuo salvaje", "La soledad del corredor de fondo", "El animador", "Mirando hacia atrás con ira",...). El impacto del film contagia al público, que se sentirá fascinado por la narrativa y estética de la historia, en apariencia sencilla y desnuda, de este joven director. Dos años más tarde, Resnais obtuvo un nuevo éxito con El año pasado en Marienbad ("L'année derniére à Marienbad"), para la que Alain Robbe-Grillet adaptó libérrimamente la nouvelle de ciencia ficción "La invención de Morel" del argentino Adolfo Bioy Casares. En la narrativa experimental de la película, los decorados, los nombres y la condición de los personajes cambian siguiendo las variaciones de la memoria de dos amantes -sensacional Delphine Seyrig- identificados sólo por sus iniciales; la ambigüedad permea los ambientes, cuyas funciones son imprecisas pese a la suntuosidad del mobiliario, y la identidad y la historia de sus protagonistas, que parecen no poder ponerse de acuerdo acerca de si se conocían de antemano o aún de qué año es éste. La obra granjeó un prestigio duradero para Resnais, y es hoy un film de culto entre los cinéfilos a la par que una de las obras maestras del cine francés de los 60, pero también suscitó críticas por lo críptico de la trama y el rigor, juzgado pretencioso, con que se resistió a las fórmulas convencionales de la narrativa fílmica.
A lo largo de la década siguiente, el ritmo de producción de Resnais no disminuiría. En 1963, con MurielJean Cayrol—, retomó los temas de sus películas anteriores pero alterando radicalmente el estilo fílmico. La confusión de los personajes —una mujer Helene obsesionada con su primer amor, Alphonse, al que reencuentra sin casi reconocer, y que están separados por la barrera infranqueable del pasado, que Alphonse se reinventa para sobrevivir, su hijastro, atormentado por una experiencia de tortura durante la guerra de Argelia, que utiliza una amante para olvidar sus propios problemas— se refleja en sus constantes errores e incoherencias, pero también en un montaje frenético y abrupto. La película fue incomprendida por un público que salía confuso de las salas, y una parte de la crítica la consideró un paso atrás en la carrera del cineasta, pero vista ahora resulta una de sus mejores obras. —escrita por
En 1966 produjo la que, engañosamente se considera su trabajo más asequible, La guerra ha terminadoantifranquista y el progresivo cansancio (más bien vacío existencial) que pesa sobre su sin embargo impecable actividad en la resistencia. Empleando las técnicas de montaje no lineal por las que ya era famoso, y con guión de Jorge Semprún, que por entonces formaba parte del Comité Central del Partido Comunista de España, la obra tiene sin embargo un cariz más realista que las anteriores, y un ritmo de thriller al que había sido ajeno hasta ese momento; con ella volvió a obtener numerosos galardones críticos, y uno de sus mayores triunfos comerciales, en parte por la presencia en el reparto actoral del famoso actor y cantante Yves Montand junto a una de las musas de Ingmar Bergman (Ingrid Thulin). ("La guerre est finie"), que relata las vacilaciones ideológicas de un militante
1967 fue un año intenso, en el que además de un largometraje propio que presentaría al año siguiente Resnais se involucró en la producción de Lejos de Vietnam ("Loin du Vietnam"), un documental colaborativo sobre la guerra de Vietnam gestado por su antiguo colaborador Chris Marker, en el que participaron también Godard, Claude Lelouch, Agnès Varda, William Klein y Joris Ivens. Producido íntegramente por la Societe pour le Lancement des Oeuvres Nouvelles (SLON), que Marker creó a ese efecto, el documental marcaría tendencias que la insurrección estudiantil del año siguiente llevaría a la fama.
En 1968 Resnais sufrirá un rotundo fracaso de crítica y público con Te quiero, te quiero ("Je t'aime, je t'aime"), que se basaba en un guión original de Jacques Sternberg. Se trataba de una historia de amor futurista, de desiguales resultados pero con méritos artísticos nada despreciables y el sello de su director.
Tras el fracaso de "Te quiero, te quiero", esperará hasta 1974 para rodar una película, Stavisky, sobre la vida de un conocido estafador (Alexandre Stavisky), para la que volvió a contar con Jorge Semprún como guionista. Pese a no carecer de interés, y a contar con un actor taquillero como Jean-Paul Belmondo, no obtuvo demasiada repercusión quizá por ser un "rara avis" dentro de la filmografía del reputado director.
En 1977 rueda en inglés Providence, basada en los relatos de Howard Phillips Lovecraft, en la que se plantea el tema de la memoria, la subjetividad y el olvido, contando con un elenco internacional de actores entre los que destacan Dirk Bogarde, John Gielgud, Ellen Burstyn y Elaine Stricht. El guión fue de David Mercer y, llevando la alinealidad al máximo, el film bordea el género surrealista en algunos momentos. Su película obtiene siete premios César, entre ellos el de mejor película y la Espiga de Oro de la Seminci de Valladolid, convirtiéndose en uno de los títulos más emblemáticos del cine de arte y ensayo de la década. Rodará cinco largometrajes en esta década. El primero será Mi tío de América ("Mon oncle d'Amérique"), un ensayo en torno a las teorías del filósofo Henri Laborit, donde destaca un por entonces emergente Gérard Depardieu. A ella le seguirán en 1983 La vie est un roman, sin duda una de sus más desconocidas pero más valiosas obras; en 1984 L'amour à mort; en 1986 Mélo, que era una adaptación de la obra de teatro homónima de de Henry Bernstein, rodada con atractivo cast (Stéphane Audran, Sabine Azéma) en un estilo que algunos espectadores consideraron algo anticuado, y Quiero volver a casa ("I Want Go Home"), en 1989, basada en un guión del humorista estadounidense Jules Feiffer, en la que narraba las andanzas de un norteamericano en París. En 1993 dirige Smoking y No Smoking, basándose en obras de Alan Ayckbourn. Obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia en 1995 y el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 1998. Ese mismo año, logró un sorprendente e inesperado éxito internacional con una comedia en clave musical que homenajeaba a los clásicos del género de los años 40 y 50 (On connait la chanson, "Conocemos la canción"), que obtuvo otra vez siete César, entre ellos el de la mejor película francesa. Pas sur la bouche 2003 supone la culminación del estilo del Resnais de los noventa, adaptando una opereta de André Barde y llevando al límite su obsesión por el símbolo estético. En 2006 dirige Coeurs, probablemente una de sus mejores y más difíciles obras, muy valorada por publicaciones como Cahiers du cinema. En 2009 es homenajeado en Cannes por toda su carrera y presenta Les herbes folles, de nuevo muy apreciada por la crítica especializada y en que la estética y el símbolo parecen haber alcanzado una forma máxima, independiente de cualquier cinematografía actual. A sus ochenta y ocho años, presenta una vitalidad asombrosa y en sus últimas entrevistas ha declarado su intención de realizar un nuevo proyecto lo más rápidamente posible. FUENTE WIKIPEDIA

LA SOLEDAD DE LOS NUMEROS PRIMOS de Saverio Constanzo - Arnaldo H.Corazza

en 10:28



















LA SOLEDAD DE LOS NUMEROS PRIMOS
de Saverio Constanzo


Título original: La solitudine dei numeri primi
Dirección:  Saverio Costanzo
País: Francia, Italia, Alemania
Año: 2010
Fecha de estreno: Próximamente
Duración: 118 min.
Reparto extendido:  Alba Rohrwacher, Luca Marinelli, Martina Albano, Arianna Nastro, Tommaso Neri, Vittorio Lomartire, Aurora Ruffino, Giorgia Pizzio, Isabella Rossellini, Maurizio Donadoni, Roberto Sbaratto, Giorgia Senesi, Filippo Timi, Giorgia Pizzo
Guión:  Paolo Giordano, Saverio Costanzo
Distribuidora: Alta Films
Productora: Medusa Film, Eurimages, Offside, Les Films des Tournelles, Bavaria Pictures, Film Commission Torino-Piemonte, Centre National de la Cinématographie (CNC), Le Pacte, ZDF Enterprises, Sky Cinema, Mitteldeutsche Medienförderung (MDM)
En una clase de primer curso Mattia había estudiado que, entre los números primos, aquellos que sólo son divisibles entre 1 o por sí mismos, hay algunos aún más especiales. Los matemáticos los llaman números primos gemelos: son parejas de números primos que están juntos, o mejor dicho, casi juntos, pues entre ellos media siempre un número par que los impide tocarse de verdad. Números como el 11 y el 13, el 17 y el 19, o el 41 y el 43. Mattia pensaba que Alice y él eran así, dos primos gemelos, solos y perdidos, juntos pero no lo bastante para tocarse de verdad.

Adaptación cinematográfica del bestseller internacional "La soledad de los números primos", de Paolo Giordano, no me parece que Saverio Constanzo acierte en la direccion de este film. Con un tema que pudo ser atractivo, lo caotico del relato con vueltas y vueltas a epocas pasadas, donde el espectador hasta confunde los personajes, el film termina siendo aburrido y por momentos poco comprensible. Quizas con un relato mas lineal, y con mayor aportes esteticos los resultados hubieran sido otros. El film, pretensioso, termina olvidandose de la emocion y de los conflictos de las personajes, haciendo una mezcla de terror, que en nada ayuda al film. Se destaca largamente la actuacion de Isabella Rossellini, que esta a varios cuerpos del resto del elenco. Lo pueden ver pero con muchas, muchas reservas.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

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