WHIRLY GIRL

Título original: Whirlygirl

Estados Unidos, 2006/7

Género: Comedia

Director: Jim Wilson

Guión original: Pete McCormac

Música: Deborah Lurie

Productores: Jim Wilson – Bruce Moriarty

Intérpretes: Monet Mazur (Whirlygirl) – Julian Morris (James) – J.A.Q. (Raoul) – Johnny Pruitt (David) – Rob Sullivan (Mr. McTavish) – Daniel Granzese (Big Clive)

Duración en los Estados Unidos: 102’

Duración del DVD en la Argentina: 99’

No estrenada en la Argentina

Calificación: No apta para menores de 17 años

Su improbable estreno en la Argentina impide que los espectadores aficionados a las [buenas] comedias estadounidenses disfruten de un gratísimo entretenimiento realizado por el cine independiente (es un ensamble entre Tog Productions y Beacon Classics, distribuida en EE.UU. por Screen Media Films, y en la Argentina se encargó la Fox en auspiciarla en formato DVD).

Su tema es una historia de iniciación sexual [en este caso de un muchacho de apenas 20 años] en el ámbito universitario de estudiantes de clase media. Lejos del estilo barroco de Dulce juventud del alemán Rolf Thiele y nada que ver con la cargosa serie America Pie, el relato posee una combinación de romanticismo y sensualidad, con pizcas de acción y violencia, filmada con inusual firmeza por el juvenil Jim Wilson [a tomar en cuenta para futuras comedias] y con un encuadre premeditadamente tramposo por lo que se insinúa fuera de cuadro o lo que no se muestra pero (a izquierda o a derecha) permite imaginar regocijadamente al voyeur que hay en todo espectador.

Una delicada malicia sobrevuela en la telaraña tejida por un grupo de universitarios una noche en la que contrataron a una hermosa muchacha para que (sólo) baile en penumbras y fosforescencias dignas de un coreógrafo inteligente. La “invitada” tiene varios nombres de pila, pero se la conoce como Whirly Girl o Whirlygirl (cuya traducción al castellano tal vez mortifique a algunos), y provocará un amor obsesivo en el más inteligente alumno, al que le robará el reloj de su padre portador una inscripción [Fe y Valentía], lo que obliga al joven a buscar a la ladrona a la mismísima New York.

Parece una historia nimia. Lo que importa es la forma en que es contada, las frases sensiblemente pronunciadas y el virtuoso montaje en las escenas de intimidad diagramadas sin el estilo light habitual pero tampoco con desbordes corrientes en un tipo de estudiantina que popularizó el cine de USA esta última década.

La película es muy recomendable, para verla sin preconceptos ni prejuicios, aunque éstos se desmantelarán a medida que la acción atrapa con sus resoluciones infrecuentes.

Buen trabajo de jóvenes (en especial un acertado Julian Morris) y de adultos (a cuyo cargo están las frases algo moralizadoras que repiten con una sorna infrecuente en un libreto de estas características)-

Atención: a no confundirse con la carátula del DVD ni con las probabilidades que emergen de la contratapa. Es una lástima que el título con que se la presente es el de “Salvaje rubia”. Las promociones no sólo parecen atrapar incautos, a veces obligan a que espectadores exigentes evadan comedias de este tipo que bien podrían reemplazar la invasión de tonterías en las pantallas locales.

Hernando Harb

JESUS CAMP (Soldados de Dios)

Título original: Jesús Camp

Estados Unidos, 2006

Género: Documental

Dirección y Guión: Heidi Swing y Rachel Grady

Música: Michael Furianic y Neil Sanford Livingston

Fotografía (en colores): Mira Chang y Jenna Rosher

Productora: A&E Indiefilms/Loki Films

Distribuidora: Magnolia Pictures

Duración en Estados Unidos: 85’

Duración fuera de Estados Unidos: 87’

Fecha de estreno en Estados Unidos: 15 de setiembre de 2006

Los distribuidores argentinos siempre se mostraron reacios -salvo alguna excepción- a estrenar documentales estadounidenses. Pero esta actitud es remarcable con los filmes premiados por el Oscar en su rubro. Es más: el desconocimiento incluye títulos de contenidos dispares que fueron candidatos a la estatuilla de la Academia de Hollywood. Muchos no son de origen norteamericano, a veces son producidos o distribuidos por USA y financiados con capitales de otros países.

Jesús Camp es una rareza (a medias) en este sentido. Se difunde en DVD y se vende en videoclubs muy bien provistos o se exhibe (muy) esporádicamente en alguna señal de cable con un preaviso limitado. Una de estas ocasiones fue una presentación con inteligentes comentarios a cargo del periodista Jorge Lanata en un horario inadecuado y sin adecuada publicidad.

El filme está dirigido por dos realizadoras, autoras del guión, con antecedentes notables en su profesión. The Boys of Baraka es uno de ellos. Esta vez el dúo Grady-Ewing apuntan a la labor inaugurada -en 2001 en Dakota del Norte- por un grupo evangélico para difundir un adoctrinamiento “religioso” entre niños de 6 a 12 años bajo la aprobación paterna. Al aire libre, bautizados como Kids on Fire, los chicos gozan de la belleza natural del Lago del Diablo, sobrenombre que anticipa un “lavado de cerebro” impartido por Becky Fisher, una evangélica que se presta a ser filmada durante sus clases impartidas con un fanatismo propio del nazismo o del estalinismo. (“Ustedes deben ser como los niños que aprenden las enseñanzas del Islam. Tienen que ser fundamentalistas al convertirse en soldados de Cristos para evangelizar este país que amamos y al que liberaremos del dominio del dueño de la Mentira”, predica en una de sus asambleas ante las miradas absortas e hipnotizadas de los preadolescentes.) Aterra.

El filme recoge las enseñanzas mediante un montaje estricto y sin alharacas verbales (la voz elegida en off es un acierto). Se asiste a niños provistos de mazas dispuestos a volcar su furia sobre una taza (blanca) que representa al Diablo. A cada golpe lo acompaña un “Muere, Demonio. Jesús vive” gritado hasta el punto de provocar ataques epilépticos, revolcones en el suelo, invocaciones a infiernos interiores, en chicas y chicos con los rostros transpirados y voces alteradas que parecen clamar auxilios nada celestiales.

“Harry Potter es la creación de Satanás. Son brujerías dispuestas a eliminar a Nuestro Señor”, repite Fisher o un pastor de mirada clavada en los ojos de Levi, un jovencito de 12 años que quiere ser predicador (“Escribo discursos para leerles a mis compañeritos. Me los dicta Dios. Ésa es mi misión”).

El nombre del lugar, Jesús Camp, es de una intencionalidad nada sutil. Lo de camp no alude a un campus de boyscouts, su significado no es otro que el de campamento de marines. Desde allí sus miembros parten los fines de semana a repartir folletos de propaganda anticipando el triunfo del Hijo de Dios. Los entregan al azar, siguiendo las “órdenes” de la intuición divina: “Aquél es un rostro digno de Dios, ese otro no parece digno del Salvador”, repiten seleccionando en las calles al que merece ser integrante del Ejército de Jesús. De paso reparten folletos con el nombre de un candidato al Senado de los EE.UU., otro elegido para el expansionismo de una creencia que comparten 80.000 habitantes del país del Norte. Pero para entender que la “salvación está en marcha” Fisher trae una enorme imagen de George Bush, el hombre que se ha sumado a la misión.

El espectador siente la sensación de que los Dakota están invadiendo el planeta Tierra.

Brillante trabajo el de las documentalistas. Subrayado por una banda musical sin estridencias. Ni siquiera en las escenas antiabortistas, que provocaron algunas protestas en el Tribea Film Festival, donde el documental fue exhibido con aplausos.

Dios debe perdonar a mucha gente que no sabe lo que hace.

Hernando Harb

Ficha técnica de Carancho:
TITULO ORIGINAL: Carancho
TITULO ALTERNATIVO: Las heridas
ORIGEN: Argentina.
ACTORES: Ricardo Darín , Martina Gusman.
ACTORES SECUNDARIOS: Fabio Ronzano, José Luis Arias, Carlos Weber, Darío Valenzuela.
DIRECTOR: Pablo Trapero.
FOTOGRAFIA: Julián Apezteguia.
GUION: Pablo Trapero.
PRODUCTOR: Martina Gusman.
GENERO: Drama.
DURACION: 105 Minutos
CALIFICACION: Apta mayores de 16 años
PAGINA WEB: http://www.caranchofilm.com/
DISTRIBUIDORA: Buena Vista
FORMATOS: 35 mm (comun).

SINOPSIS OFICIAL: En Argentina mueren al año en accidentes de tránsito mas de 8 mil personas, un promedio de veintidós por día; más de ciento veinte mil resultan heridas. La última década ha dejado 100 mil muertos. Los millones de pesos que necesitan las víctimas y sus familiares para afrontar gastos médicos y legales, producen un enorme mercado, sostenido por las indemnizaciones de las aseguradoras y la fragilidad de la ley. Detrás de cada desgracia asoma la posibilidad de un negocio. SOSA, es un abogado especialista en accidentes de tránsito, a punto de recuperar su matrícula. Se mueve entre guardias de hospitales, servicios de emergencias y comisarías en busca de posibles clientes. Ahora trabaja para una fundación de ayuda a las víctimas que en realidad es la pantalla de un turbio estudio jurídico. Sosa consigue los clientes, los testigos, las pericias; arregla con la policía, los jueces, las aseguradoras.
LUJÁN es una joven médica recién llegada a la ciudad, que trabaja en múltiples lugares: ambulancias, guardias de hospitales, servicios de emergencias. Sola, con un ritmo de trabajo que apenas le permite dormir, se enfrenta a un mundo que desconoce.
Esta historia de amor comienza la noche en que Luján y Sosa se conocen, en la calle. Ella tratando de salvar la vida de una accidentado, él tratando de convertirlo en su cliente. Juntos, intentarán modificar el rumbo de sus vidas, pero el pasado turbulento de Sosa se interpondrá.

Tengo un enorme respeto por Pablo Trapero, quizas uno de los mejores directores del cine nacional. Tambien se que los films se realizan para que el gran público las vea, ya que de lo contrario el emprendimiento en términos económicos es un fracaso. No solo de festivales viven los Directores. Pero hay una linea delgada, muy delgada, y es hasta donde transamos, para lograr el exito comercial. Mi humilde, muy humilde opinión, es que Carancho pasó la linea. La denuncia social esta, como en todas los films de Trapero, pero la violencia exacerbada que muestra este film, opaca, oscurece por momentos el tema denunciado, que además es real, existe. Se nos pierde la sutileza del engaño, la estafa, en materia de accidentes de tránsito. Los dialogos son prescindentes, flojos, primarios, y tambien se nos escapan frente a las imagenes. Alguna vez he dicho que el Cine es fundamentalmente imagen, pero las imagenes deben hablar por si solas (Ej: Muerte en Venecia de Visconti). Las actuaciones sin matices, flojas, con actores que creo podrían haber dado mucho mas. Carancho la vio mucha gente en las salas argentinas, y este es sin dudas en mayor logro de Trapero. No es poco, ya que muchos de los buenos films nacionales, pasan sin pena ni gloria por las salas de cine. Pero no hay dudas, que este film, no es de lo mejor de la filmografia de Trapero.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

Ver tambien comentario de Hernando Harb en este blog: http://arnaldohugocorazza.blogspot.com/2010/06/normal-0-21-false-false-false-es-ar-x_24.html

MULLIGANS

de Chip Hale

Título original: Mulligans

Origen: Canadá, 2008

Género: Drama

Director: Chip Hale

Guión original: Charlie David

Fotografía en colores.

Hablada en inglés.

Intérpretes: Dan Payne (Nathan Davidson) – Thea Gill (Stacey Davidson) – Charlie David (Chase Rousseau) – Derek Baynham (Tyler Davidson) – Grace Vukovic (Birdie Davidson) Nhi Don (Christy) .- Amy Matysio (Bre Hamilton)

Fecha de estreno en EE.UU.: Festival de la diversidad en 2008

Fecha de estreno en la Argentina: No confirmada.

Fecha del lanzamiento de DVD en la Duración: 92 minutos

Argentina: Abril de 2009

Calificación: No apta para menores de 16 años

Si hay algo que remarcar en este filme del cine independiente de los EE. UU. es su honestidad. Tocar un tema (escrito por un inteligente autor bajo el seudónimo de Charlie David) que resulta proclive al sensacionalismo, e invita a todo tipo de excesos y aristas dramáticas exageradas es el que aborda este relativo que tiene un parentesco forzado con algún filme de Pier Paolo Pasolini. Nada que ver. Ni el planteo antiburgués ni el enfoque místico existe en la realización del primerizo Chip Hale. Al contrario: el joven director recurre a un ordenamiento donde predomina la economía de recursos en todas las áreas. Desde la estética hasta la temática. Una intención que logra con un estilo lineal alejado de arabescos de cámara, intrincados cimbronazos de montaje y hasta explicaciones eufemísticas. Mucho menos se vale de moralejas tan corrientes en el cine actual al abordar temas comprometedores. De más está decir que la moralina está tan ausente como la recurrencia a golpes bajos.

Porque el dilema con el que se enfrenta la familia tipo integrada por los Davidson no es frecuente ni de solución previsible. Están de vacaciones: una madre rubiamente norteamericana, un apolíneo esposo, un hijo mayor de edad cuya dedicación a la conquista de mujeres se parece al afán de un cazador en pleno bosque veraniego, una hija de apenas diez años. A ellos se suma un invitado (condiscípulo del hijo): un muchacho que sufre la ausencia de un padre y la enigmática indiferencia de una madre posiblemente indiferente.

Esa quinta presencia será el estallido de un dilema no resuelto que la pareja conyugal guarece en los repliegues del inconsciente y que sintetiza con acierto el título del filme: mulligans alude a una segunda jugada chance en el deporte del golf que tiene el perdedor de un primer tiro. El jugador de la segunda oportunidad es, inesperadamente, el padre. Un reprimido que no puede eludir la tentación de reencontrarse con su propia esencia.

Con sutileza de experimentado libretista la solución la pone en boca de la pequeña hija: una niña de apenas diez años que siente un profundo amor por su profesora de gimnasia. “Amo a mi maestra. ¿Eso significa que soy lesbiana?”, indaga la preadolescente a sus familiares reuniones a la hora del desayuno. Las reacciones son variadas, pero desconciertan a la niña y provocan las inquietudes de los interrogados. El más comprensivo resultará, a la larga, un hipócrita. La más comprensiva será, poco después, una adversaria a su propia opinión. Es que a los seres humanos nos cuesta diferenciar lo aparente de lo real. Pero hay planteos que nos obligan a sincerarnos aunque nos cuestione la felicidad de los seres que más queremos.

Un pequeño gran filme. Controvertido y problemático, dos características que más de uno agradecerá. Lo mismo que las excelentes actuaciones, sobre todo la de Thea Gill, una actriz capaz de contener los matices del sufrimiento y aceptar las contradicciones de su personaje (ya se sabe, aceptar las contradicciones de uno es una manera de reconocer que crecemos en el pasaje de los tramos que nos enfrenta el vivir).

No olvidemos que para cada uno de los habitantes de este mundo siempre hay un imprevisto mulligans, juguemos o no al golf…

Nota para los espectadores: Al final de los títulos hay una escena que completa el drama de este american home de veran, un the end que completa el epílogo. Hay un personaje que asciende a un ómnibus en sentido contrario al que ha tomado otro personaje antes de la lista del cast y demás datos técnicos. Necesaria prevención.

Hernando Harb

EL AÑO QUE MIS PADRES SE FUERON DE VACACIONES
(O ano em que meus pais saíram de férias) de Cao Hamburger

Dirección: Cao Hamburger.

País: Brasil.
Año: 2006.
Duración: 105 min.
Género: Drama.
Interpretación: Michel Joelsas (Mauro), Daniela Piepszyk (Hanna), Germano Haiut (Shlomo), Paulo Autran (Mótel), Caio Blat (Ítalo), Simone Spoladore (Bia), Eduardo Moreira (Daniel), Liliana Castro (Irene), Rodrigo dos Santos (Edgar).
Guión: Cláudio Galperin, Bráulio Mantovani, Anna Muylaert y Cao Hamburger.
Producción: Fabiano Gullane, Caio Gullane y Cao Hamburger.
Música: Beto Villares.
Fotografía: Adriano Goldman.
Montaje: Daniel Rezende.
Diseño de producción: Cássio Amarante.
Vestuario: Cristina Camargo.
Estreno en Brasil: 2 Noviembre 2006.
Estreno en España: 14 Agosto 2009.

En 1970, Brasil y el mundo parecen que están boca abajo, pero las preocupaciones de Mauro, un niño de 12 años, no tienen nada que ver con el régimen militar que controla el país. Su mayor sueño es ver a la selección de fútbol ganar su tercer campeonato mundial. De repente, Mauro es separado de sus padres y llevado a vivir a la extraña pero divertida comunidad de Bom Retiro, un distrito en São Paulo que es el hogar de, entre otras culturas, la comunidad judía e italiana de la ciudad.

Fue una pelicula elegida por Brasil para competir con el Oscar, vayase a saber de que año, aunque tamnpoco interesa demasiado. El film relata la vida de Mauro, en el año 1070, solo interesado en la actuación -memorable- de la selección brasileña en ese mundial. Fuera de él, apenas insinua sin demasiado compromiso, la violencia y represión de la dictadura, como las que vivió Latinoamerica en esa decada. Mauro queda al cuidado de su abuelo con la excusa de que sus padres estaban de vacaciones, en realidad estaban escapados de la represion. Muestra pincelazos de la comunidad Judia de Bom Retiro, San Pablo. Mauro era hijo de madre judía. Es interesante la historia, relatada en forma lenta -no es un pecado en el cine- pero por momentos aburrida. Demasiado lineal el relato, sin demasiado compromiso. Las actuaciones del adolescente Mauro y su abuelo son impecables. Pero todo hasta ahí. Seguramente no va a pasar a la historia del cine brasileño, que tiene por cierto mejores films en su haber. Se puede encontrar en formato DVD en algun buen video, aunque pronto, muy pronto nos olvidaremos de ella. Reconozco que su director no apela a ningun golpe bajo en el relato, lo que no deja de ser un esfuerzo encomiable, pero se queda corto, solo en la pequeña historia.

Puntos de 1 as 5: 2 puntos

FICHA TECNICA

TITULO: Los Tiempos de la Vida.
TITULO ORIGINAL: Pandora’s Box. ó (Pandora’nin Kutusu)
GÉNERO: Drama.
DIRECCIÓN: Yeşim Ustaoğlu.
GUIÓN: Yeşim Ustaoğlu y Selma Kaygusuz.
ACTORES: Tsilla Chelton (Nusret), Derya Alabora (Nesrin), Onur Ünsal (Murat), Övül Avkiran (Güzin), Osman Sonant (Mehmet), Tayfun Bademsoy (Faruk).
PRODUCCION: Yeşim Ustaoğlu, Muhammet Çakiral, Serkan Çakarer, Behrooz Hashemian, Setareh Farsi, Natacha Devillers, Catherine Burniaux, Michael Weber y Tobias Pausinger.
MÚSICA: Jea-Pierre Mas.
FOTOGRAFÍA: Jacques Besse.
MONTAJE: Franck Nakache.
DISTRIBUIDORA: Primer Plano.
PAÍS: Turquía, Francia, Alemania y Bélgica.
AÑO: 2008.
DURACIÓN: 112 Minutos.
ESTRENO EN TURQUÍA: 23 de Enero de 2009.
ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de Junio de 2009.
ESTRENO EN ARGENTINA: 22 de Octubre de 2009.

Tres hermanos de cuarenta y pico de años reciben una noche en Estambul una llamada diciendo que su madre, ya mayor, desapareció de su casa de la costa del Mar Negro. Los tres (dos mujeres y un hombre) parten en su búsqueda dejando de lado momentáneamente sus problemas. Una vez juntos, rápidamente se verá la tensión existente entre ellos. Y como si, de repente, se hubiera abierto la Caja de Pandora, se dan cuenta de que -en realidad- apenas se conocen, viéndose obligados a reflexionar sobre sus propios defectos.

Ganadora del Fesdtival de Cine de San Sebastián del año 2008, esta film turco paso, lamentablemente, rapidamente por Buenos Aires, como en general toda la filmografía turca. Se puede conseguir en formato DVD en algunos Video Club. La historia de la anciana que viuve en una zona rural de Turquia, y que se pierde en los bosques de los alrededores, da pié al Director a ingresar en la vida de sus tres hijos -que viven en la ciudad- que deben ocuparse de su anciana madre. Alli plantea, sin golpes bajo, los problemas que afrontan sus dos hijas mujeres y su hijo, en su vida cotidiana. Con la anciana ern la ciudad descubren que ella padece del el mal de Alzheimer. La relación de la anciana con su nieto, descubre entre ellos la mayor comprensión y afinidad, superando las barreras generacionales. Es estupenda la actuación de Tsilla Chelton la actriz francesa de 90 años, que nos deslumbra. El film es lento, parsimonioso, con una excelente fotografía, y sin apuro alguno nos va contando las historias de cada personaje, y asimismo un pantallazo de la sociedad turca. Muy recomendable, muy bien filmado por Jesim Ustaoglu, nos brinda un camino serio a la emoción.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos