ANNAPOLIS

de Justin Lin

Título original: Annapolis

Origen: Estados Unidos, 2006

Género: Dramática/Acción

Hablada en inglés

Dirección: Justin Lin

Guión original: David Collard

Producción: Damien Saccani - Mark Vahradian

Música original: Bryan Tyler

Fotografía en colores: Phil Abraham

Montaje: Fred Rasking

Intérpretes: James Franco (Jake Huard) - Tyrese Gibson (cole) – Jordana Brewster Ali) – Brian Goodman (Bill Huard) – Charles Napier (Subt.Carter) –Roger Fan (loo) –Wilmer Calderón (Estrada)

Duración original: 103 minutos

No estrenada en la Argentina

Distribuida en DVD

Calificación: Apta para todo público

Es un filme con un (excesivo) parecido a “Reto a la gloria” (“Oficial y caballero”, 1982, del diestro artesano Taylor Hakcford). No le hace mucha mella. El taiwanés Justin Lin (responsable de alguna de la serie “Rápido y furioso”) cuenta con la inestimable colaboración de un guionista original, David Collard, para esconder similitudes e incorporarle agregados originales que la conviertan en una película bastante lograda, apta para los aficionados a los filmes de acción y drama, con un personaje émulo de Rocky para quien la voluntad es muy importante para vencer trabas en la vida siempre con la ayuda del prójimo amado.

Está claro. No va a figurar en ninguna lista de antología, pero no merecería pasar inadvertido porque tiene lo suyo.

El joven Jack es un obrero naviero, humilde trabajador como su padre, un viudo que lo subestima y prefiere que siga su redituable oficio en una localidad de Filadelfia muy humilde. (Es llamativa la cantidad de filmes estrenados con una temática donde el enfrentamiento -en distintos grados- entre padre-hijo aparece como resorte primordial o subtrama.)

Ha vivido a orillas de un río observando el edificio de Annapolis, la Escuela Naval, donde su madre desearía enviarlo y que da origen a una promesa que Jake cumplirá más allá de los amores patrióticos.

Con una partitura original de Bryan Tiler (capaz de provocar la envidia de Bill Conti) vemos al muchacho incorporarse al mundo de la oficialidad de la Marina. La trama desarrolla todo su primer año de estudio, su triunfo como un cadete rebelde, justo y grato compañero luchando contra el temperamento de un superior, el negro Cole -buen trabajo deTyrese Gibson- y las arbitrarias órdenes de tenientes insoportables y hasta de una muchacha oficial, enamorada de Jake.

Sí, muy previsible pero presentado en forma original con unos diálogos magníficos y una cámara que de a ratos se convierte en protagonista, es lo que ocuure en las espléndidas escenas de sabotaje que, si bien no están a la altura de “Toro salvaje” (“Raging Bell”, 1980, de Martin Scorsese) logran una tensión considerable y unos planos y contraplanos exactos para crear el necesario dramatismo. Y lo logra Lin con creces. (A tomar en cuenta.)

Precisamente, el hecho de que el mundo del boxeo irrumpa en el relato hasta convertirlo en una película dominada por ese deporte, hace de “Annapolis” un filme para tomar en cuenta. Porque como dice el entrenador Carter (un subestimado pero siempre eficiente Charles Napier) el cuadrilátero es el microcosmos donde se juegan los desafíos, las derrotas, en fin, quiénes somos, que es la meta del ex obrero y cuyo logro depende de dudas, cobardías y el afecto de los atribulados protagonistas secundarios que creen en él.

El trabajo central de James Franco es muy interesante, conviene escribir su nombre en una carpeta de la computador con el rubro de promesas), lo mismo del maduro Brian Goodman, encargado de sobrellevar el nada fácil papel de progenitor tozudo.

Llama la atención cierto tufillo a racismo, tal vez inconsciente, delatado en los personajes del delator Loo, del colérico teniente y boxeador Cole, y sobre todo en el gordito acomplejado que intenta suicidarse para no defraudar a su familia. Menos mal que parece corregirse en la resolución, pero de modo inconvincente, máxime si un oriental es el encargado de la dirección.

Los adictos a la acción, al típico personaje estadounidense que obtiene victorias merced a la voluntad y a las escenas muy bien hechas de boxeo ésta es una película para ellos.

No hay otro objetivo. Ni pretendió ganar Oscar en su momento. Es una pena que la distribuidora no la estrene y la legue al mercado del DVD. Es un error, comparando con tanta insignificancia filmada en tridimensional que está fatigando a pasos agigantados.

Es un consejo no sólo comercial, también va dedicado a un vasto público atiborrado de falsos filmes de acción en montañas y sacrílegos rituales a los que piratas o héroes de pacotilla intentan redimir.

Hernando Harb

LA VENGANZA DE LA CASA DEL LAGO

de Dennis Iliadis

Título original: The Last House on the Left

Origen: Estados Unidos, 2009

Género: Drama/Horror

Hablada en inglés

Dirección: Dennis Iliadis

Guión: Adam Alleca – Carl Ellworth

Supervisión general: Wes Craven

Producción: Wes Craven – Sean S.Cunningham

Xo-producción: Jonathan Craven

Música: John Murphy

Fotografía en colores: Sharon Meir

Montaje: Peter McNulty

Intérpretes: Tony Goldwyn (John Collingood) – Monica Potter (Ema Collingood) – Garret Dellahunt (Krug) – Aaron Paul (Francis) –Spencer Treat Clark (Justin) –Riki Lindhome (Sadie) – Martha Maclasaac (Paige)

Duración original: 114’

Duración aprobada: 110’

Calificación: Apta para mayores de 18, con reservas

“No se trata de un filme acerca del Bien y del Mal. Es una historia sobre lo que está bien o mal hecho”, fueron las palabras de Was Craven acerca de este relato que fue filmado (innecesariamente, o por cuestiones de costo) en Cape Town, Sudáfrica.

La dudosa definición fue aprobada por su compinche de producción, el avejentado Sean S. Cunnigham, con quien decidieron hacer una remake de un título de Craven estrenado en 1974 con el protagonismo de un actor cuya sola presencia física provocaban ganas de escapar, hacía de Krug (*), esta vez a cargo de un tipo con físico de galán, pero autor de sadismos varios con idéntico afán.

Craven declaró que su fuente inspiradora fue un filme del gran Ingmar Bergman: “La fuente de la doncella” (1970), sin su carga mística ni su belleza temática y formal. (**)

Es la historia de una venganza de dos padres que alojan en su casa (frente a un hermoso lago) sin saber que son violadores de su hija y asesinos de una amiguita. Los secunda Justin, un jovencito inocente, hijo del jefe Krug, con el que se llevan tan mal que decide delatarlos en forma sigilosa.

Los adeptos a la necrofilia craveniana van a estar de parabienes. Los que rechazan este plato demasiado fuerte, abstenerse. No se ahorran crueldades ni sangre dilapidada a los cuatro costados, ni tormentas sorpresivas parecidas a tsunamis.

Eso sí, se suprimió de la primera versión una felación seguida de una castración. Pero, no podía ser menos, los productores impusieron al director Dennis Iliadis en ésta, su tercera película, una larguísima violación, un hachazo en primer plano y varias intervenciones quirúrgicas nasales de primeros auxilios practicadas por el padre de la casa, un hábil y compadecido médico (claro, las lleva a cabo sin conocer la identidad de su paciente).

La historia está bien filmada, con la desmesura previsible y un planteamiento inquietante: ¿cómo actuaría si tiene a su merced a los violadores de su hija? En estos tiempos de inseguridad policial las reacciones pueden ser tan variadas como las reacciones ante un acto de santidad. Pero, bueno, no deja de ser interesante admitir que la intencionalidad es legítima en una película, propiedad –lleva su sello- del ególatra Wes Craven.

Los tres maléficos personajes están interpretados a la perfección: los crueles hermanos y la pareja bisexual de uno son tan malos que se hacen odiar de entrada en la secuencia de una fuga anticipatoria de lo que vendrá. En cambio el rol del hijo, Justin, tiene el inadecuado aspecto de Spencer Treat Clark, un chico con apariencia de estar sufriendo una sobredosis de marihuana (es proveedor de porros) y uno agradece que tenga contados parlamentos en esta historia dedicada a ilustrar sin piedad las reacciones vengadores de los padres. Ya se sabe, la bestia adormecida en el fondo del alma puede destaparse impredeciblemente y estallar más impiadosamente que las tropelías cometidas por los no tan victimarios.

Lo dicho: bien hecha, logradísima como filme de horror (no de terror) y con unas tomas de la nadadora Paggie (la chica violentada) que son un descanso de belleza y paz bien insertado en este relato en que no debió haberse involucrado a un talento como Bergman. Es que Craven no podía sacarse el orzuelo que le creaba su vanidad de director. La fama que dispensa el ojo del diablo da lugar a patéticas referencias.

(*) Craven declaró que el personaje de Krug dio origen a Freddy Krugger.

(**) Temas casi idénticos originaron mediocres películas entre los ‘70 y ’80. La lista es larga. Una de las más aceptables se estrenó en la Argentina como “Violencia en el último tren de la noche” (1975, título original: “El último tren de la noche”, del mediocre Aldo Lado), que como el nombre lo señala los hechos vandálicos se cometían en un vagón protegido por los ruidos ferroviarios y la noche oscurísima que iluminaba una ventanilla ideal para mostrar el patético asalto a las dos chicas).

Hernando Harb

La película cuenta la historia de los jóvenes delincuentes que, en virtud de su minoría de edad no puede ser sometidos a la pena de más alta resolución, es decir, la muerte y van a una rama especial del ejercito. Hay que pagar por su propio país y derramar su sangre por sus conductas ilícitas y se veran obligados a la dedicación de sus fuerzas a la causa de la patria.

Es un film ruso del año 2006. El plena guerra con Alemania la Rusia de Stalin recluta jovenes delincuentes para someterlos a adiestramientos y enviarlos a misiones epeciales contra los Alemanes. La mision que describe es sin regreso, y solo dos del batallon de niños, se salva y contribuye al final del film. El film no es deslumbrante pero el tema abordado, con correccion, es altamente conmovedor. Muestra la historia terrible de estos niños, casi salvajes, todo el proceso de adiestramiento,y donde llegan a enternecer a las autoridades militares a cuyo cargo estaban,
La pelicula esta bien filmada, es atrayente el guion, y muy buenas las interpretaciones de los niños reclutas. La historia, aunque no confirmado, se dice que es real. Vale la pena verla, y conmoverse con el destino terrible de estos niños. Recomendable.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos.

ARNALDO H.CORAZZA

EL APRENDIZ DE BRUJO

Jon Tutelaub

Título original: The Sorcerer’s Apprentice

Estados Unidos, 2010

Género: Acción/Fantasía

Hablada en inglés

Dirección: Jon Turtelaub

Escrita por: Lawrence Konner – Matt Lopez –Mark Rosenthal

Guionistas: Matt Lopez – Doug Miro – Carlo Bernard

Producción: Jerry Bruckhelmer, Nicolas Cage y otros

Música: Trevor Rabin

Fotografía en colores: Bojar Bazelli

Montaje: William Goldenberg

Intérpretes: Nicolas Cage (Balthazar Blake) – Jay Baruchel (Dave) –Alfred Molina (Maxim Horvath) – Teresa Palmer (Backy Barnes) – Monica Bellucci (Veronica) – Alice Krige (Morgana) – James A. Stephens (Merlín) – Jake Cherry (Dave niño)

Duración: 109’

Estrenada en la Argentina: 15 de julio de 2010

Calificación: Apto para todo público

Es un pastiche presuntamente dirigido al público infantil (menospreciado en un grado intolerable) y con un tal Jon Turtelaub como realizador, portador de una famélica filmografía.

La precariedad de los resultados hay que buscarlos en los tres autores del relato y el trío de guionistas, quienes parecen desconocer el abecé del entretenimiento y desconocer un mínimo de psicología infantil. En cuanto a escribir guiones mejor no gastar dedos en computadora.

La trama se remonta a mil años. El mago Merlín (el anciano eterno James A. Stephens) es traicionado por uno de sus tres ayudantes, el maléfico Horvath (des(animado) por Alfred Molina, un actor llamado a cubrir cualquier pozo en un set donde se desarrollen (d)efectos visuales, parafernalias auditivas y pájaros acartonados).

La culpa de la traición es el amor que une a Verónica (bella Monica Bellucci) y Balthazar Blake (oxidado Nicolas Cage, quien con tanto trabajo no debe saber que porta un honorable apellido para su rol de hechicero).

Horvath mata a Merlín, quien le deja la misión de hallar al niño merliniano, un sucesor reconociole por si le calza un anillo-dragón. Para colmo a Veronica, con la compañía de la mala Morgana, termina en una muñequita semejante a la que usan las chicas rusas y que en filmes policiales españoles esconden cocaína de contrabando.

Batlthazar pasa mil años en busca del heredero. Lo entrará en la Manhattan actual con el que iniciará diez después clases de magia al larguirucho Dave (el anticarismático por excelencia Jay Baruchel). Hechiceros buenos contra hechiceros malos. Horvath porta un bastón capaz de artilugios fantásticos con ayuda de un joven artista –mago anónimo- . Hay una pelea en un baño público (de hombres, claro) digno de un análisis no cinematográfico.

No vale la pena contar más.

Salvo que Dave se enamora de Becky Barnes (anodina Patricia Palmer) capaz de creer que aún el amor es ciego, evidentemente no ha leído nada de esa enfermedad del amor pasión

que nació en el siglo XII creada por cortesanas solitarias con la colaboración de trovadores quinceañeros (otras eran las leyes y los tiempos legitimaban candados represores, cuenta la leyenda).

En el medio hay un lamentable homenaje a ese memorable episodio del Ratón Mickey las escobas inundando un sótano bajo la batuta del gran Leopold Stokowki. Pertenecía a “Fantasía”, maravillosa creación de Walt Disney, ese Merlín del dibujo animado cuyos herederos usando su nombre continúan produciendo películas como ésta.

También está la Bellucci invocan rayos y centellas en medio de una plazoleta céntrica de una Manhattan más vacía que un feriado en el Sahara. Eso sí hay muchos autos amarillos cuyos taxistas son invisibles por la hechicería de la técnica moderna y, en el final, un pájaro que porta a la pareja enamorada al que, confesión de Dave, aprendiz ya diplomado, anuncia chistosamente desconocer cómo hacer parar su vuelo… No importa. Con Balthazar resucitado en brazos de Verónica y Horvath derrotado el mundo es prometedoramente feliz.

No confíe. Consulte a otro mago, porque éstos no leen nada bien las bolas de cristal.

HERNANDO HARB

Dirección: Jörgen Bergmark
Suecia, 2009
Producción: Helena Danielsson
Guión:Jens Jonsson
Fotografía: Anders Bohman
Montaje: Mattias Morheden
Interpretación: Rolf Lassgård (Erland), Pernilla August (Karin), Stina Ekblad (May), Claes Ljungmark (Sven-Erik), Magnus Roosman (Sacerdote)

Erland trabaja en una fábrica de papel junto a su mejor amigo Sven-Erik. En su tiempo libre y junto a su esposa May, dirige una escuela de matrimonios la cual forma parte del grupo de debate de la Iglesia local. Pero, todo se complica cuando contrae un vínculo amoroso con la nueva esposa de Sven-Erik, Karin. La solución racional de Erland es que los cuatro se sienten y discutan sobre la atípica situación. Todos deciden mudarse juntos y establecer 10 reglas para la nueva convivencia. Este experimento los pondrá a prueba y amenaza con sumergirlos a todos en un profundo

Es un muy buen film sueco, de manos de un joven realizador. Es un denso relato referido a dos matrimonios amigos, cuando uno de ellos se enamora de la mujer del otro. La busqueda de la solucion del conflicto a traves de la racionalidad, en un ambito de pasiones, donde la razon no siempre lleva a dominar las situaciones. El film es austero, el relato impecable, logra el clima que se propone, y acompañado por cuatro estupendas actuaciones. Confieso que me soprendio este film gratamente, y sobrevuela -salvando las distacias- la influencia de Bergman, por cierto saludable y reconfortante. El desarrollo, lento, nos va llevando a compenetrarnos en la relaciones de los cuatro personajes, complejas, y por momentos poco saludables. Sobrevuela la influencia de la Iglesia, en el acompañamientos de esta situación antes descripta. El film no tiene juicios ni valoraciones sobre la conducta de los cuatro personajes, solo las describe. Muy recomendable.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

PALABRAS AL VIENTO (*)

de Victor Nunez

Título original: Spoken Word

Estados Unidos, 2009

Género: Drama

Hablada en inglés y castellano

Dirección: Víctor Nunez

Guión original: William T. Conway – Joe Ray Sandoval

Productores: William T. Conway – Karen Koch

Música: D.J. Skribble (original) – Michael Brook

Fotografía en colores: Virgil Mirano

Montaje: Justin Geoffray

Compañía: Luminaria Films

Intérpretes: Kuno Becker (Cruz) – Cruz, padre (Rubén Blades – Miguel Sandoval (Emilio) – Persia White (Shea) – Tony Elias (Ramón) – Maurice Compte (George)

Filmada en Chimato, New Mexico, Estados Unidos

Duración: 116’

No estrenada en la Argentina

Calificación: Apta mayores de 16 años

“Dejamos una casa edificada con palabras al viento”, le dice el joven Cruz a su hermano Ramón y a su cuñada, Monique.

Esa despedida es la clave de este drama familiar cuyos miembros han mantenido una relación sin comunicación, hecha de silencios, frases mínimas disfrazadas de silencio, reproches no pronunciados, afectos callados. Los seres humanos -y sobre todo esa agrupación llamada familia- mantenemos relaciones tejidas con la lana de una madeja descolorida por el silencio, lo que nos hace desprovistos de cariño, cargamos frustraciones y el perdón es tan ajeno como el beso contenido, como a este maestro de poesía, el joven Cruz, quien inicia el relato recitando magníficos versos propios que delatan su drama interior y a la vez lo niega con la ayuda del viento, ese invitado que vacía nuestra conciencia.

El poeta vive en San Francia, da clases a un heterogéneo grupo, es alcohólico y convive con una pintora, la morocha Shea (ambos se aman e intentan conocerse más profundamente).

El introvertido Cruz (un magnífico actor mexicano Kuno Becker ) recibe la noticia de la pronta muerte de su padre viudo por un cáncer de páncreas. Abandonó su pequeño pueblo en busca de la libertad de la ciudad. Se reencontrará con su hermano Ramón, quien formó una familia feliz, y se enfrentará a su padre, un orgulloso que se parece a ese “hijo pródigo” (duermen sin desvestirse, guardan resquemores, escatiman palabras de afecto, niegan ayuda y simulan desconocer el arribo de la muerte).

El relato está contado con una mesura admirable, acorde con esas tensiones sofocadas por el alcohol, gracias al director Víctor Nunez, el de “El oro de Ulises” (1997), filme con el guarda varios enlaces anímicos además de una discreción en los instantes dramáticos y una violencia contenida por un montaje pautado con inteligencia (las escenas nocturnas en un bar lo demuestran).

Es cierto, no usamos las palabras adecuadas para comprendernos. Los hombres preferimos el negativo silencio al diálogo. Exigimos comprensión de los seres que amamos y a los que les hemos expresado pocas veces nuestros sentimientos. Nuestras relaciones se valen de centenares de palabras gastadas, desperdiciadas, mal empleadas, insinceras. Los Cruz descubren esto a excepción, tal vez, de Monique, la esposa de Ramón, quien intenta destruir la desunión familiar. A este intento se sumará la encantadora Shea, quien rompe el escudo de su pareja en una exacta secuencia erótica para impulsarlo a convivir con ese padre que también niega su inminente final.

Pero que aún no se desprende de egoísmos (el coche depositado en el garaje, el abrazo distante, el reproche a su hijo más querido al descubrirlo drogándose para huir de una realidad que le exige demasiado).

Es un buen filme. Con una ambientación impecable (los cuadros familiares, las cocinas de unos y otros significativamente diferentes, el dormitorio paterno con fotos que asoman insinuando lo que debería ser dicho verbalmente).

El guión original de William Conway -coproductor de estas “Palabras…” – y de Karen Koch es un emotivo reproche a los vínculos que los seres creamos avergonzados de nuestras identidades a las que reemplazamos por otras, falsas, volatilizadas en un segundo por el ventarrón, cómplice de nuestro orgullo.

Quizás los problemas que la dupla Ramón/Cruz con el dueño de un dudoso bar pudo haber evitado una intencionalidad moralizadora innecesaria. Pero es un detalle más o menos menor.

La actuación del músico Rubén Blades en el rol del progenitor culposo es tan eficaz como la de los integrantes de un elenco que obliga a admitir que hay responsables de casting que merecen ser elogiados. No seamos parcos en elogiar un trabajo poco promocionado.

(*) El título en castellano es idéntico al de un maravillo filme de Douglas Sirk, director de la tercera generación norteamericana (1942-57) que en otros países latinos se exhibió como “Escrito en el viento”. El original “Written on the Wind” (1956) era la cima del universo melodramático sirkiano: el drama se sitúa en el corazón del relato y el razonamiento lógico se destruye. De ese gran realizador (nacido en Hamburgo, Alemania, 1900 y fallecido en Suiza, 1987) un colega dijo de él: “El delirio es el único objetivo que le preocupa” . Estas palabras son de Jean-Luc Godard, y claro no se escribieron en el viento. No podía ser de otro modo.

Hernando Harb

TÍTULO ORIGINAL: The Sicilian Girl
TÍTULO ESPAÑOL: La siciliana Rebelde
GÉNERO: Drama
AÑO: 2009
DURACIÓN: 1:48:30 minutos
PAÍS: Italia
PRODUCTORA: Coproducción Italia-Francia; Eurofilm / R&C Produzioni / Roissy Films
DIRECCIÓN: Marco Amenta
GUIÓN: Marco Amenta
REPARTO: Veronica D’Agostino, Gérard Jugnot, Giulia Andò, Roberto Bonura, Paolo Briguglia
Idioma: Italiano