TITULO ORIGINAL: Katyń
PAIS: Polonia
DIRECCION: Andrzej Wajda
GUION: Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk, Wladyslaw Pasikowski y Przemylaw Nowakowski, en base a una historia de Andrzej Mularczyk.
ACTORES: Maja Ostaszewska, Artur Zmijewski, Andrzej Chyra, Jan Englert, Danuta Stenka, Pawel Malaszynski, Magdalena Cielecka, Joachim Paul Assböck, Stanislawa Celinska, Sergei Garmash, Wiktoria Gasiewska.
GENERO: Drama
ESTRENO: 21 de septiembre de 2007 (Polonia), 7 de noviembre de 2008 (Festival de Mar del Plata), 16 de julio de 2009 (Argentina)

Film histórico en el que se recuerda la masacre de 22.000 oficiales polacos -uno de ellos el propio padre del director Wajda- a manos del Ejército Rojo soviético en 1940, mientras la URSS invadía Polonia por el este, al tiempo que los alemanes lo hacían por el oeste. En Katyn -nombre del bosque cercano a Kiev (Ucrania) donde por orden de Stalin fueron asesinados los militares polacos- se narran los últimos días de estos oficiales y de sus familias, la angustia ante el destino incierto y la tragedia de un crimen que Rusia sólo reconoció, en 1990, tras la caída del comunismo.

Katyń es una película dirigida por Andrzej Wajda, hijo de un oficial asesinado en la mencionada masacre.Este film del experimentado y talentoso director polaco fue nominado al Oscar a la mejor pelicula de habla no inglesa y obtubo 12 premios en distintos paises. La historia -real- recuerda la masacre de miles de oficiales del ejercito polado en manos del ejercito sovietico, la manipulación de la información sobre su autoria -alemanes y sovieticos se la atribuian uno al otro- , y las vivencias de las familias que esperaban el regreso de los oficiales. Es un film histórico, manginificamente narrado por Andrzej Wajda, con una fotografia fuera de lo común, e interpolando con maestria los episodios de los oficiales y la angustia de sus familias. El film mantiene su ritmo, y la atención del espectador, lo que tratandose de un film historico no es poca cosa. Solo lo logra el talento de Wajda para narrar esta terrible historia. Rusia reconocio la autoria de la matanza recien cuando cayo la Union Sovietica, mientras tanto siguio atribuyendola falsamente al ejercito aleman. Vale la pena verla, no solo para conocer la historia, sino para apreciar el talento de un veterano director como Wajda.Es de resaltar que Wajda es hijo de uno de los oficiales polacos asesinados. Son exelentes las interpretaciones. Wajda cuenta en la actualidad con 94 años.

1.- Figura mayor del cine mundial y de Europa del Este tras la Segunda Guerra Mundial, la reputación de Wajda se basa en su carácter de cronista sensible y comprometido de la evolución política y social de su país. Considerado en su momento el símbolo de un país ocupado, Wajda es conocido por su capacidad para dibujar la historia de Polonia con sensibilidad trágica, realizando una obra artesanal que conmueve al tiempo que informa. Hijo de un oficial de caballería polaco que fue asesinado a comienzos de la Segunda Guerra Mundial en la Masacre de Katyn, Wajda combatió en el ejército polaco frente a los nazis cuando todavía era un adolescente. Tras la guerra, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia antes de entrar en la Escuela Nacional de Cine en Łódź. Siguiendo la estela de su admirado Aleksander Ford, Wajda tuvo la oportunidad de dirigir su propia película. Con A Generation (1955), el director primerizo expresó su desilusión sobre el jingoísmo, usando como su alter ego a un joven héroe al estilo de James Dean interpretado por Zbigniew Cybulski. Sus dos siguientes películas, más elaboradas, desarrollaron el tema antibélico de A Generation: Kanal (1956) y Ashes and Diamonds (1958), interpretadas por el mismo actor que la primera. Desde entonces, Wajda se fue interesando cada vez más por obras de contenido alegórico y simbólico, y ciertos símbolos (tales como el fuego encendido en copas de licor, representando la llama del idealismo juvenil que fue extinguido por la guerra) son recurrentes en sus películas. En 1967, Cybulski murió en un accidente de tren, y sobre ese hecho el director articuló su pena con la que es considerada su película más personal, Everything for Sale (1969). La devoción de Wajda por el movimiento polaco del sindicato Solidaridad se manifestó en Man of Marble (1976) y Man of Iron (1981), con el líder de Solidaridad Lech Wałęsa haciendo de sí mismo en la segunda. La implicación del director en este movimiento llevó al gobierno polaco a ilegalizar la productora de Wajda. A comienzos de los noventa, fue elegido como senador y como director artístico del Teatro Powszchny de Varsovia. Continuó dirigiendo películas ahora centrándose en el tema de la Segunda Guerra Mundial, como en The Crowned-Eagle Ring de 1993 y en Holy Week de 1996. En 1997, Wajda tomó una nueva dirección con Miss Nobody, un drama que explora los aspectos más oscuros y más espirituales de la relación entre tres adolescentes. Tres años después, en los premios Óscar del 2000, Wajda fue galardonado con un Óscar Honorífico por sus numerosas contribuciones al mundo del cine; Wajda donó el premio a la Universidad Jagiellonian de Cracovia. En febrero de 2006, Wajda recibió un Oso de Oro honorífico por toda su carrera en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Andrzej Wajda se ha casado tres veces. Su segunda mujer fue la popular actriz polaca Beata Tyszkiewicz con quien tuvo una hija nacida en 1967. Su tercera y actual mujer es la actriz y diseñadora de vestuario Krystyna Zachwatowicz.

Filmografía

• A Generation (Pokolenie, 1954)
• Towards the Sun (Idę do słońca, documental sobre Xawery Dunikowski, 1955)
• Kanal (1956)
• Cenizas y diamantes (Popiół i diament 1958)
• Lotna (1959)
• Innocent Sorcerers (Niewinni czarodzieje, 1960)
• Siberian Lady Macbeth (Powiatowa lady Makbet, 1961)
• Samson (1961)
• Love at Twenty (L'amour à vingt ans, 1962)
• Ashes (Popioły, 1965)
• Everything For Sale (Wszystko na sprzedaż, 1968)
• Roly Poly (Przekładaniec, 1968)
• Bramy Raju (The Gates to Paradise, 1968)
• Hunting Flies (Polowanie na muchy, 1969)
• The Birch Wood (Brzezina, 1970)
• Landscape After the Battle (Krajobraz po bitwie, 1970)
• Pilate and Others (Pilatus und andere, 1971)
• The Wedding (Wesele, 1972)
• The Promised Land (Ziemia obiecana, 1974)
• The Line of Shadow (Smuga cienia, 1976)
• El hombre de mármol (Człowiek z marmuru, 1977)
• Sin anestesia (película) (Bez znieczulenia, 1979)
• The Maids of Wilko (Panny z Wilka, 1979)
• The Orchestra Conductor (Dyrygent, 1980)
• El hombre de hierro (Człowiek z żelaza, 1981)
• Danton (1983)
• Love in Germany (Eine Liebe in Deutschland, 1983)
• A Chronicle of Amorous Incidents (Kronika wypadków miłosnych, 1985)
• The French as seen by... (Proust contre la déchéance, 1988)
• The Possessed (Les possédes, 1988)
• Korczak (1990)
• The Crowned-Eagle Ring (Pierścionek z orłem w koronie, 1992)
• Nastasja (1994)
• The Holy Week (Wielki Tydzień, 1995)
• Miss Nobody (Panna Nikt, 1996)
• Pan Tadeusz (1998)
• Wyrok na Franciszka Kłosa (2000)
• Broken Silence (Przerwane milczenie, 2002)
• The Revenge (Zemsta, 2002)
• Katyn (2007)

Man of Iron ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 1981. Cuatro de las obras de Wajda, The Promised Land, The Maids of Wilko, Man of Iron y Katyn han sido nominadas para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. En 2000, Wajda recibió un premio honorífico de la AMPAS.Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 4 puntos.

LAS HIERBAS SALVAJES

de Alain Resnais

Les herbes folles

Francia, 2009

Género: Comedia dramática

Dirección: Alain Resnais

Según el libro “L’ incident” de Christian Gally

Imágenes inspiradas en “The Spirit”, un cómic de Hill Eisner

Director de fotografía en colores: Eric Gautier

Intérpretes: André Dussollier (Georges Palet) – Sabine Azéma (Marguerite Muir)

Estreno en la Argentina: 15 de julio de 2010

Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes 2009

Duración: 105’

Calificación: Apta para todo público

Las hierbas locas o salvajes son la imaginación humana.

Las relaciones entre los hombres y mujeres están hechas de azar y de una decisión a tomar dictada por la imaginación de cada uno. Una combinación que nos permite recrear la vida y los diversos matices del amor.

Nada más importante que observar el cartel de publicidad del filme de este magnífico artesano Alain Resnais. En medio de un campo salvaje dos figuran se destacan en primer plano: un hombre y una mujer, con las cabezas cargadas de pasto que parece crecer y tapa los rostros. Ese es el primer rastro de esta encantadora película iluminada por Eric Gautier.

El relato se inicia con Marguerite en un shopping. Compra sin necesidad un par de zapatos (supone que tiene feos pies) y la mujer parte hacia la playa de estacionamiento. El azar irrumpe: un muchacho le roba la billetera. El ladronzuela le saca el dinero y la tira en un al lado de un coche aparcado luego de recorrer varios. La casualidad interviene: el auto es de Georges, quien la recoge y debe decidir si llamar a la dueña.

La vida está tejida de frases hechas: gracias, ¿qué desea comer?, ¡qué bello día!. Y de intrascendencias: los contestadores telefónicos sirven para contestar, vamos allá, dónde es allá, allá es allá. Y de oraciones que no se completan: Me parece que…, Creo que tal vez lo…, No sé si…

Está el azar haciendo de las suyas, que nos obliga a elegir, a decidirnos, en suma: a imaginar. Y cada vez que imaginamos surge una hierba salvaje, puesto al azar, en cualquier sendero.

Cada vez que los protagonistas imaginan Resnais interrumpe la historia mostrando la maleza que crece. Marguerite es dentista y aficionada a la aviación (da clases de vuelo de “iniciación” no de “bautismo”, aclara el portero de un aeroparque, y hay que tomarla en cuenta en el desenlace de la historia). Georges está casado con una dulce esposa, tienen con dos hijos grandes, no son abuelos, la mujer trabaja como vendedora de pianos, él está sin trabajo y es un aficionado al cine y ha leído mucho sobre aviones.

El encuentro entre ambos tarda en producirse. Hay idas y venidas, llenas de dudas, postergaciones (la in-decisión ayuda al azar), imprecisas premoniciones). Se logrará después de que crezca mucho césped. La imaginación los alborota: ella imagina que es un acosador y acude a la policía; él la imagina desatenta pero luego se arrepiente y la supone de varias formas al observar sus fotos en los documentos.

La hierba se multiplica. Él dice: “Está en nuestra naturaleza imaginar cosas”. Es que eso hacemos los seres humanos: imaginamos y dependemos no sólo de nuestras imágenes interiores, auténticas o no), también estamos atados a las imágenes de los otros. Ambas se entrecruzan, se confunden y todo habrá de terminar cuando la cortadora de césped haga su trabajo o la máquina cortadora de pasto cumpla el trabajo de un empleado de un aeropuerto (reparar en el final y en el comentario que el obrero emite al ver las evoluciones peligrosas de la avioneta).

Gally-Resnais nos dicen que el amor es una de las herbes folles que nos creamos. La pasión depende de nuestra imaginación. Cuando Georges le pregunta a Marguerite: “¿Se puede amar sin sentir inquietud?”, ella responde que “Sí”. Acto seguido la interroga: ¿Se puede amar con inquietud?”, ella asiente: “También”. O sea que el diálogo equivale a: ¿Se ama con la imaginación? Ellos sabrán que sí. Como también suponer que el amor loco puede ser de otra forma, porque los sentimientos están originados en la imaginación que habita nuestro inconsciente, y siempre está dispuesta a crecer en medio del campo, (des)ordenadamente.

El segundo encuentro (y definitorio) de la pareja será cuando ella lo espera que salga del cine. De una vieja sala que proyecta un filme bélico norteamericanos de los ’50 y que Georges vio cuando niño: “Los puentes de Toko Ri”, con Grace Kelly y William Holden. Él no puede olvidar el final de esa película: una pareja de aviadores caen sobre el campo de batalla. En este caso la máquina de cortar pasto está a cargo de los coreanos. Ella lo ve salir de la salita y va en su busca, se le adelanta, se le pone al frente y él lo primero que imagina (y se lo dice) es: “Me amas”. Una afirmación que agiganta otro arbusto loco. La relación (nunca física) está plantada en la tierra.

Serán cuatro las veces que se evoca la vieja película dirigida por Mark Robson: la primera, Georges imagina caminando de espaldas rumbo a la sala de exhibiciones (¿dónde mejor refugio que el imaginario que ofrece el cine? La segunda es ella la que lo ve en el mismo camino, a ver en la pantalla un filme de aviación seguida de muerte. La tercera: Toko-Ri es el escenario de los sueños de Georges en su escritorio, oyendo los bombardeos. La cuarta (fundamental): Marguerite y Georgesw se enfrentan por casualidad en las escaleras y se lanzan en un fuerte abrazo -el único que tendrán- en tanto se escucha el sonido del Cinemascope y las trompetas de la Century Fox anticipando a la izquierda inferior de la pantalla la pelabra “Fin”.

Pero el relato sigue. El azar interviene (se le ha roto el cierre del pantalón en el baño al desconcertado Georges). Lo disimula. Marguerite lo invita a él y a su esposa a un vuelo en la avioneta. Ascienden. Y en en pleno vuelo ella lo invita a manejar el vehículo. Georges lo hará por primera vez. Toma el manubrio y ella descubre la bragueta abierta. Sonríe y empieza a imaginar. ¿Qué? No lo sabremos. Georges se siente en falta e imagina. ¿Qué? Tampoco lo supondremos en concreto. Y lo que sigue es un misterio. Lo que ha ocurrido dentro de la avioneta queda a cargo de la sorprendida imaginación del espectador…

Las escenas finales son confirmatorias de la loca relación: un cementerio lleno de lápidas (dentro de los ataúdes no crecen herbes folles). ; luego la cámara prosigue un viaje por montañas rocosas y piedras dibujando formas sin verde (en las pétreas desnudeces no surgen hierbas salvajes). Y aparece el colosal remate que perturbó a los críticos:

Una niña desde su cama le pregunta a la mamá -que está escribiendo ante una vieja máquina-: “Cuando sea gato comeré bombones?”. Es lógico: los seres -como dijo Georges- no dejamos de imaginar, como queremos, lo que se nos ocurre. En nuestro interior podemos ser gatos, muñecos de trapo o experimentar amor (in)existentes. Todo depende. De cada uno de nosotros. De lo que escondemos, De lo que llevamos, quizás para llevarlo al reino de la imaginación que es el cine.

Es lo que ha hecho Resnais (un artesano de 87 años) que esperá la inevitable máquina que corte sus arbustos locos o salvajes.

Hernando Harb

LA VIDA ES SUEÑO DE CALDERON DE LA BARCA

Direccion Calixto Bieito (1)

Elenco
(por orden de aparición)

Rosaura Muriel Santa Ana
Clarín Pacha Rosso
Segismundo Joaquín Furriel
Clotaldo Osvaldo Santoro
Estrella Ana Yovino
Astolfo Lautaro Delgado
Basilio Patricio Contreras
Criado Hernán Cuevas
Soldado Enrique Federman
Cantaor Jeromo Amador
Percusionista Marcelo Aronson

Coordinación de producción Lorenzo Juster, Mariana Toledo
Asistencia de producción María Ibarra
Asistencia de dirección Fabián Barbosa, Ana María Converti
Apuntadora Tanya Barbieri
Diseño de iluminación original Xavier Clot (A.A.I.)
Reposición de iluminación Calixto Bieito, Alberto Lemme
Diseño de vestuario original Mercè Paloma
Reposición de vestuario Aníbal Duarte
Diseño de escenografía Calixto Bieito, Carles Pujol
Adjunto a la dirección Joan Anton Rechi

Dirección Calixto Bieito

Esta producción contó con la colaboración del equipo artístico y de gestión del Teatre Romea de Barcelona: Amparo Martínez, Miguel Montes, Maite Pijuan, Tania Brenlle, Lidia Giménez.

La vida es sueño es una coproducción del Complejo Teatral de Buenos Aires y el Teatre Romea, con el apoyo de Iberescena, Bicentenario, AECID y Centro Cultural de España en Buenos Aires. Con la colaboración de Teatre-Auditori Sant Cugat.

Duración: 120 minutos

Furriel interpreta a Segismundo, príncipe de Polonia narcotizado y preso en una torre por orden de su padre, el rey Basilio (Patricio Contreras), quien teme por la crueldad de su hijo al convertirse en su sucesor. En paralelo, converge la historia de Rosaura, a cargo de Muriel Santa Ana, quien se topa con Segismundo cuando viaja a Polonia disfrazada de hombre en busca de su padre.

La vida es sueño de Calderon de la Barca es una de las obras fundamentales de la Literatura española. Data del siglo XVII, escrita en verso, y supone un gran desafio montarla en un escenario en esta epoca. Por cierto, sus textos maravillosos no han perdido su vigencia. Recuerdo esta obra cuando era de lectura obligatoria en la materia Literatura de mi escuela secundaria. Esta puesta del Director Español Calixto Bieito, es la misma que éste monto en 1998 en Londres con elenco inglés, y la cual reprodujo en España con actores de dicho país. Ha merecido criticas diversas, algunas muy buenas y otras muy criticas. En lo personal me encanto. Muriel Santa Ana realiza un buen trabajo con su composición de Rosaura, al igual que Joaquin Furriel en el papel de Segismundo. Muy lograda la interpretacion de Patricio Contreras del Rey Basilio. Las musica, las luces, y las imagenes que logra Calixto Bieito me parecen sobresalientes. La pieza de dos horas de duraciòn, torna soportable el tiempo.La obra y su realizacion me encanto, me parecio de un nivel que no se ve permanentemente en el Teatro argentino. Muy recomendable, y quienes vayan a verla se reencontraran con la maravilla de los textos de Calderon de la Barca, un poco olvidado en algun rincon de nuestra biblioteca.

1.- Calixto Bieito es uno de los directores de escena españoles más internacionales. De padre gallego y madre sevillana, Calixto nació en la ciudad burgalesa de Miranda de Ebro el 2 de noviembre de 1963. A los quince años emigró a Vilanova i la Geltrú y más tarde a Barcelona, donde todavía reside. Es Licenciado en Filología Hispánica y en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona, en Interpretación por la Escuela de Arte Dramático de Tarragona y en Dirección de Escena por el Instituto del Teatro de Barcelona. Es un dramaturgo célebre por sus interpretaciones radicales de óperas clásicas. A pesar de la controversia de sus producciones, tiene un gran éxito en toda Europa. Desde 1999 es director artístico del Teatro Romea de Barcelona. Entre sus galardones se encuentra el de la Asociación de Directores de España (2000); el premi al mejor director otorgado por The Iris Time-ESB Iris Adwards (2000); el premio Herald Archangel al mejor artista del Festival de Edimburgo (2003) per Hamlet; el premio al mejor director por la Crítica Teatral de Barcelona (2007); premio Tendencias al creador consolidad por el diario El Mundo (2008) y el premio a la mejor adaptación escénica por la Crítica Teatral de Barcelona (2009) entre otros. Además en 2009 recibió el prestigioso Premio de Cultura Europeo que en ediciones anteriores habían recibido Plácido Domingo, Norman Foster o Frank Gehry. La labor de Bieito como director de escena operístico fue exaltada por su aportación innovadora a la cultura europea.Calixto Bieito fue incluido en la lista de los artistas mas importantes de 2007 por la prestigiosa revista alemana de opera Operwelt. En enero de 2010, asumió la dirección del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León (FACYL) para las dos próximas temporadas.Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

CINCO MUNTOS DE GLORIA

(Five Minutes of Heaven)

Irlanda-Gran Bretaña, 2009

Género: Drama

Hablada en inglés.

Director: Oliver Hirscbiegel

Guión: Guy Hibbert

Fotografía en colores y en blanco y negro

Intérpretes: Liam Neeson (Alistair) – James Nesbitt (Griffin) – Annaria Marinca (la “Soller”)

Fecha de estreno en Buenos Aires: 5 de agosto de 2010

Duración: 90’

Calificación: Apta para mayores de 13 años

Después de unos breves títulos, sin música y con fondo negro, se presentan episodios de la contienda entre católicos y protestantes padecida durante más de tres años. Las imágenes son fuertes.

En primer plano aparece un joven con el torso desnudo presentándose ante las cámaras. Dice su nombre (Alistair), se peina con cuidado, y prepara un revólver (con cuidado pone bala tras bala). Se presenta como integrante del Ulster. El breve discurso habrá de repetirlo treinta años después ante las cámaras de televisión.

Estamos en 1975. El integrante del UVF se despide de sus padres porque sale de paseo con un amigo. Ambos son integrantes de una pandilla dispuesta a cometer su primer crimen. Cruzan las calles. La tensión se vive plano a plano. Hay convicción en el manejo de la cámara por parte del director alemán Oliver Hirscbiegel. El destino del viejo coche Ford: la casa de los Griffin, protestantes. Van a matar al hijo mayor para seguir una guerra “religiosa”.

Alistar desciende encapuchado y tras la ventana acribilla a su víctima, sin reparar en que un niño está jugando en a la pelota en la acera. Los ojos del asesino se cruzan con los del pequeño. La pandilla huye.

Un prólogo lleno de angustia y con una música que tapiza con retazos musicales la situación.

Pasarán treinta años. La televisión londinense decidió reunir al victimario (quien cumplió doce años de cárcel) y la víctima/testigo (un o brero, casado con dos hijos) para conseguir una reconciliación que oficiaría de símbolo para una paz necesaria.

Alistair (Liam Nelson, católico en la vida real) y Griffin James Nesbitt) se aprestan a darse las manos cara a cara. El primero pedirá perdón; el segundo deberá perdonar.

El filme despliega con cautela paso a paso el proceso del perdón. No será fácil. Y aunque un crítico calificó a Griffin como un tipo de lleno de (in)decisiones, no era posible otra reacción de un hombre que ha sufrido la desintegración (espiritual y física) de su familia. La labor de Nesbitt es estupenda: hasta ha cambiado el tono de voz y la pronunciación de las palabras, subrayando las eses y mostrando una exaltación casi histérica hasta el punto de mostrar una navaja escondida entre sus ropas para matar al protestante y lograr los “cinco minutos de cielo”, que es el auténtico título del filme distribuido en la Argentina con una traducción inadecuada e insatisfactoria.

En el medio el guionista incorpora el personaje de una Soller (suerte de cadete, muchacha para todo servicio en la filmación de esa suerte de reality show político: ella oficiará con sus consejos un mediatismo que permitirá reflexionar a los contrincantes y calmar culpas y desánimos. “De no perdonar y matar se hará mal a sí mismo”, le dice a ese Griffin gritón, maquillado y preparado a ser filmado asaltado por imágenes de su infancia.

Vale la pena ver este filme que provocará debates necesarios y permitirá extender la temática a otros lares y a otros intereses actuales.

Es de destacar que algún diálogo puede mortificar por diversos motivos (hay una frase agresiva contra Chile que tal vez ilustre la personalidad de quien la dice) y que modificará los platillos de la balanza que se inclinaría a favor del coprotagonista protestante. O sea que director y guionista no dejan de lado cierta predilección filtrada a pesar de un cierto esforzado equilibrio ideológico.

El alemán Hirschbiegel fue el responsable de La caída (larguísimo relato sobre los probables últimos días de Adolf Hitler) y de El experimento (desavaído relato que bordea el esquematismo de la tortura de una ciencia ficción que se asoma a la vuelta de cualquier esquina ciudadana del planeta), ambos de 2008/9. Por ahí asoma una incursión en Hollywood: la enésima remake Los usurpadores de cuerpo, esta vez bautizada como Invasores, fallida aventura protagonizada por Nicole Kidman. La filmografía del alemán es una muestra de sus titubeos artesanales pero de cierta unidad ideológica de fácil comprobación. Bueno, a cada cual lo su suyo.

Estos Cinco minutos… no lo conducirán a la gloria. Pero vale la pena aceptarlos como una invitación a un gesto de reconciliación que requerimos los humanos entre tantas contingencias que estallan en nuestro mundo. Claro, que la debida intervención de la Justicia. Tan tonto no se puede ser. A Dios lo que es Dios, pero…

Hernando Harb

Ver otro comentario: http://arnaldohugocorazza.blogspot.com/2010/07/cinco-minutos-de-gloria-de-oliver.html