Título Original: Roma Citta Aperta
Año: 1945
País de Orígen: Italia
Formato: avi
Duración: 1h 37m 55s
Idioma: Italiano
Subtítulos: Español
Direccion: Roberto Rossellini
Elenco: Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Plagiero, Nanda Bruno y Harry Feist.

En la Roma de 1943 - 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la resistencia antinazi. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijito. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -éste traicionado por su ex amante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.

Es uno de los films que marca el comienzo del neorrealismo italiano. Fue filmada en 1945 sobre hechos que acaecieron en 1943/44. Esta contemporaneidad con los hechos le trajo a la pelicula de Rossellini muchos problemas, siendo prohibida en Italia y Alemania, y hasta en la Argentina en el año 1947. Pese a todo ganó la palma de oro del Festival de Cannes en 1948. Es un film de denuncia respecto de los hechos de la Roma ocupada por los nazis, y podrá cuestionarsele muchas cosas, pero el film se traduce en un relato de alto dramatismo, casi con formato documental, con una clara reivindicación de los valores éticos. Es muy dificil valorar la honestidad y valentía intelectual de Rosellini despues de mas de 50 años, pero este film fué filmado apenas terminada la segunda guerra mundial, es casi contemporanea a los hechos denunciados y filmada con un realismo y convicción que asombran. Es un gran film, que cuenta con interpretaciones magníficas como la Ana Magnani, y Aldo Frabrizi en el papel del cura. Marcó un rumbo en el cine italiano de la época, dando sin duda nacimiento a la etapa fecunda del neorealismo italiano. Es un film indispensable, para los amantes del cine.

1.-Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre construyó el primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas), garantizando a Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto trabajó como técnico de sonido en películas, y por algún tiempo pudo trabajar en varios campos relacionados con la creación de películas, ganando competencia en cada uno. En 1938 giró su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra pilota, una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Santis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (1941) es la primera de la llamada Trilogía Fascista, junto con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce (1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi. Cuando el régimen fascista terminó en 1945, sólo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, con Fellini asistiendo en el guión y Fabrizi en el papel del sacerdote), que él mismo produjo, obteniendo la mayor parte del dinero de créditos y préstamos. Este drama fue un éxito inmediato. Rossellini comenzó así su Trilogía Neorrealista, cuya segunda película fue Paisà(1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (1947), patrocinada por un productor francés y dirigida en el sector francés de Berlín. Como declaró en una entrevista, para crear realmente el personaje que uno tiene en mente, es necesario para el director entablar una batalla con el actor que normalmente termina sometiéndose a los deseos del actor. Como no deseo estar malgastando mis energías en una batalla como ésta, sólo uso actores profesionales en contadas ocasiones. Se ha dicho que una de las razones de su éxito fue el hecho de que Rossellini reescribió los guiones según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Acentos regionales, dialectos y vestimentas se ven en sus películas del modo en que verdaderamente eran. Después de su Trilogía Neorrealista, Rossellini produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (con Anna Magnani) y La macchina ammazzacattivi, mostrando realidad y verdad. En 1948 Rossellini recibe una carta de Ingrid Bergman proponiéndole trabajar con él y así comienza una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine, con Ingrid Bergman y Rossellini en la cumbre de su popularidad e influencia. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (en la isla de Stromboli) 1950, cuyo volcán entró en erupción durante el rodaje), y en Europa '51 1951. En 1953, Viaggio in Italia completa la llamada Trilogía de Ingrid. Esta relación causó un gran escándalo en algunos países (Bergman y Rossellini estaban casados antes de conocerse); el escándalo se intensificó cuando comenzaron a tener hijos (uno de los cuales es Isabella Rossellini).
Filmografía (parcial) :

• Año uno (1974). Director.
• The taking of power by Louis XIV (1966). Director.
• Rogopag (1962). Director.
• Fugitivos en la noche (1960). Director.
• El general de la Rovere (1959). Director.
• Juana de Arco en la hoguera (1954). Director y guionista.
• Ya no creo en el amor (1954). Director.
• Te querré siempre (1953). Director y guionista.
• Los siete pecados capitales Episodio La envidia (1952).
• Europa '51 (1952). Director y guionista.
• Francisco, el juglar de Dios (1950). Director.
• Strómboli (1949). Director y guionista.
• El amor (1948). Director y guionista.
• Alemania, año cero (1947). Director y guionista.
• Camarada (1946). Director y guionista.
• Roma, ciudad abierta (1945) Director y guionista.
• La nave bianca (1941) Director.

Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 5 puntos

LAS HORAS DEL VERANO

de Olivier Assayas

Dirección: Olivier Assayas.
País: Francia.
Año: 2008.
Duración: 102 min.
Género: Drama.
Elenco: Juliette Binoche (Adrienne), Charles Berling (Frédéric), Jérémie Renier (Jérémie), Edith Scob (Hélène), Dominique Reymond (Lisa), Valerie Bonneton (Angela), Isabelle Sadoyan (Eloise), Kyle Eastwood (James), Alice de Lencquesaing (Sylvie), Emile Berling (Pierre), Jean-Baptiste Malartre (Michel Waldemar).
Guión: Clémence Schaeffer.
Producción: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz y Charles Gillibert.
Fotografía: Eric Gautier.
Montaje: Luc Barnier.
Diseño de producción: François-Renaud Labarthe.
Vestuario: Anais Romand y Jürgen Doering.
Estreno en Francia: 5 Marzo 2008.

La película habla de tres hermanos en la cuarentena cuyos caminos chocan cuando su madre, encargada de gestionar la excepcional colección de arte del s. XIX que pertenició a su tío, muere repentinamente. Los tres se verán obligados a entenderse y a limar sus diferencias. Adrienne es una diseñadora con éxito en Nueva Yok, Frédéric un economista y profesor universitario en París y Jérémie un dinámico hombre de negocios asentado en China, deberán enfrentarse al fin de su niñez, memorias compartidas, orígenes y su particular vision del futuro.

El film de Assayas es un retrato de los sentimiento encontrados de tres hermanos referidos a la herencia de su madre, la venta de la casa y de las obras de arte que ella contenían. La pelicula esta estupendamente filmada, con una excelente fotografia, aunque la trama por cierto no parece muy original, ni de una profundidad en los conflictos deseable. Aparecen historias paralelas como el amor cuasi secreto de su madre hacia un tio de los protagonistas, una mera referencia a las diferencias generacionales respecto de sus hijos. Pero no mucho mas. Me parecio un film correcto, pero nada mas que eso. Su lentitud -que no es un pecado en el cine- la va tornando aburrida, por la falta de sosten y profundidad de los conflictos. Si bien hay opiniones muy encontradas sobre este film, en lo personal me dafraudó, no logró retener mi atención, por la obviedad de la trama. Todo pareciera previsible, aunque es de destacar los pulidos dialogos de los protagonistas, y la muy buena factura del film. Recomendada, con advertencias.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

TITULO: El viento que acaricia el prado
TITULO ORIGINAL: The wind that shakes the Barley
GENERO: Drama
DIRECCION: Ken Loach
GUION: Paul Laverty
INTERPRETES: Cillian Murphy, Pádraic Delaney, Liam Cunningham, Orla Fitzgerald, Mary Riordan
FOTOGRAFIA: Barry Ackroyd
MUSICA: George Fenton
MONTAJE: Jonathan Morris
ORIGEN: Alemania – Italia – Francia – Inglaterra (2006)
DURACION: 127 minutos
CALIFICACION: Apta para mayores de 16 años
WEB: http://www.thewindthatshakesthebarley.co.uk/
DISTRIBUIDORA: Distribution
TRAILER: no disponible
FECHA DE ESTRENO EN BUENOS AIRES: 5 de octubre del 2006
DATOS PARA DESTACAR: Ganadora de la Palma de Oro Cannes 2006

Irlanda, 1920. Los hermanos Damian y Teddy dejan sus tranquilas vidas para unirse a los trabajadores y campesinos que, por amor a la patria, están formando grupos armados para enfrentar a los escuadrones ingleses. La lucha armada decidirá la independencia, limitada, del pueblo irlandés de la corona británica.

Es un freso de la lucha del pueblo irlandes por su independencia de Gran Bretaña, que llega hasta la firma de tratado anglo-irlandes por la cual se crea en 1922 el estado libre Irlandes por el cual seguia dependiendo de la monarquia Británica. Muestra, y apenas, el comienzo de la guerra civil en irlanda, porque muchos combatientes no aceptaron ese tratado. El film es interesante, bien filmado, con una excelente fotografia, pero como dije al comienzo es solo un fresco, que no profundiza demasiado en los conflictos. Es solo una mirada, critica del colonialismo Británico. Recuerderse,que recien en 1937 nace la República Irlandesa, verdaderamente independiente de Gran Bretaña, no comprendiendo a Irlanda del Norte que sigue ocupada por los Británicos. El premio Palma de Oro del Festival de Cannes 2006 parece excesivo, aunque quizás como algunos han dicho, ha sido mas un premio a la trayectoria de Ken Loach. El film es bueno, nada extraordinario, pero por cierto interesante para aproximarse a la larga lucha del pueblo Irlandes contra el colonialismo británico, que aún no ha concluido. Muy buenas las interpretaciones. Recomendable.

1.-Kenneth Loach conocido como Ken Loach, (Nuneaton, Warwickshire, Inglaterra; 17 de junio de 1936) es un director de televisión y director de cine del Reino Unido, conocido por su estilo de realismo social y temática socialista ligados a su militancia trotskista. A los 25 años, mientras estudiaba derecho en Oxford; en el St Peter's College; entró por primera vez en contacto con las artes escénicas, actuando en el grupo de teatro de la universidad. Después de graduarse, trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. Pero estaba más interesado en el mundo audiovisual que en el de las tablas, así es que después de obtener en 1963 una beca en la cadena de televisión BBC, se inicia en la dirección. El ambiente que se respiraba en aquellos años, favorecía la realización de programas que criticaban las injusticias sociales, allí encontró Loach la visión y la voz que caracterizaría su cine. A partir de 1964 comienza a dirigir una serie de documentales, el más famoso de ellos es Cathy Come Home (1966) sobre la pobreza, con el cual obtuvo gran éxito. Desde entonces y hasta principio de los 80', dividió su tiempo entre el cine y la televisión, filmó cuatro largometrajes, numerosos documentales y películas para la TV como The Big Flame (1969) sobre los trabajadores portuarios de Liverpool y la serie Days of Hope (1975), sobre los hechos que llevaron a la huelga de 1926, y la derrota del Movimiento Laborista Británico. Con Margaret Thatcher en el poder, crece el paro y los recortes de presupuesto para la cultura. La Dama de Hierro se gana muchos enemigos entre los artistas, Loach entre ellos. El Channel Four prohibió sus documentales A Question of Leadership, con los que combate al Thatcherismo, por lo cual a lo largo de toda esa década solo puede filmar dos películas. En los años 90', con los cambios políticos, su carrera se revitaliza. Ha filmado hasta ahora nueve películas más, con la mayoría de las cuales ha obtenido numerosos premios, consolidando su carrera internacional, pero manteniéndose siempre fiel al estilo que fue una constante en su vida: la defensa de los oprimidos. En cuanto a la militancia estrictamente política, Ken Loach es hoy día miembro de la directiva de la coalición de izquierda RESPECT. Loach, en cuyas películas muchos creen ver algo así como un "grado cero de la escritura cinematográfica", es dueño de un estilo depurado y sintético. Como heredero inequívoco de las principales tendencias de cine realista de europa y en mayor medida del cine independiente que se caraterizaba por su realismo, su inconformismo social, su crítica a la burguesía y a la sociedad, y su acercamiento a los seres anónimos de la misma, o su sentido del humor. Ken Loach, al igual que sus antecesores, denuncia los traumas que ocasiona en los seres humanos la vida en las ciudades industriales a pesar de los avances tecnológicos, y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar sustancialmente las condiciones de la clase trabajadora (poniendo de ejemplo lo que mejor conoce: las injusticias que sufren las clases menos favorecidas en la sociedad británica).Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

EL PRÍNCIPE DE PERSIA: LAS ARENAS DEL TIEMPO

Título original: Prince of Persia: The Sads of Time

Estados Unidos, 2010

Estreno en la Argentina: jueves 27 de junio

Género: Aventuras

Director: Mike Newell

Productor: Jerry Bruckheimer

Idea: Jerry Bruckheimer

Guión: Doug Miro – Boaz Yakin

Intérpretes: Jake Gyllenhaal (Dastan) – Gemma Artenton (Tamina) – Ben Kingsley (Nizam) – Alfred Molina (Sheik Amar) – Steve Toussaint (seso) – Richard Coyle (Tus)

Calificación: Para todo público

Duración: 114 minutos

Érase una vez… un público infantil y adolescente (acompañado por familiares de diversas edades y parentescos) asistente a mamotretos italianos filmados en techniscope y en radiantes colores, con circos más o menos romanos, sonoras trompetas que anunciaban a Ulises (sin Penélope) peleando con Sansón (lejos de Dalila). No importaba la coherencia histórica. Mucho menos los Libros del Antiguo Testamento. Los datos cronológicos se ignoraban y podían asociarse morrudos luchadores griegos con algún fenicio escapado de alguna página apócrifa, o con Teseo que desconocía la fortaleza del Minotauro y mucho menos la astucia femenina que lo salvaría de laberintos (in)mortales.

Los años 60’ quedaron atrás.

Dieron paso a extraterrestres de toda laya, con ojos empañados y lenguaje repleto de pacifistas promesas dictadas por interplanetarios cultores de la amistad.

Los ’80 se volatilizaron.

Con dientes filosos, hipodérmicas destrezas y sangre a raudalos los espectadores (de edades varias) pasaron a disfrutar de la imaginería de una Transilvania con colores prestados por los hermanos de la Casa Hammer. O –para el caso es lo mismo- muertos vivos engendrados en tumbas texanas haciendo alarde de racismo y canibalismo (el orden no altera la necesidad).

Llegaron los videogames amparados por la globalización técnica. Y en los barrios del orbe un variado público se dedicó a esas aventuras capaces de negar la originalidad y empecinarse en negar estilos, desconocer la diversidad, endiosar la opulencia física de un héroe emergido de una Troya ubicada entre cartagineses y camuflados boinas negras (la lógica es lo de menos). Eso sí, varios monstruos amenizaban las tertulias cuasi familiares prodigadas por computadoras servidoras de esperpentos lúdicos.

Era de esperar. Como la espiral de Toynbee la historia se repite sin respetuosa circularidad. Y productores de cine, que llenaron sus alforjas con tesoros prestados por piratas caribeños (presididos por un Johnny Depp, contratado en los momentos en que Tim Burton escribía otro guión), descubrieron el filón.

Y nacieron héroes como este Rey de Persia (hoy Irán, dato nada menor) que des-anima Jake Gyllenhaal, de quien sólo puede decirse (en este caso) que sus ojos iguales a los de Maggie –su hermana y actriz- no concuerdan con esa apariencia pr0ducto de esteroides y de ejercicios facilitadas por dobles puntuales.

La historia de este Rey de… es casi la misma que la original. Huérfano adoptado por un rey que lo educa junto a dos hijos sin imaginar que le espera la muerte a manos de un miembro familiar. Porque Sharaman (tal el nombre de S.M.) es asesinado por su hermano, un Nizam hamletiano (pero sin consorte adúltera y con esfinges pronosticadoras). El acusado es Dastan/Jake, capaz de enamorar a la princesa Tamina y descubrir el motivo del deicidio: “Arenas del Tiempo”, daga muy filosa que permite no sólo retroceder en el tiempo y modificar disgustos, sino que en manos indignas puede terminar con el mismísimo mundo. Una exageración.

El videogame se pone en marcha. Cuando la pareja inicia una escapatoria por confines nada envidiables. Menos mal que la princesa conoce el manejo del filoso instrumento. Sabiduría femenina al servicio de jugadores del siglo XXI.

Lo que no se pone en marcha es el filme. La culpa no sólo es de los adaptadores, también es compartida por Mike Nerwell –un artesano que se lanzó a popularidad con Cuatro bodas y un funeral-, cuya ineptitud es fácilmente demostrable. Sobre todo en las escenas finales.

El reparto incluye a Ben Kingsley y a Alfred Molina, un par de actores muy buenos que se han (mal) acostumbrado a servir a un roto como a un descosido. Después dicen que el dinero no puede todo…

Érase una vez… que los jóvenes entrampados en el universo de un videojuego se rebelaron al descubrir un par de libros escritos por un ciego llamado Homero. Después vendría Shakespeare y el arrepentimiento por perder el tiempo con las bondades ofrecidas por Internet.

HERNANDO HARB

TITULO ORIGINAL: Live!
GÉNERO: Comedia, Drama.
DIRECCIÓN: Bill Guttentag.
GUIÓN: Bill Guttentag.
ACTORES: Katy (Eva Mendes), Rex (David Krumholtz), Don (Andre Braugher), Byron (Rob Brown), Rick (Jeffrey Dean Morgan), Brad (Eric Lively), Jewel (Katie Cassidy), Pablo (Jay Hernandez), Abalone (Monet Mazur), Plummy (Missi Pyle).
PRODUCCION: Charles Roven, Alex Gartner, William Green.
MÚSICA: Phil Marshall.
DISTRIBUIDORA: Distribution Co.
PAÍS: Estados Unidos.
AÑO: 2007.
DURACIÓN: 96 minutos.
ESTRENO EN ARGENTINA: 16 de Abril de 2009.

Es una película incómoda. Se trata del primer largometraje de ficción Bill Guttentag, un oscarizado director televisivo y autor de cine documental de gran calidad., desconocido en la Argentina por obra y gracia de la (falta de) promoción y de la (silente) censura.

En este filme de estructura de aparente sencillez –sin numerosos primeros planos, de zigzagueante cámara, de montaje nervioso- necesaria para crear un distanciamiento cómplice entre el espectador y la mirada tenaz de la lente, se denuncia el manejo de los reality shows y de la falta de límite que impone el rating, ese dios impiadoso que hace culpables a los improvisados y libera de castigo a sus adoradores.

El amo de Network, empresa televisiva omnipotente al borde de la crisis, le impone a la productora Katie (la bellísima Eva Mendes, actriz de ascendencia cubana nacida en Texas, Houston) que busque la fórmula que eleve las acciones de la empresa televisiva.

La ambición desmedida desconoce la prudencia y la mujer plantea la creación de un sofisticado reality: seis participantes que deben someterse al juego de la ruleta rusa, los familiares del que muera obtendrán una ristra millonaria de dólares. Los que se salven perderán, luego de observar en las plateas a llorosos parientes a la espera de que el azar los indemnice de toda culpa.

La gélida Katie/Eva tienta a los directivos. Ella los convence de que la muerte (no la simulada en las telenovelas) tiene que ser la realidad observada a través del ojo de la cerradura instalado en el hogar o en la platea de un set. De ahí el subtítulo del filme, La muerte en vivo una inmodesta (disculpable por la intención) referencia a la magnífica La muerte en directo de Bertrand Tavernier.

La minuciosa descripción del show es el núcleo de un film galardonado en el Festival de Cine de TriBeCa, en 2007, certamen fundado por varias figuras famosas de la industria, entre otras Robert De Niro. (Tribeca es un barrio de Manhattan, ámbito donde residen Meryl Streep, el dramaturgo Edward Albee y hasta el mismísimo De Niro. Su nombre en castellano es Triángulo bajo la Calle Street). Fue un espaldarazo a Guttentag, quien curiosamente había filmado un reality para la TV Crime & Punishment (serie, 2002) protagonizado por jueces y abogados auténticos, quienes disparaban dardos a una sociedad dedicada a esparcimientos nada ejemplificadores ni didácticos.

Premio merecido a esta Live! No exhibida en ningún estado de USA, y prohibida en países europeos (España, por ejemplo) y en otros como en la Argentina relegada al DVD. Explicable si se vive en el auge de esa clase de programas donde la simulación de los protagonistas es inevitable-saben que son observados- y la insatisfacción del espectador –al conocer esa imposible de asistir a una no-ficción- terminan por provocar una insatisfacción sólo colmada por un espectáculo que supere la dramatización teatralizada. La serpiente, como el deseo, se muerde la cola. Y debe repetirse el juego circular.

Live! es un título a descubrir. Dueño de una ética expuesta con implacabilidad.

Sería interesante conocer otros títulos de Guttentag como You Don´t Have to Die, documental producido por HBO, ganador de un Oscar al mejor en su género en 1988, o la premiada por la Academia de Hollywood Twin Towers (2003) o la elogiada The Cocaine War: Lost in Bolivia (denuncia armada en estudios televisivos independientes en 1992).

Varias veces candidato a la estatuilla dorada, premiado en Sundance por Narking, incisivo análisis de la Segunda Guerra Mundial, este observador de un mundo líquido –como lo definiría un filósofo galardonado con el Premio Cervantes- que nos apremia a despertarnos del mal sueño de la falsedad armada por varios Salieri, esos enemigos de una realidad que podría ser mozartiana para bien de una sociedad desorientada.

El cine también es un convite a saber detectar los errores circundantes. Cuidado con las invitaciones adulteradas.

HERNANDO HARB