Título original: Cracks
País: Inglaterra, Irlanda
Productora: Element Pictures
Director: Jordan Scott Guión: Ben Court, Caroline Ip Reparto: Eva Green, Juno Temple, María Valverde, Imogen Poots, Ellie Nunn, Adele McCann, Zoe Carroll, Clemmie Dugdale, Sinéad Cusack
Año 2009

Cracks cuenta la historia de unas adolescentes que viven en un internado femenino y sienten fascinación hacia una de las profesoras, Miss G, que les enseña natación. El problema viene cuando una alumna española llega y le quita el protagonismo, además de fascinar a Miss G.

Este film es dirigido por Jordan Scott, hija de Ridley Scott. Sir Ridley Scott (n. 30 de noviembre de 1937) es un director de cine británico. Es hermano del también director de cine Tony Scott.Ha sido nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección. En enero de 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II.
El film por cierto no resulta demasiado atractivo. Esta solo bien filmado, con actuaciones demasiado sobreactuadas, hecho del que no se salva ni Eva Geen en el papel de Mis G. Las relaciones enfermizas de Mis G con las internadas, tema por cierto bastante trillado, no terminan configurando un buen film. Ser hija de, como es el caso de Jordan Scott, tampoco garantiza nada, y el resultado es un mediocre film, carente de atractivos, y con una historia simple, trillada, donde todo resulta previsible. Ni siquiera inadaga demasiado sobre el perfil psicologico de los protegonistas de la historia, con lo que podría haber dotado al film de alguna atracción. Por cierto no se los recomiendo.

Puntos de 1 a 5: 1 punto.

Título: Welcome
Título original: Welcome
Dirección: Philippe Lioret
País: Francia
Año: 2009
Fecha de estreno: 30/04/2010
Duración: 110 min.
Género: Drama
Reparto: Vincent Lindon, Firat Ayverdi, Audrey Dana, Derya Ayverdi, Thierry Godard, Selim Akgul, Firat Celik, Murat Subasi, Olivier Rabourdin, Yannick Renier
Web: www.marsdistribution .com/film/welcome
Distribuidora: Golem Distribución
Productora: Canal+, Mars Distribution, Nord-Ouest Productions, C.R.R.A.V. Nord Pas de Calais, Centre National de la Cinématographie (CNC), CinéCinéma, France 3 Cinéma, Uni Étoile 5, Programme MEDIA de la Communauté Européenne, Studio 37, Cofinova 5, Banque Populaire Images 9, Fin Août Productions, Cinémage 3, Sofica Soficinéma 4, Région Nord-Pas-de-Calais

Bial, un joven de 17 años procedente del kurdistán iraní, ha cruzado el Oriente Próximo y Europa para reunirse con su novia recién emigrada a Inglaterra. Pero su recorrido se detiene bruscamente cuando, en el lado francés, le impiden cruzar el Canal de la Mancha.Decide cruzar el canal a nado. Para cumplir su objetivo, empieza a entrenarse en la piscina municipal. Allí conoce a Simon, un profesor de natación en pleno proceso de divorcio. Simon está dispuesto a hacer lo que sea para recuperar a su mujer y lo arriesga todo ofreciendo protección a Bilal.

Este film aborda las politicas antimigratorias de Europa, especificamente Francia. es dificil para los Argentinos que tienen un país, abierto a todos los hombres del mundo que quieran habitar nuestro suelo, entender la deshumanización y la crueldad de esas políticas. Es mas, estoy orgulloso de nuestro país. Las película es una historia de amor, donde un joven de 17 años originario del Kurdistan Iraqui, decide ir a buscar a su novia radicada en Londres. En Francia, es sometido a la persecución y la discriminación. Y decide cruzar a nado el Canal de la Mancha ayudado por Simón un frances que lo protege, y sufre las consecuencias por hacerlo. El fin el simple, bien narrado, y con buenas interpretaciones y una excelente fotografia. Es triste, muy triste, a veces pareciera sensiblero, si uno no advierte que estas historias no solo son reales, sino que ocurren a diario. Es un buen film, con un tema por cierto trillado, pero con buen tratamiento.
Su título es una ironía, ya que los inmigrantes no son bien recibidos en Francia.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

TITULO: Los falsificadores
TITULO ORIGINAL: Die Fälscher (Englis title The Counterfeiters)
GENERO: Drama
DIRECCION: Stefan Ruzowitzky
GUION: Stefan Ruzowitzky
INTERPRETES: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt, Tilo Prückner
FOTOGRAFIA: Benedict Neuenfels
MUSICA: Marius Ruhland
MONTAJE: Britta Nahler
ORIGEN: Austria - Alemania (2007)
DURACION: 98 minutos
CALIFICACION: Apta para mayores de 16 años
WEB: http://www.diefaelscher.at/
DISTRIBUIDORA: Alfa
ESTRENO EN BUENOS AIRES: 15 de mayo del 2008
DATOS PARA DESTACAR: Ganadora del Oscar a mejor película extranjera 2008

La verdadera historia de Salomon Sorowitsch, insigne falsificador y bohemio. Tras su confinamiento en un campo de concentración alemán en 1944, aceptó colaborar con los nazis en la mayor operación de falsificación de billetes de la historia, con la que se pretendía contribuir a la financiación de la guerra. Durante los últimos años del conflicto, cuando el Reich veía cercano su final, las autoridades decidieron imprimir sus propios billetes en las divisas de sus principales enemigos. Con aquel dinero falso pretendían anegar las economías de los países rivales y al tiempo llenar sus arcas, vacías por la guerra. En el campo de concentración de Sachsenhausen, dos barracones fueron aislados del resto de las instalaciones y del mundo exterior para ser transformados en perfectos talleres de falsificación. Así nació la denominada ‘Operación Bernhard’.

Cuando uno se dispone a ver un film que haya ganado el Oscar a la mejor pelicula extranjera, mas que esperar virtudes, comienza a desconfiar sobre la misma. "Los falsificadores" no es la excepción. Se trata de un mediocre film de origen autriaco-alemán, que no aporta nada de nada al septimo arte. Es un film más sobre el genocidio nazi -los hay mejores-, cuya única virtud es contar una historia real muy poco conocida: la "Operación Bernhard". Muy pobre el ritmo del relato, oscuras las imágenes sin ningun sentido oculto, actuaciones en nada convicentes, y todo, absolutamente todo, previsible. Llegue a pensar que Campanella es Fellini, cosa que todos sabemos no es cierto. Si quieren ver un film sobre el genocidio nazi, simplemente busquen otra.

Puntos de 1 a 5: 1 punto

MOLOCH

de Alexandr Sokurov

Título original: Moloch

Origen: Rusia, Alemania, Francia, 1999.

Idioma: ruso

Director: Alexandr Sokurov

Libro y guión: Yute Arabov y Marina Koreneva

Fotografía (color): Alexei Fiodurov y Anatoli Kadroava

Sonido: Vladimir Presov y Sergei Mpehkov

Productores: Thomas Kufus y Víctor Sergarev

Intérpretes: Elena Rufanova (Eva Braun), Leonid Nozgovoi (Adolf Hitler), Leonid Sokoff (Joseph Goebbels), Elena Spiridonova (Magda Goebbels), Vladimir Bogdanov (Martin Borman), Anatoli Shvedersky (Priest).

Duración: 103’

Calificación: No apta para menores de 13 años

Fecha de estreno en Francia: 13 de octubre de 1999

No estrenada en la Argentina

La censura mercantilista, por lo general, procrea la ignorancia. Para ejemplo basta el desconocimiento del público argentino de una película como Moloch y de la obra de su director, el laureado Alexandr Sokurov, uno de los pocos maestros del cine ruso que dio la postrimerías del siglo pasado.

Porque la audiencia de la Argentina sólo conoce (y conoció) Moloch merced a la actividad de cine clubes esforzados por difundir el buen cine. Avatares diversos han impedido que este filme mayúsculo se exhiba fuera de cenáculos más o menos importantes, o se recomiende de boca en boca la edición completa y masterizada del dvd.

Ganador del Palmarés de Cannes 1999 y del máximo galardón que le otorgó el mismo año el Sindicato de Críticos de Rusia, el título alude a un dios profano fenicio (Moloch, o Moloch Baal o simplemente Baal) adoptado por cierto agnosticismo que abrazó la herejía que alude al hombre que decide transformarse a sí mismo en completa oscuridad al convertirse en materia pura. Para redimirse deberá ofrecer sacrificios al dios pagano, corporizados en recién nacidos, a la espera de conservar inmortalidad. La muerte no deja de aterrar a la maléfica divinidad y no se conforma con no poder vencerla.

La acción se inicia en Bavaria, 1942. Una solitaria y aburrida Eva Braun recorre las vacás dependencias de un refugio alpino bautizado Nido del Águila, un animal que se posa en los balcones de la enorme mansión de escenografía semidesértica, apenas revestida por la estatua de una Jano profética.

La mujer espera a su amante, Hitler, quien arriba acompañado por el matrimonio Goebbels y el infantiloide Borman, todos con su séquito de uniformados serviles, aunque algunos ensayando ridículos espionajes procedentes del anuncio de un final que se anuncia inminente.

El grupo se dedica a holgazanear, emitir chistes absurdos, lucubrar asesinatos de animales (por lo general insectos), divagar acerca de amenazas paranoicas y recorrer como infantes las inmediaciones de un castillo amenazante. Son los practicantes de un culto intentando reposar en una mortuoria iglesia en la que silenciosos sirvientes se deslizan como observantes de un orden meticuloso e incapaces de emitir palabra alguna.

Sakurov ha recurrido a una escenificación operística, wagneriana, que convierte a su Moloch en un relato opresivo en el que la profecía late en el interior de estos sacerdotes del mal que a veces se comparan con Mozart y otras se sienten amenazados por ejércitos de moscas combatidas hasta el cansancio pero que renacen hasta el infinito (una simbología clara creada por el dictador y sus ayudantes).

Hay personajes secundarios de una admirable definición en el desarrollo de una historia que resucita a pesar de afanes y de memorizadotes: es el caso del cura católico que visita a Hitler para rogarle le conceda el perdón a un joven condenado a muerte (“Es inútil aunque usted me hable como si yo fuera Cristo. Debe saber que Él no lo escucha”, advierte el hombrecito del bigote y llos gestos rimbombantes). Claro, es inútil para todo aquel que se dirija al dictador como si fuera el Hijo de Dios. El dueño de la vida y la muerte es Dios.

Singular obra de Sokurov, que merece verse. Sobre todo en estos tiempos que parecen oscilar como un péndulo manejado por amos adoradores de Moloch.

Claro, sabrán tarde o temprano la muerte es invencible. Y que nos espera a los humanos en un tramo del camino, aunque en algún recodo se eleven altares para sacrificar a inocentes. Los oponentes, en guardia.

HERNANDO HARB

Ficha técnica:
T.O.: “The Servant” (Reino Unido, 1963).
Director: Joseph Losey.
Producción: Joseph Losey, Norman Priggen (Elstree/ Springbok Prods.).
Argumento: la novela homónima de Robin Maugham.
Guión: Harold Pinter.
Fotografía: Douglas Slocombe (B/N).
Música: John Dankworth. Dirección artística: Richard MacDonald.
Interpretes: Dirk Bogarde (Hugo Barrett), Sarah Miles (Vera), Wendy Craig (Susan), James Fox (Tony), Catherine Lacey (Lady Mounset), Richard Vernon (Lord Mounset), Anne Firbank, Doris Knox, Patrick Magee, Jill Melford, Alun Owen, Harold Pinter, Derek Tansley, Brian Phelan, Hazel Terry, Philippa Hare, Dorothy Bromiley, Alison Seebohm, Chris Williams.
Duración: 114 min.

Un joven acomodado de la aristocracia londinense, perezoso y de débil voluntad, vive solo en su residencia y decide tomar un mayordomo. Entre estos dos hombres llega a establecerse una relación que irá derivando hacia una degradante dependencia anímica del amo respecto de su criado.... Cuando decide moverse a Londres, el aristócrata Tony, opta por contratar los servicios de Hugo Barret, para que así haya alguien que se encargue de todos los quehaceres de la casa. Barret demuestra ser un empleado competente y leal, no obstante, gradualmente Barret conseguirá dominar la vida del señor sirviéndose de las debilidades sexuales de éste.

Barret interpretado por Dick Bogarde -en una fantastica actuación- es el sirviente contratado por Topny (James Fox) quien pertenmece a la clase alta británica. Poco a poco, d.esde el amoblamiento de la casa, limpieza, cocina, va ocupando todos los espacios y satisfaciendo las necesidades de su "patrón". Con la entrada de Vera a la casa -su supuesta hermana-, logra satisfacer las necesidades sexuales de su patron, con lo que logra su dominación sexual. Poco a poco va alejando de la casa a su novia, quien siempre recelo de el sirviente, interpretada por Wendy Craig. Finalmente Barret logra la dominación absoluta de Tony. El personaje de Dick Bogarde, ambiguo y sagaz, esta representando el poder, y la lucha por conseguirlo, a cualquier precio. La ambientación casi opresiva de la casa, la matemática puesta, el manejo de los actores es simplemente maravillosa. Hasta la filmación en blanco y negro, es la que mas se adapta a este film. Parecería inconcebible que se hubiera filmado en color. Una cámara única, que va analizando sin prisa los personajes y sus estados, la filmación de escenas a traves de los espejos, la dotan de una fotografia fuera de la común. A medida que llegamos a su final el film es más bizarro, y el clima de opresión y dominio se trasmite al espectador. Llega a ser abrumadora. Es un gran film, un clasico del cine inglés, una verdadera joya cinematografica, tornandose indispensable verla.

1.-Joseph Losey (La Crosse, Wisconsin, 14 de enero de 1909 - Londres, 22 de junio de 1984) fue un director de cine estadounidense. Procedente de una importante familia, estudia en un principio medicina para posteriormente abandonar dicha carrera y estudiar la de letras. Su inclinación artística comienza durante la década de los 30 frecuentando la Graduate School of Art and Sciencies, desarrollando numerosas actividades, tanto en el campo periodístico y radiofónico como en el teatral. En este último medio alcanza mucho prestigio, siendo el responsable de algunos espectáculos colaborando con Bertolt Brecht (exponente del teatro épico) y trasladándose a Rusia para estudiar técnicas teatrales. A finales de los años 30 comienza a tener sus primeros contactos con el cine, realizando algunos trabajos para la administración estadounidense y largometrajes de carácter educativo. En 1948 Losey dirige su primer largometraje "The boy with the green hair" (El muchacho de los cabellos verdes) para la RKO. En 1952 como muchos de sus coetáneos es víctima de la política del senador Joseph McCarthy al ser acusado de mantener actividades antiamericanas. Emigra a Inglaterra, donde tras trabajar con varios pseudónimos, entre ellos el de Joseph Walton, Victor Hanbury o Andrea Forzano, decide instalarse definitivamente y proseguir su labor cinematográfica. Empieza a obtener reconocimiento crítico a partir de su exitosa colaboración con el dramaturgo Harold Pinter (reciente Premio Nobel) en tres películas: su obra maestra El sirviente (1963); Accidente (1967); y El mensajero (1970), película que obtiene la Palma de Oro en Cannes. Fuente Wikipedia.

Puntos de 1 a 5: 5 Puntos.

EL NOMBRE DE LA ROSA

Título: El nombre de la rosa

Título original: Der Name der Rose

Dirección: Jean-Jacques Annaud

País: Alemania Occidental, Francia, Italia

Año: 1986

Duración: 130 min.

Género: Criminal, Drama, Thriller, Intriga

Calificación: No recomendada para menores de 13 años

Reparto: Sean Connery, Christian Slater, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Lonsdale, Volker Prechtel, Feodor Chaliapin Jr., William Hickey, Michael Habeck, Urs Althaus, Valentina Vargas, Ron Perlman, Leopoldo Trieste, Franco Valobra, Vernon Dobtcheff, Donald O'Brien, Andrew Birkin, F. Murray Abraham, Lucien Bodard, Peter Berling, Pete Lancaster, Dwight Weist, Franco Adducci, Niko Brücher, Aristide Caporale, Fabio Carfora, Peter Clös, Mario Diano, Fabrizio Fontana, Rolando Fucili, Valerio Isidori, Luigi Leoni, Armando Marra, Maurizio Mauri, Ludger Pistor, Francesco Scali, Maria Tedeschi, Andrea Tilli, Ennio Lollainni, Emil Feist, Francesco Maselli, Renato Nebolini, Antonio Cetta, Franco Covielleo, Daniele Ferretti, Sabatino Gennardo, Luciano Invidia, Mauro Leoni, Massimiliano Scarpa, Umberto Zuanelli, Mark Bellinghaus, David Furtwaengler, Patric Kreuzer, Kim Rossi Stuart, Lars Bodin-Jorgensen, Franco Diogene, Giordano Falzoni, Eckehard Koch, Gina Poli, Gianni Rizzo, Lothar Schoenbrodt, Vittorio Zarfati, Carlo Bianchino, Eugenio Bonardi, Pietro Ceccarelli, Franco Marino, Hans Schödel, Peter Welz, Alberto Capone

Guión: Gérard Brach, Andrew Birkin, Alain Godard, Howard Franklin

Distribuidora: 20th Century Fox

Productora: Les Films Ariane, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF), Radiotelevisione Italiana, Neue Constantin Film, Cristaldifilm, France 3 Cinéma

Presupuesto: 17.000.000,00 $

Casting: Celestia Fox, David Rubin, Dominique Besnehard, Gianni Arduini, Lynn Stalmaster Mali Finn Sabine Schroth

Coproducción: Alexandre Mnouchkine, Franco Cristaldi

Departamento artístico: Adriano Pirri, Alberto Chiovenda, Aldo De Bonis, Alfonso Fortunati, Attilo Crisara, Bruno Tempera, Claudio Stefani, Donato Montanaro, Fausto Baldinelli, Fernando Fortunati, Filomeno Crisara, Franco Ceraolo, Franco Pirolli, Gabriele Binder, Gianni Fiumi, Gianni Indovino, Giorgio Legnani, Giovanni Taglialegna, Iolando Rocchetti, Laurence Duval Annaud, Luigi Lattanzi, Luigi Sergianni, Mario Cinti, Massimo Nespoli, Michael Schlüssel, Michelangelo Borea, Nazzareno Piana, Nicola Di Salvo, Norbert Iborra, Renato Carmelini, Roberto Caracciolo, Susanna Giovannini, Thomas Röhrig, Tito Sereni, Vincenzo Marcucci

Departamento de transportes: Antonio Savini

Departamento editorial: Andreas Althoff, Carlo La Bella, Loretta Mattioli, Margarethe Berchtold, Nani Schumann, Rudolf Ibelher

Departamento musical: Harry Schnitzler, Ian Underwood, Kurt Reichmann, Kurt Rieth, Rainer Standke, Robert Hathaway, Ulrich Ullmann

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Dirección artística: Giorgio Giovannini, Rainer Schaper

Diseño de producción: Dante Ferretti

Efectos especiales: Adriano Pischiutta, Giancarlo Mancini, Ignazio Maccarone

Fotografía: Tonino Delli Colli

Guión: Alain Godard, Andrew Birkin, Gérard Brach, Howard Franklin

Maquillaje: Frederike Reimer, Gerhard Reitinger, Hans Jürgen Schmelzle, Hasso von Hugo, Ilona Herman, Klaus Börmert, Margrit Guthmann, Maurizio Silvi, Renato Francola

Montaje: Jane Seitz

Música: James Horner

Novela original: Umberto Eco

Producción asociada: Herman Weigel, Pierre Hébey

Producción ejecutiva: Jake Eberts, Thomas Schühly

Sonido: Christian Schubert, Claudia Gehring, Eva Claudius, Evelyn Lukas, Frank Jahn, Friedrich M. Dosch, Günther Ruckdeschel, Heiner Harss, Heinz Dittlein, Illo Endrulat, John A. Williams, John Allis, Mel Kutbay, Milan Bor, Monika Bergmann, Norbert Herzner, Raymond Meyer, Ulli Kandlinger, Werner Böhm, Willy Leitenstorfer

Vestuario: Adriana Masseroni, Alberto Spiazzi, Angela Anzimani, Carlo Poggioli, Esther Walz, Eveline Stösser Gabriella Pescucci Kurt Schönwälder, Silvia Grabowski

Todo comienza una hermosa mañana de finales de noviembre del año del señor 1327 cuando Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery), un monje franciscano y antiguo inquisidor, y su inseparable discípulo el novicio Adso de Melk (Christian Slater), que es quien relata la historia, acuden a una abadía benedictina situada en el norte de la península italiana para intentar esclarecer la muerte del joven miniaturista Adelmo da Otranto. Durante su estancia en la abadía van desapareciendo misteriosamente más monjes, a quienes encuentran muertos al poco tiempo. Lentamente, y gracias a la información aportada por algunos monjes, Guillermo va esclareciendo los hechos. El móvil de los crímenes parecen ser unos antiguos tratados sobre la licitud de la risa que se encuentran en la biblioteca del complejo, de la cual se dice que es la mayor del mundo cristiano.

Al momento de su estreno este film fué muy descreditadodo por la prensa italiana. Gran libro, insignificante película, dijeron algunos títulos. El nombre de la rosa, esta basado -en version libre- en la obra del mismo nombre de Umberto Eco publicada en los años 80. Se han señalado varias coincidencias entre la biblioteca de la abadía, que constituye el espacio protagonista de la novela, y la biblioteca que Borges describe en su historia: no sólo su estructura laberíntica y la presencia de espejos (motivos recurrentes en la obra de Borges), sino también que el narrador de La biblioteca de Babel sea un anciano librero que ha dedicado su vida a la búsqueda de un libro que posee el secreto del mundo. Es como un homenaje de Eco a Borges. La novela tuvo gran repercusión y éxito en su época. El nombre de la rosa ganó el premio Strega en 1981 y el Premio Médicis Extranjero de 1982, entrando en la lista «Editors' Choice» de 1983 del New York Times. Un gran error que se suele cometer por muchas personas, es comparar el libro -previamente leido- con el film inspirado en ese mismo libro. Esas comparaciones suelen ser fatales en uno u otro sentido. Deberemos comprender, que la literatura y el cine, son lenguajes absolutamente distintos. En la intimidad de la lectura las imágenes son producto de nuestra creación e imaginación, y los films son imagenes, principalmente imágenes, que no dependen de nuestra imaginación. El nombre de la rosa en un thriller, ambientado en una abadía del medioevo, que puede encuadrarse en el cine negro. Alli se muestra la tiranía de la Iglesia, el rol represor de la Inquisición, y el oscurantismo y la hipocrecia en las costumbres. El film, tiene una gran fotografia de Tonino Delli Colli, buena música y un vestuario impecable. La obra de Annau, la volvi a ver despues de muchos años, y me gustó. Nos es una obra de arte, pero esta bien filmada, es entretenida, y nos brinda un fresco de la época mas que interesante. Yo no diría que es un film imprescindible, pero que merece verse, en retribución de una gran esfuerzo de Annau, que nos brinda un producto cinematografico mas que interesante. La actuación de Sean Connery, del monje franciscano Guillermo de Baskerville, es impecable. Christian Slater en el papel del joven Adso, realiza una interpretación para el olvido, inexpresiva, y floja, muy floja. El resto de las interpretaciones es muy buena. Para concluir, diriamos que ni el libro ni el film, son joyas del arte universal, pero que la película es un producto mas que interesante y que merece ser recomendado.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos.

Grupo de Familia (Gruppo di famiglia in un interno)
Director: Luchino Visconti)
Origen: Italia-Francia - Año: 1974 - 121 min.
Actores: Burt Lancaster, Silvana Mangano, Helmut Berger, Claudia Marsani

Grupo de familia (1974) muestra también las características del último período de Visconti, pues presenta a un viejo profesor retirado, solitario, admirador de cuadros y objetos artísticos, concentrado en sus reflexiones, que debe alojar en su casa a personajes más actuales: una mujer adinerada con hábitos incomprensibles y despreocupada de las sutilezas del profesor, jóvenes que le son extraños en su moral y en su modo de vida.

Luchino Visconti, murio a los 70 años, cuando aun tenia mucho para dar al arte.Este film pertenece a su ultima etapa, del año 1974, fue su anteultima pelicula, cuando ya estaba muy enfermo.La ultima fue los inocentes del año 1976. No debemos olvidar que Visconti dedico parte de su creatividad ala Opera. En el escenario operístico el milanés llevó al teatro de su ciudad, La Scala, a un nuevo esplendor con sus magníficas puestas en escena de La Traviata, Anna Bolena, Ifigenia en Táuride y La Sonnambula para Maria Callas. Este es un gran film de Visconti, quizas no este a la altura del El Gatopardo o Muerte en Venecia, pero es un gran film, propio del talento de Visconti. Se ve su mano, la direccion de actores, el diseño de los personajes, su ambiguedad. Sacar algo de arte en Helmut Berger -uno de sus favoritos- no es tarea sencilla, es como sacar arte de un cascote, pero Visconti lo logra. Impecables Burt Lancaster y Silvana Magnano. Visconti declaro: Este film es la historia de un intelectual de mi generación que, al no serle posible vivir de acuerdo con su tiempo, choca violentamente con la generación actual y sale de dicha prueba profundamente afectado para el resto de su vida. La trama es obra de el escritor Enrico Medioli, que por encargo de Visconti diseño los textos de esta pelicula. Siempre un film de Visconti es imprescindible, imposible no urgar en su obra para los amantes del buen cine. Hay que verla.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos