Título original: Slumdog Millionaire
Dirección: Danny Boyle
Guión: David Hare y Bernhard Schlink
Actores: Dev Patel, Anil Kapoor, Saurabh Shukla y Rajendranath Zutshi
Producción: Christian Colson,François Ivernel, Ivana Mackinnon, Cameron McCracken, Tabrez Noorani, Paul Ritchie, Tessa Ross y Paul Smith
Compañías: Celador Films / Film4
País: Estados Unidos / Reino Unido
Año: 2008
Género: Drama
Duración: 120 min
Idioma: Inglés / Hindú / Urdu

Resumen:

Jamal Malik es un adolescente pobre de Bombay que, tras participar en la versión hindú del programa '¿Quién quiere ser millonario?' y ganarlo, es detenido por la policía, porque los guardianes de la justicia están convencidos de que ha hecho trampa y de que era imposible saberse todas las respuestas. En realidad Jamal se presentó al concurso para demostrar su amor por Latika, una amiga suya que es una gran fan del concurso y con quien podría unir su vida, justo como siempre ha deseado Jamal.

Comentarios:

Es casi un acto de magia que este film haya ganado 8 Oscares de la Academia de Cine Norteamericano. Las opiniones sobre este film son muy dispares, entre quienes la consideran una obra maestra, y los que lo consideran un film menor. Acompaño a estos últimos. Quizás sea una proeza de los distribuidores norteamericanos. Si la hubiera filmado Pino Solanas –seguramente con mas profundidad- y la historia de Jamal transcurrirera en la Villa 21 y participando en Odol pregunta, la hubieran visto 300.000 personas, y no hubiera recibido premio alguno. Para no caer en exageraciones, el film esta correctamente filmado, resulta entretenido, y muestra de manera semi documental la miseria, y la corrupción de Bombay en la India. No profundiza en absoluto sobre las causas y la problematica de esa miseria, haciendo un relato muy bien filmado, aunque para mi gusto demasiado superficial. El baile final, que poco tiene que ver sobre la temática del film, pareciera ser un homenaje al cine norteamericano, porque al final de cuentas, se parece a un film de clase B de esa nacionalidad. Muy pobres las actuaciones, aunque esmeradas, tratándose de actores semiprofesionales. Se puede ver, pero me alarman los premios que ha recibido.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

Fuera de cartel

Filosofía y Arte en un film Coreano

Eduardo Dermardirossian

Ficha técnica

Dirección y guión: Kim Ki-duk.
Países: Corea del Sur y Alemania.
Año: 2003.
Duración: 103 min.
Género: Drama.
Interpretación: Oh Young-soo (Monje viejo), Kim Jong-ho (Niño monje), Seo Jae-kyung (Chico monje), Kim Young-min (Joven monje), Kim Ki-duk (Monje adulto), Ha Yeo-jin (Chica), Kim Jung-young (Madre de la chica), Ji Dae-Han (Detective Ji), Choi Min (Choi).
Producción: Lee Seung-jae y Karl Baumgartner.
Música: Bark Jee-woong.
Fotografía: Baek Dong-hyun.
Montaje: Kim Ki-duk.
Dirección artística: Oh Sang-man.
Vestuario: Kim Min-hee.

Un autoconsagrado monje zen y su discípulo viven en una casa que flota en medio del lago. Su contacto con el afuera es una pequeña barca que siempre fondean en la misma orilla, donde hay una robusta puerta sin cerca ni paredes. Para desembarcar atraviesan esa puerta, abriéndola y cerrándola escrupulosamente sin soslayarla nunca, aún cuando podrían hacerlo por uno y otro lado. Una metáfora del alma o un símbolo que los hombres de este lado del mundo no alcanzamos a entender; o quizá una ironía del realizador, Kim Ki-duk. Estoy hablando del filme coreano “Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera”, que recomiendo con ardor a quienes puedan apearse, aunque sea por 103 minutos, del vértigo de sus días.

Dos universos nos presenta esta invención filmográfica del Oriente lejano. Uno, el interior de la casa con los haceres de cada día y el altar donde se venera al Buda; otro, tras la puerta que se yergue en medio del fervor vegetal, la terrenalidad y los anhelos siempre insatisfechos. Aquí (las escenas transcurren casi enteramente en la casa flotante), el hombre de su piel para adentro; ahí, tras la puerta, el deseo, la angustia y el tiempo imperioso.

La vida en sociedad y sus obligadas implicaciones semejan una geometría de círculos concéntricos. Cerca del centro, el yo, la intimidad de cada quien, habitante de su alma, como la casa que flota en el lago donde transcurren las horas y se rinde culto a la prefiguración de la eternidad. Más allá, en los círculos que se apartan del centro como la puerta que nunca es soslayada, el mundo doméstico, las relaciones cercanas y los sentimientos que unas veces nos gratifican y otras veces nos angustian (los hábitos, la cultura, el clan). Y más lejos todavía, en los círculos que se van perdiendo al expandirse, el universo ingobernable.

Quizá el sentido de la metáfora sea este, quizá sea el que publicaron los medios cuando la obra entró en el circuito comercial, no lo sé. ¿Pero qué me impide recrear el filme coreano y darle este valor simbólico? ¿Acaso el arte no es eso, la obra que una vez nacida se libera y cobra vida propia, tal que cada quien la recrea para incorporarla a su propio universo? Y este es, en mi opinión, el mayor mérito del realizador: ofrecerle al público el barro elemental del arte para que haga de él una réplica de su propio mundo. O para que atisbe el tedioso círculo de vidas concéntricas y de muertes que ni Dios puede eludir porque no puede correr más deprisa que el tiempo.

Quizá sea excesivo el paralelo, pero el filme me remonta a la paradoja del tiempo y la distancia que Zenón de Elea enunció hace unos dos mil quinientos años*. En nuestra porfía de medir la vida con la vara sobrehumana merodeamos alrededor de la chanza que aquel griego le gastó a sus contemporáneos y que ahora vuelve con sabor a celuloide de la mano de Kim Ki-duk.

* Aquiles, el más veloz entre los hombres, va a disputar una carrera con la tortuga, el más lento animal. Y para compensar sus diferentes cualidades, le da una ventaja de, digamos, cien metros. Cuando Aquiles corre la distancia que lo separaba de la tortuga, ésta habrá avanzado diez metros. Y cuando Aquiles corre los diez metros, la tortuga estará un metro delante. Corre Aquiles ese metro, pero la tortuga lo aventajará en la décima parte de un metro. Y así hasta el infinito, sin que nunca el veloz Aquiles pueda alcanzar a la morosa tortuga.

Puntos de 1 a 5: 5 puntos

¿Quién le teme a la abuela Agnès?

Es una belga de 81 años. Su mirada es una ventana que al abrir sus persianas ilumina con la plácida luz que da el deber cumplido. Agnès Varda, belga de nacimiento, perteneciente a una familia griega, disfrutó de la influencia de su madre francesa, una exquisita mujer que la instruyó en su relación con el arte.

Los argentinos la admiramos en 1981 con su segundo filme (de ficción): “Cleo de 5 a 7” (en blanco y negro) donde introdujo su primera audacia:

Uno de los personajes era un soldado argelino de licencia en París, cuando la dupla De Gaule-Malraux no veía con buenos ojos que el arte galo se refiriera a un conflicto colonizador que parecía no solucionarse.

Varda - en tanto su pareja (el realizador Jacques Demy) se distraía con pnerle musicalidad a Cherburgo y juguetear con el “amor pasión” y la locura del juego (“Fiebre) – se animaba a plantear el fin de la monogamia y el plácido disfrute del amor fuera de los cánones de la época en “La felicidad”. Hizo famoso el planteo conyugal que casi vocalizaba el protagonista: “Un hombre tiene una casita llena de amor que comparte con su esposa y sus hijos. Y de pronto instala otra casita vecina con otra mujer a la que ama tanto como a la primera”. Escandalizó a los pacatos de Occidente.

Y de pronto, la inteligente Agnès casi desapareció de los cines argentinos. Sólo sabíamos de ela a ravés de los integrantes del “nouveau roman” y de sus reportajes junto a Marguerite Duras o al maestroHenri Colpi (“Una larga ausencia”, filme que compartió la Palma de Cannes con “Viridiana”).

De ella las distribuidoras locales ignoraban sus creaciones.

Hasta que un audaz se animó a estrenar “Sin techo ni ley” (1985). Fue un fracaso. Las pantallas ardían con los Stallone y las prédicas made in USA.

La Sala Leopoldo Lugones del San Martín resucitó algún título de la admirada directora llamada en la actualidad “La abuela de la nouvelle vague” laureada con el León de Oro del Festival de Venecia.

Pero se desconocieron sus intentos por conmover a la opinión de los EE.UU. a través de su arte. Varda, con su dignidad y dulce atrevimiento, incursionó en el cine norteamericana al mismo tiempo que colega Jean-Luc Godard revolucionaba con su pequeña cámara en constante movimiento las cales de los barrios negros de los Estados Unidos.

A continuación una reactualización de la tarea cumplida por “la abuela Argés” en el norte de América. Seguramente la levó a cabo con una leve sonrisa giocondesca y los ojos acaramelados con destellos desafiantes.

Hernando Harb

Muerte en Venecia (Italia-Francia 1971)





Ficha Técnica:


Ficha Artística:

Intérpretes :
Dirk Bogarde, Romolo Valli, Mark Burns, Nora Ricci, Marisa Berenson, Carole André, Björn Andersen (Tadzio), Silvana Mangano, Leslie French, Franco Frabrizi, Antonio Appicella, Sergio Garfagnoli, Ciro Cristofoletti, Luigi Battaglia, Dominique Darel, Masha Predit.

Luchino Visconti
Italia (1906 - 1976). Director italiano, cuyo nombre completo es Conde Don Luchino Visconti Di Modrone, nacido el 2 de Noviembre de 1906 en Milán y fallecido el 17 de Marzo de 1976 en Roma. Ocupa un sitio único en la historia del cine mundial. Es el más italiano de los directores internacionales, el más operista de los realistas y el más aristocrático de los marxistas. Aunque es uno de los progenitores del Movimiento Neorrealista Italiano, con su amor por el espectáculo y el panorama histórico, parece tener más cosas en común con Orson Welles o Erich Von Stroheim que con Roberto Rossellini o Vittorio de Sica. Directores tan distintos como Bertolucci, Scorsese, Coppola y Fassbinder lo reconocen como una influencia principal. Nacido en una familia aristocrática, pasó los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial en París, absorbiendo las corrientes culturales, políticas e intelectuales de la época. Su relación con Jean Renoir lo indujo a dedicarse al cine, aunque continuó a lo largo de toda su vida dedicando muchas energías al teatro y la ópera. Su primera película, OSSESSIONE (1942), fue realizada durante la guerra y está basada en la novela de James M. Cain, El Cartero Siempre Llama Dos Veces y fue censurada por el gobierno fascista por obscenidad. Inmediatamente después de la guerra, dedicó su atención al teatro y la ópera, pero en 1948 realizó su película más abiertamente Marxista, LA TIERRA TIEMBLA (1947), para cambiar luego de ritmo con uno de sus pocos intentos de sátira, BELLISIMA (1951), con Anna Magnani. Otro nuevo cambio de ángulo, esta vez ambientada en el período del Renacimiento, fue SENSO (LIVIA, UN AMOR DESESPERADO) (1954), una ópera filmada de la revolución, el amor ilícito y la traición, que incorpora trozos de Il Travatore de Verdi. LE NOTTI BIANCHE (1957), con Marcello Mastroianni y Maria Schell, es una versión teatral de la obra de Dostoevsky, White Nights. En 1960 realiza su última incursión en la vida de la clase obrera con ROCCO Y SUS HERMANOS (1960), mostrando las dificultades de una familia siciliana trasplantada por las necesidades económicas del Norte de Italia industrial. IL GATTOPARDO (1963), una adaptación de la novela de Giuseppe di Lampedusa, aunque fue premiada con la Palma de Oro de Cannes, fue severamente editada en su distribución internacional y no vuelta a su versión original por casi veinte años. En SANDRA (1965), trata el tema de la Resistencia Italiana, siguiendo con una excelente adaptación de la novela de Camus THE STRANGER (1967), para juntar sus grandes amores, ópera y política, en una obra netamente Wagneriana, LA CAÍDA DE LOS DIOSES (1969). El tema de la decadencia alemana continuó con otras dos películas: MUERTE EN VENECIA (1971) y LUDWIG (1973), un colorido relato de la vida del Rey Luis II de Baviera. Sus dos últimos trabajos fueron GRUPO DE FAMILIA (1977) y EL INOCENTE (1976), mostrando algunos signos del decaimiento de sus fuerzas, pero todavía mostrando su dedicación al arte, la belleza, la justicia social y los valores humanos.

Argumento

A principios del siglo XX, el compositor Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) muy delicado de salud huye a un breve descanso en Venecia.
Aschenbach huye de su país (posiblemente Baviera), del dolor de haber perdido a su hija y del fracaso de su matrimonio y su última obra. Huye de su mujer (Marisa Berenson), de las discusiones con su amigo intelectual (Romolo Valli) y se aleja de la severidad teutona, en resumidas cuenta huye de su vida. Aquejado de una grave enfermedad, sabe que le queda poco tiempo de vida. En la decadente e inspiradora ciudad de los canales, se enamorará platónicamente de Tadzio (Bjorn Andresen), un adolescente polaco de ascendencia noble y sobrecogedora belleza. Su madre está encarnada por Silvana Mangano.
Obsesivamente vagará contemplando la inalcanzable belleza de Tadzio y de la propia Venecia, sumergiéndose en la decadencia de una ciudad que no admite estar condenada por una epidemia de cólera y al igual que él trata de huir de su propia decadencia.
Finalmente Aschenbach sufre un ataque al corazón en la playa, y mientras él va a su inexorable encuentro con la muerte observa como el bello Tadzio se aleja iluminado por el sol.

Comentario

Basada en la novela del escritor alemán Thomas Mann, Visconti delinea el que sin dudas es su film más polémico. Los comentaristas, pasan de la indiferencia, a considerarlo una obra menor en su filmografía, hasta quienes afirman se trata de una obra maestra. Obviamente no se me escapa que lo provocativo de su argumento -el amor platónico de Aschenbach (Dick Bogarde) a el adolescente Tadzio (Bjorn Andersen)- genera reacciones encontradas en el espectador. De una estética propia de Visconti, se caracteriza por la belleza inconmensurable de sus imágenes, el manejo cadencioso de los tiempos, y una música maravillosa de Gustav Mahler. En fin, el cine es en una enorme medida imágenes, y muy pocos como Visconti, las despliegan con una belleza única, ingualable. La interpretación que realiza Dick Bogarde de Gustav Von Aschenbach, es tambien única, inigualable, irrepetible, propia de uno de los mas grandes actores que vió el cine universal. Se trata sin dudas, de una de las mas grandes realizaciónes del gran director italiano. Quien logre sustraerse de los prejuicios que el tema provoca, podrá disfrutar de una obra maestra.

Puntos de 1 a 5: 5 puntos

Es importante destacar, antes de comenzar esta sección, que la mención de algún film en particular no tiene por finalidad categorizar o excluir otras joyas de la cinematogría universal. Seguramente la mención, tendra muchísimo que ver con gustos personales y con una concepción de la estética que quizás no sea compartida por otros aficionados a la cinematografía.