DINO DE LAURENTIIS - Hernando Harb

viernes, 12 de noviembre de 2010 en 15:06













ERA EL HIJO DE UN FABRICANTE DE PASTAS

DINO DE LAURENTIIS: UN COMERCIANTE,

A VECES VENDEDOR DE ARTE


El miércoles 11, cerca de “la hora del lobo”, falleción en Los Ángeles el millonario productor Dino De Laurentiis. Nació el 18 de agosto de 1919, en Torre Annunziata, Campania. Fue un comerciante hábil, poderoso inversor de grandes obras de arte, sucesos comerciales y una gran cantidad de filmes detestables que le significaron pérdidas recobradas. Deja un clan, presidido generalmente por su hija, para intentar la continuación de su famosa empresa, que compartió algún tiempo con su competidor Carlo Ponti (ambos casados con grandes y bellas actrices: De Laurentiis con Silvana Mangano; su ex socio con Sophia Loren, similitudes que regala el dinero, la posibilidad de fama y la astucia para descubrir talentos o carismáticas figuras en los más variados géneros). Fue hijo de un hogar de clase media, su padre era fabricante de pastas. Como el Moraldo de “Il vitelloni” de Fellini a los veinte años partió hacia Roma para ser actor. Luego de una prueba en 1937 comprendió que debía cambiar de profesión, pero sin abandonar el magnético universo del cine. Con la garantía de su amigo Mario Soldati se incorporó en la Lux Film, donde emprendió su carrera en la producción con destreza. Agostino, tal era su nombre verdadero, era adepto a los filmes de aventuras y a las comedias un tanto gruesas. De ahí que sus primeros logros haya que remontarlos a algún filme con Totó (1951/52) o a algunas historias de acción de repercusión popular inmediata. Su primer gran logro fue “Riso amaro” ( 1949, “Arroz amargo”) con la que fuera su mujer, la Mangano –quien hizo popular su figura en pantalones cortísimos saliendo de los arrozales para que rivalicen por ella los ascendentes Vittorio Gassman y Raf Vallone-. Intentó repetir el éxito con los mismos integrantes en “Anna” (1951, “Ana”) donde pareja baila un famoso baión que provocó suspiros y algún escandalote que entibiaba el ingreso de la cabaretera a un convento para ser esposa de Dios. Pero De Laurentiis si adquirió respeto y mayor fama fue por ser productor de Federico Fellini (“La Strada” y “Las noches de Cabiria”, las dos con Giulietta Massina, que ganaron sendos Oscar de la Academia). También fue productor del excepcional Mario Monicelli (1957, “La gran guerra”), del norteamericano Richard Fleischer a quien contrató para una formidable versión del “Barrabás” (1962) del Nobel sueco Par Lagerkivist; del maestro Ingmar Bergman (“El huevo de la serpiente”, 1977), de Sidney Lumet con su reiterada “Sérpico” (1973) y del admirable Sydney Pollack (en la comprometida “Los tres días del cóndor” (1975, hecha para lucimiento del mandamás Robert Redford ). También el nombre de Don Laurentiis estuvo mezclado con los estruendos fascistoides de “Conan” (dos veces, en 19882 y 1984, obteniendo la difusión del musculoso Albert Scwarzenegger. Los resultados no fueron los mismos cuando intentó recrear nada menos que “La Biblia” (1966, dirigida por el rebelde John Huston, quien se guardó para él el rol de Noé y tuvo una pelea con Di Laurentiis porque el creador norteamericano se tomó la película a la chacota.9), ni tampoco con un erótico intento de lucir a Madonna. No es cuestión de escribir una necrológica recordando fracasos. Hay que reconocer que le concedió al refinado Luchino Visconti la oportunidad de adaptar (discutiblemente) “El extranjero” (1967) de Albert Camus y darle una oportunidad para lucirse al críptico David Lynch con los despojos mutilados que quedaron de su “Duna” (1984). Pero negocios son negocios. Y el productor de quinientos filmes es dueño de tener algunas manchas y varios logros en ese cuadro que pintó para el universo del cine que abandonó a los 91 años en su señorial mansión de Berverly Hills rodeado de sus herederos. Don De Laurentiis, descanse soñando con las imágenes que usted ayudó a plasmar. De las buenas. Que son muchas.

HERNANDO HARB

HACHIKO 2 (Siempre a su lado) de Seijiro Kûyama- Hernando Harb

jueves, 11 de noviembre de 2010 en 18:52






















HACHIKO 2

(Siempre a su lado)

de Seijiro Kûyama


Título original: Hachikô monogatari

Origen: Japón, 1987

Género: Drama

Hablada en japonés

Dirección: Seijiro Kûyama

Guión original: Kaneto Shindô

Guión: Kaneto Shindô

Producción: Toshiro Nabeshuna – Jun’ichi Shudô

Música original: Tetsuji Hajashi

Fotografía en colores: Shinsaku Himeda

Montaje: Mitsuo Kondô

Intérpretes: Kaouru Yachigusa (Shizuko Ueno) – Mako Ishimo (Chizuko) – Yoshi Kat^(Kondo) – Matsumi Harukowa (Hashimoto)

Duración original: 107’

Duración del DVD en la Argentina: 80’

No estrenada en la Argentina

Calificación del DVD: Apta para mayores de 15 años


Esta hermosa película japonesa no fue distribuida en nuestro medio (e imagino que en una gran parte de Occidente) porque fueron comprados sus derechos para hacer una versión estadounidense debido al éxito obtenido en su país de origen. Y como el público norteamericano es tan aficionado a los animales domésticos (en este caso un can) y a otros no tanto (como lo saben los aficionados a dos canales de cable en la Argentina) decidiendo hacer una remake. Es cierto que un poco tarde, en 2009, con el título de “Siempre a su lado” (dirigida por el sueco radicado en USA Lasse Halstroom y coprotagonizada por Richard Gere), que resultó una encantadora historia “basada en hechos reales” y obtuvo un apreciable éxito en los cines locales. Se lo merecía.

Pero el “olfato” de los distribuidoras no es el de los perros de la raza Akita Inu ni del Mastín Napolitano ni del Doberman. Como va dirigido a ese medio “antiestrés” que se llama dólar optaron por no difundir la versión original, que es más superior, sutil e inteligente que la remake. Lo lamento (no por la falta de sentido de los distribuidores) sino por el público local que debe conformarse con una versión en DVD mutilada, pero que aún conserva sus valores artísticos.

Se conoce que es una leyenda urbana, ubicada en los años ’20, antes de una de las contiendas bélicas niponas (la que estalló en 1935), y bque trata de la relación de amor entre un hombre maduro (un profesor de técnica superior, en la norteamericana enseñaba música) y un hermosísimo perro de la raza Akita al que bautizan como Hachikô (referencia al cabalístico número “ocho”, dato que se mantiene en la adaptación de USA).

La relación es tan apasionada entre ese hombre que no encuentra el afecto necesario en su hogar (una hija que se casa, embarazada y enamorada; una esposa fría y celosa sobre todo del perro al que considera un intruso) y ese animal de aspecto de “peluche”, muy dócil pero al que ciertos veterinarios distinguen como dominante y excelente guardián.

Hay una comunión tal entre hombre/animal que el escritor y guionista Kaneto Shindô (director de cine, de quien vimos las formidables “La isla desnuda” y “Onibaba” en los años ’60) se ocupa en describirla con una sutileza inteligente, en la que la relación padre/hijo no está ausente y el enlace es casi amorosamente humano.

Lo particular del filme nipón de Seijiro Hôyama es que sólo emplea menos de la mitad de la duración de la trama en desarrollar el vínculo truncado por la muerte del hombre. La otra parte no se limita a la espera constante de Hachikô en la tradicional estación ferroviaria de Shibuya donde despedía a su dueño. Y en la que terminará después de casi siete años ante la asombrada mirada de transeúntes y hasta de la intervención de un periodista que va detrás de las notas pintorescas.

No. Para el escritorShindô la trama no es tan elemental y recurrente a l sentimentalismo típico de esta clase de películas.Se decdica a describir las reacciones vastas (y bastas) de los humanos ante el solitario can que espera con una fidelidad admirable el arribo de ese hombre que lo ha querido como nadie en ese mundo en el que cohabita tan inhospitalariamente.

Está la obesa que acaricia al gato en sus faldas y provoca el ataque cardíaco de su marido al rechazar el alojamiento de Hachikô; la hija, quien no recuerda que el perro fue adoptado por un pedido de ella; y, sobre todo, la viuda, capaz de compadecerse pero de huir culposa del sucio guardián que agoniza en el andén (se la verá “criando” a otro perro en una casa solitaria al borde de un río).

Tierna (sin terneza), poética (sin golpes bajos) y en especial dirigida con esa destreza tan oriental de no ahorrar el contexto histórico para ubicar las pasiones dominantes aunque sólo repercutan en un perro y un profesor ausente para siempre.

Búsqueda en un buen video. No se va a arrepentir, aunque lamentará el tijereteo del metraje. Todo sea por el amor (¿y qué otra cosa pueden decirnos que es?) de Hachikô y su fiel conducta que intenta vencer lo invencible.


Hernando Harb

71 INTO THE FIRE de Lee Jae-han - Arnaldo H.Corazza

en 15:46





















71 INTO THE FIRE
de Lee Jae-han


Titulo: 71 Into The Fire
Romaji: Pohwa Sokeuro
Hangul: 포화속으로 / 포화 속으로
Nacionalidad: Corea del Sur
Año: 2010
Director: Lee Jae-han.
Compañia de Producción: Taewon Entertainment
Protagonistas: Cha Seung-won, Kwon Sang-woo, Choi Seung-hyeon, Kim Seung-woo, Kim Hye-seong, Koo Seong-hwan.
Duración: 120 Minutos.
Género: Drama, Guerra.
Idioma: Coreano
Subtitulos: Español

71 Into the Fire se basa en la verdadera historia de 71 estudiantes que lucharon contra cientos de soldados de Corea del Norte, defendiendo una escuela de secundaria el 25 de junio de 1950 durante la guerra de Corea. Kap-jo es un estudiante que ha sido declarado culpable de asesinato. Mientras cumple su sentencia se alista como voluntario para luchar junto a un grupo de valientes e inexpertos soldados liderados por Jang Beom.

71 estudiantes norcoreanos, improvisados soldados, debieron defender una posicion estrategica en la decada del 50 frente al avance de las tropas norcoreanas. Es una historia real, muy bien filmada, con mucho reaslismo, y con muy buenas interpretaciones. No soy un aficionado a los films belicos, no son de mi predileccion, pero debo admitir que es una muy buena pelicula. La historia no solo es interesante, sino que esta bien narrada, y nos va atrapando hasta el final. No ingresa ni juzga la raiz de este conflicto, sino que nos va llevando a esta gran batalla, donde estos inexpertos soldados se constituyeron en un valla al avance de las tropas norcoreanas.
Nasda tiene que envidiar a los buenos films belicos norteamericanos.Muy recomendable.


Puntos 1 a 5: 3 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

A BRAND NEW LIFE de Ounie Lecomte - ARNALDO H.CORAZZA

en 7:34

















A BRAND NEW LIFE
de Ounie Lecomte

Titulo:Yeo-haeng-ja – Une vie toute neuve (A Brand New Life)
Titulo:
Año: 2009
Pais: Corea del Sur
Director:Ounie Lecomte
Productor:
Lee Changdong, Laurent Lavole, Lee Joondong
Guionista:
Ounie Lecomte
Director de fotografía:
Kim Hyunseok
Director Artistico:
Baek Kyeongin
Montaje:
Kim Hyungjoo
Sonido:
Choi Jaiho
Música:
Jim Sert
Intérpretes:
Kim Saeron (Jinhee), Park Doyeon (Sookhee), Ko A-sung (Yeshin), Park Myeongshin (Bomo), Oh Mansuk (Director Koo), Sul Kyunggu (Padre de Jinhee), Moon Sungkeun (Doctor)

Inspirada por su infancia, la cineasta franco-coreana Ounie Lecomte narra la historia de una joven niña abandonada por su padre en un orfanato.

Comienza el verano de 1975 en una pequeña ciudad de Corea del Sur. Jinhee, una niña de nueve años, emprende un viaje con su padre, sin saber a donde va. Su padre, que ha construido una nueva familia, la abandona en un orfanato, donde europeos van a pedir la adopcion de niños asiaticos. Es un relato sobre la propia vida de la directora del film. Con una relato formalmente impecable, se describe la vida en el orfanato de Jinhee, su tristeza infinita por en abandono de su padre, y los vinculos afectivos fragiles del orfanato. Describe minuciosamente su terrible periodo de adaptacion, y la perdida de su mejor amiga en el establecimiento cuando es adoptada por un matrimonio frances. La actuacion de de la niña Kim Saeron en el papel de Jinhee es fantastica, descomunal, y sera dificil olvidar su cara de tristeza y sufrimiento. Es un muy buen film, formalmente impecable, con una excelente fotografia. El guion tambien impecable, nos va llevando a incorporarnos en la tristeza infinita de Jinhee. Altamente recomendable.


Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL LEGADO de Bernard Émond - Hernando Harb

miércoles, 10 de noviembre de 2010 en 16:34




















EL LEGADO

de Bernard Émond

Título original: La donation (*)

Origen: Canadá, 2009

Género: Drama

Hablada en francés e inglés

Dirección y Guión: Bernard Émond

Producción: Bernardette Payeur

Música original: Robert M. Lepage

Fotografía en colores: Sara Mishara

Montaje: Louise Coté

Intérpretes: Elise Guilbault (Jeanne Dion) – Jacques Godin (Yves Rainville) – Angèle Coutu ( hermana del Dr. Rainville) – Manon Miclette (Manon) – Eric Hoziel (Pierre Grégoire) – Aubert Pallascio (Gilles Roberge)

Duración original: 95’

No estrenada en la Argentina


Es un filme acerca del dolor. El físico (que nos degrada el cuerpo) y el otro (que nos hace desfallecer en nuestro interior).

Trata sobre la muerte, la soledad y nuestra posible misión en un mundo con/sin Dios.

En el medio está el paisaje, como protagonista central. El relato se inicia con el doctor Rainville observando (de espaldas) el conjunto de árboles agitados por la brisa. El escenario campestre del pueblito de la localidad canadiense de Normétal será mostrado de acuerdo al estado de ánimo de los personajes (protagónico o no) y hasta de la paz o la desgracia que sobrevuela historia. Tal es la importancia que juega y que Sara Mishara fotografía de maravillas.

Bernard Émond (guionista celebrado y director de éste, su quinto filme) mantiene el compás de una sonata compaginada y ejecutada por un soberbio elenco y excepcionales técnicos. Es el compás de los latidos del corazón que sobrevive hasta que huya el día, de cualquier modo, a cualquiera de nosotros en el momento imprevisible de los estertores.

Ese diestro compás marcado por Émond permite que su ejecución no admita gritos (pero sí sollozos acallados por un abrazo), estruendos emocionales (pero sí las consecuencias), despedidas (bañadas del rocío del silencio o de la nieve que anuncia la llegada del invierno).

El doctor es un extraordinario hombre, el único médico de un pueblo que está deshabitado por el cierre de la más importante fuente de trabajo: la actividad minera). Decide jubilarse y pide un suplente temporario hasta un acostumbramiento). El arribo de una médica (una estupenda Elise Guibault) inicia una relación de aprendizaje de la profesión en la casi abandonada ciudadela y del conocimiento necesario para servir al único que necesitamos: el prójimo, quien a su vez requiere de nuestra ayuda. Los otros y uno. Uno y los otros. He ahí la clave, explicará sin palabras, el maravilloso doctor.

Quien resume la intensión de la historia, tal vez, sea la hermana del galeno, la madura Gaétane, decidida a tomar los hábitos: “Yves siempre decía que los hombres somos niños malcriados y enfermos. Nos trataba como se trata a un niño. No hay otra forma de acercarse a los humanos, esos desvalidos. Él se declaraba ateo, pero estoy segura de que Dios lo va a recibir con los brazos abiertos”, pronuncia desde el altar luego de una misa donde concurren (pocos) creyentes y (pocos) agnósticos. Es un pueblo solitario. Tanto que hay un solo panadero que amasa el pan toda la noche acompañado de la música de Beethoven. “Si yo no vendo el pan de cada día, ¿quién lo hará en este pueblo?”, explica y se interroga este ex estudiante de Historia dispuesto a reemplazar a su padre en el negocio, aunque el arrepentimiento lo abruma por momentos. Un personaje fascinante que entablará una cálida relación con Jeanne, la doctora, indecisa de quedarse y retornar a Montreal.

La galería de personajes es numerosa: la siempre durmiente anciana e inquilina del hospital que ha sido la mujer más hermosa de Normétal; la otra que taciturna lee y espera el invierno último; la mujer que agoniza y no quiere dejar a sus dos pequeños hijos con el hombre que los abandonó al descubrir que su mujer –de quien abusaba- padecía de cáncer; la muchacha de 16 que solicita la receta para un aborto en un país en que está legalizado; el patán prepotente que evade su soledad en el bar donde expenden drogas; la ayudanta, testigo de las luchas (las externas y las otras), y está el sexagenario millonario que envía su helicóptero en busca de atención médico porque necesita conversar con alguien luego de haberse golpeado el cuerpo en una caída (¡oh, indomable inconsciente!) debida a su beodez y a su negativa a tomar sus mediamentos.

En fin, la lista es maravillosamente grande. Pero cada personaje se remite a un solo mensaje: nuestras vidas vulgares y efímeras sólo se justifican si vamos en ayuda del otro, eser otro que –como dice el sacerdote en su sermón- puede hacernos daño pero al que debemos perdonar porque nosotros también hemos lastimado a alguien.

Quien escribe estas líneas contemplando el afiche de este bello filme sintió una inquietud de estar viendo algo ya conocido: el rostro de Jeanne sonriente y (sobre todo) el laberíntico paisaje detrás de ellas remite a La Gioconda. No es una fatua comparación. Surgió, sorpresivamente. Es que de haber en la obra de Émond algun dato que remita a la obra de Leonardo. La médica, que se nos presenta sin pasado, tiene alguna clave que justifica tal vínculo… Felicitaciones para quien pueda detectarlo.


Hernando Harb


(*) “El legado” o “La donación” fue exhibida los festivales de cine de Locarno (Suiza) –mereció un premio-; de Toronto - obtuvo otro lauro- , en el Pusan International Film (Corea del Sur), en el Vienna International Film Festival (Austria), el en Festival de Cinéma du Québec à Paris, en el Göteborg International Film Festival (Suecia), y en los certámenes estadounidenses de Santa Barbara y el Stony Brooks. Todos celebrados en el año 2009.


ANONIMA UNA MUJER EN BERLIN de Max Färberböck - Arnaldo H.Corazza

en 15:48

















ANONIMA: UNA MUJER EN BERLIN
de Max Färberböck

ELENCO: Nina Hoss Anónima,Yevgeni Sidikhin Mayor Andreij Rybkin,Irm Hermann Viuda,Rüdiger Vogler Eckhart,Ulrike Krumbiegel Ilse Hoch,Rolf Kanies Friedrich Hoch,Jördis Triebel Bärbel Malthaus,Roman Gribkov Anatol,Juliane Köhler Elke,Samvel Muzhikyan Andropov,Viktor Zhalsanov hombre mongol,Aleksandra Kulikova Masha,Oleg Chernov Erster Vergewaltiger,Anne Kanis Flüchtlingsmädchen,August Diehl Gerd,Rosalie Thomass Greta Malthaus,Sandra Hüller Steffi,Erni Mangold Frau Achtzigjährige,Sebastian Urzendowsky soldado Junger,Hermann Beyer Dr. Wolf,Ralf Schermuly Buchhändler,Isabell Gerschke Lisbeth,Aleksandr Samoylenko Petka,Eva Löbau Frau Wendt,Evgeny Titov Volodja,Louis Schuchmann Felix,Catharina Schuchmann Frau Binder,Tomasz Leszczynski Grisha,Dmitri Bykovsky Sibiriak,Yvo Rene Scharf Ivan – soldado ruso,Stella Kunkat Lenchen Hoch,Maksim Konovalov joven Zündapp,Olgierd Lukaszewicz Buttermann

FICHA TÉCNICA

CONSTANTIN FILM presenta una producción GÜNTHER ROHRBACH / CONSTANTIN FILM

Director: Max Färberböck

Guión de: Max Färberböck en colaboración con Catharina Schuchmann

Basado en los diarios anónimos titulados ANONYMA, publicados originalmente por Eichborn Verlag

Productores: Martin Moszkowicz, Günter Rohrbach, Bernhard Thür

Productores ejecutivos: ZDF Caroline Von Senden, Tempus Jacek Gaczkowski y Piotr Strzelecki

Casting: Simone Bär

Compositor: Zbigniew Preisner

Supervisión musical: Pia Hoffmann

Mezcla: Martín Steyer

Banda de sonido original: Manfred Banach

Diseño de sonido: Christian Conrad

Director de fotografía: Benedict Neuenfels

Montaje: Ewa J. Lind

Diseño de producción: Andrzej Halinski, Uli Hanisch

Decorados: Manfred Lohmar

Diseño de vestuario: Lucia Faust

Maquillaje: René Jordan, Anette Keiser

Una mujer sin nombre (Nina Hoss) mantiene un diario cuando los rusos invaden Berlín en la primavera de 1945. Ella está en sus tempranos 30, una patriótica periodista con credenciales internacionales. Su esposo, Gerd (August Diehl), un escritor, es un oficial en el frente ruso.Ella a su vez, habla ruso y durante uno o dos días se mantendrá a salvo pero luego las violaciones comienzan. Se resuelve a tomar el control de su destino, para lo cual consigue las atenciones de un mayor ruso, Andreij Rybkin (Yevgeni Sidikhin). El se convierte en su protector para toda clase de presiones que provienen de sus propios soldados y oficiales. Varios dramas acontecen en el edificio donde ella vive.

Esta basado en un diario escrito por una mujer alemana, periodista, que se publico a fines de la decada del 50 en Alemania y escandalizo, por su contenido a los alemanes de su epoca. Sostenian que difamaba a la mujer alemana. Su autora prohibio cualquier otra publicacion. El film es interesante, con un alto contenido dramatico, y relata los abusos que sufrieron las mujeres alemanas por los soldados rusos, y todo el proceso que debieron transitar para sobrevivir. Nina Hoss la protagonista Anonima, consigue los favores de un mayor ruso, culto, que le permitira conseguir proteccion, para ella y otras mujeres con las que convive, y establecer una relacion afectiva compleja, dificil de definir. La pelicula esta bien filmada, y es muy buena la actuacion de Nina Hoss -la protagonista- y la de Yevgeni Sidikhin -elmayor ruso-. Es un relato de la lucha por la supervivencia de la mujer alemana, en momentos de finalizar la guerra y con el ejercito sovietico ocupando Berlin. La narracion es excelente, y accede a momentos muy emotivos sobre el final del film. No realiza ninguna evaluación moral, solo describe el sufrimiento de esas mujeres. Muy recomendable


Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LA REDADA de Roselyne Bosch - Hernando Harb

en 7:36













LA REDADA

de Roselyne Bosch


Título original: La rafle, 2010

Origen: Francia – Alemania – Hungría

Hablada en francés – alemán – yiddisch

Género: Drama histórico

Dirección y guión: Roselyne Bosch

Productor: Alain Goldman

Productor adjunto: Jean-Robert Gibard

Música: Christian Henson

Fotografía en colores y blanco/negro: David Ungaro

Montaje: Yann Malcor

Intérpretes: Jean Reno (Dr. David Sheinbaum) – Mélanie Laurent (Annette Monod) – Raphaëlle Agogué (Sura Weisman) – Gad Elmaleh (Schmuel Weisman) – Hugo Leverdez (Jo) – Simon Zygler (Oliver Cywie) –Roland Copé (Mariscal Pétain)

Duración: 115 minutos

No estrenada en la Argentina


“No, el 14 de julio no es el día apropiado”, comenta un militar francogermanófilo. “Mejor que sea el 16” , propone.

Así fue. El 16 de julio de 1942 policías y gendarmes franceses siguiendo las órdenes del colaboracionista Mariscal Pétain -quien firmó un armisticio con Hitler y aceptó la ocupación alemana de su país- detienen a 13.152 judíos en una redada cumplida en un barrio humilde de París. Preveían una mayor cantidad: cerca de 30.000.

Mujeres, niños, ancianos y hombres son trasladados a un velódromo que oficiaría de congelador a la espera de trasladarlos en trenes a los campos de concentración y de allí enviarlos al crematorio. Así, de detestablemente fácil.

El segundo filme de la habitualmente guionista (en este caso también lo es) Roselyne Bosch se ocupa de ese histórico hecho, degradante para los franceses. El anterior título lo realizó hace cinco años y se llamó “Animal”. Desconocido en nuestro medio.

La redada” está correctamente dirigida, con una fotografía impecable (incluye al principio escenas documentales del ingreso de Hitler y sus acólitos a la vacía capital francesa), una música sentimental (con canciones de los ’40) y un montaje ajustado. Si Bosch falla es en su guión, mechado de golpes bajos, de un recato inconcebible en las escenas más ásperas y lleno de detalles ingenuos (el muñeco del niño abandonado en la estación, el ramo de florecillas salvajes recibido por un gendarme francés de manos de una niña camino al crematorio).

Hay una toma que provoca escalofríos: el primer plano y posterior zoom del velódromo fotografiando a miles de seres que piden a gritos por un poco de agua con sus latas vergonzosamente vacías (“Para qué les vamos a calmar la sed si total…” alega un soldado antes de que otro ordene a unos bomberos llenar las tacitas). Pero lo vibrante de la secuencia se debilita de inmediato: el médico judío sionista (a cargo de un correcto Jean Reno) está delineado con trazos gruesos al igual que su enfermera protestante (una desorientada Mèlanie Laurent), y ni qué hablar del perfil de los chicos dignos de una comedia campestre. Entiéndase bien: no se pide un muestrario de escenas fuertes, pero tampoco un montón de secuencias suavizadas por la bondad resignada de las víctimas y el arrepentimiento de crueles victimarios.

Hay personajes dignos de mejor atención: el del trotskista y su esposa que no sabe hablar muy bien francés, pero se quedan en viñetas dibujadas tenuemente. El ejemplo más demostrativo es el suicidio de una mujer antes de ser detenida en la redada barrial, la cámara esconde el cuerpo como para no mortificar al espectador sensible amortiguando el dramatismo con un empalme de la muerta sobre la acera algo ensangrentada. Es apenas un tibio enfoque de un hecho estremecedor que termina por no alarmar ni provocar al espectador, algo necesario para seguir la vorágine de los acontecimientos pergeñados por paranoicos dominados por un clic hecho en su imaginario colectivo.

Es una lástima. La película hasta muestra unas cuantas intimidades del dictador alemán mal insertadas (unos chicos felices comen un muñeco de chocolate que representa a Hitler y que éste se los obsequia con un paternalismo ridículo), y evade toda escena de homicidios colectivos reemplazados por la fuga de dos niños de una campo de concentración poco creíble.

La Bosch guionista es de una mediocridad pasmosa. La Bosch directora promete futuras comedias livianas con la voz de la Piaf como fondo y en las que se mezclen parejas de amantes en un vaudeville modernizado, claro.

En fin, una oportunidad desperdiciada para retratar un suceso histórico que degrada al hombre.

Como tantos.


Hernando Harb

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