ANTICIPOS: "LA 21,BARRACAS" - Hernando Harb

miércoles, 18 de agosto de 2010 en 17:19
















ANTICIPOS: "LA 21, BARRACAS"


El lunes 16 de agosto, la sala del cine Gaumont, en el corazón de Congreso, se preestrenó una suerte de documental. “La 21, Barracas” se titula. La publicidad anticipatoria de la exhibición de esta semidocumental fue casi nula, de modo que de su existencia se enteró muy poca gente, salvo los habitantes de la villa de emergencia que dio origen a este filme de corta duración. Una lástima.

La sala estaba inundada -hasta los pasillos- por el público protagonista de la trama de esta película que un cronista calificó como “villera”, se supone que en un arranque fundacional de géneros en el cine. ¿Por qué es una película “villera” (así, entre comillas)? ¿Puede calificarse “Detrás de un largo muro” ( Lucas Demare, 1958) como tal? ¿Un filme que se desarrolla entre las casillas de emergencia es una película que merece esa pertenencia? ¿La segunda parte de “Anita” (Marcos Carnevale, 2009) donde el personaje de Leonor Manso protege a una niña con síndrome de Down pertenece a un segmento “villero”? La lista sería interminable en la temática que, muy esporádicamente es cierto, ha trasladado a la pantalla con suerte diversa. ¿Se podría incluir un título notable de Lautaro Murúa como a una denuncia acerca de una marginación social, “Alias Gardelito” (1961)?

Bueno, innovaciones de tituleros apresurados.

La cuestión es “La 21, Barracas” espera fecha de estreno para ser juzgada por el público.

Queremos tan sólo anticipar una canción que complementa la película, escrita y musicaliza como videoclip. La creación de los versos pertenecen a Cristian Rey y a “los chicos de la 21”(sic).

Cada lector tendrá su opinión (cuando el filme se estrene daremos la nuestra).

MÚSICA CON BRONCA

(Nota del videoclip: Los tatuajes de Cristian Rey son imposibles de leer de una sola vez; sus gestos de rapero hacen que nunca tenga los brazos quietos. Aquí algunas letras.)

“No me señalen no… por ser villero/ como si fuéramos ratas del Riachuelo/ por qué no vienen y recorren mis pasillos/ para ver el hambre y el frío de nuestros niños. Y no nos metan a todos en la misma bolsa/ como que de este país somos la deshonra.

“Tenemos nuestros estudiantes, egresados, arquitectos, albañiles, cartoneros/ sin un futuro por ser villeros (Villero Soy.)

“Vamos a buscarlos y llenaremos de agujeros/ ya que no hay justicia seremos los justicieros/ A imponer en nuestro barrio nuestra propia ley/ ya que él ha cruzado y nos hizo enloquecer. Cruzaremos la frontera, sembraremos miedo/ y a aquel violador maldito prenderemos fuego (Justicia).

“Vamos a caerle y que pinte el tiroteo/ y vamos a ahogarles en su mismo Riachuelo” (Sin Tregua).”

La letra sigue. Sin esmero, con mayor bronca, con similar dolor, con peores amenazas. Todas festejadas por el público (en su mayor parte integrada por jóvenes dignos de una reunión rapera

A la salida de la exhibición la zona en la que se destaca nuestro Honorable Consejo de la Nación, las palomas de la Plaza de los Congresos y de adyacencias, los negocios expendiendo abundante cerveza de marca nacional y –sobre todo- extranjera, se vio alborotada, inexplicablemente contenta rumbeando para esos dos polos que se conocen como Plaza Constitución y Retiro.

Los políticos, ausentes (el lunes era parte del finde).


Hernando Harb

50 HOMBRES MUERTOS de Kari Skogland -Arnaldo H.Corazza

martes, 17 de agosto de 2010 en 19:18












50 HOMBRES MUERTOS

de Kari Skogland


Título: 50 hombres muertos Título original: Fifty dead men walkingDirección: Kari SkoglandPaís: Canadá, El Reino UnidoAño: 2008Duración: 117 min.Género: Thriller, AcciónReparto: Ben Kingsley, Jim Sturgess, Kevin Zegers, Natalie Press, Rose McGowan, Tom Collins, William Houston, Michael McElhatton, Gerard Jordan, David Pearse, Joe Doyle, Conor MacNeill, Ewan Harts, Ewan Harts, Ciaran Nolan, Ali White, Frankie McCafferty, Matt McArdle, Dessie Gallagher, Kris Edlund, Sheila Kerr, Nick Dunning, Paschal Friel, George McMahon, Paul Kennedy, Gerry Doherty, Derek Halligan, James Doran, Michael Graham, Anthony Brophy, Henry Deazley, Nathan Hughes, Karen Mason, Brigid Erin Bates, Drew Thompson, Seamus Ball, Jonathan Harden, Alexandra Ford, Chris SimpsonWeb: www.festival-films.com/50hombres Distribuidora: Festival Films S.L. Productora: HandMade Films, Brightlight Pictures, Future Films, Altitude Entertainment[Image]Casting: John HubbardDepartamento artístico: Alan Chesters, Amy Merry, Anne-Louise McGinnis, Bryony Birkbeck, Chris Moore, David Rowney, Dermot Blighe, Jim Barr, Julia Castle, Leon McCarthy, McCoy Dan, Michael Cullen, Paul Stewart, Sara Hayward, Tommy HillandDepartamento de transportes: Alan Keys, Ken Cathcart, Roy McManus, Ryan Marshall, Steven Herron, Tom HeanyDepartamento editorial: Helen Sheridan, James Cowan, Kate Kroll, Ken MacKenzie, Koah Kruse, Rhys Lloyd, Thor RoosDepartamento musical: Hal Beckett, Ian Neil, Meagan CarsienceDirección: Kari SkoglandDirección artística: David HindleDiseño de producción: Eve StewartEfectos especiales: Vincent KivlehanEfectos visuales: Christopher Elke, Dan Brittain, Doug Oddy, John Fukushima, Matt Yeoman, Persis ReynoldsFotografía: Jonathan FreemanGuión: Kari SkoglandLibro original:Maquillaje: Clare Ramsey, Kirstin Chalmers, Laura Lilley, Sian Wilson, Waldo MasonMontaje: Jim MunroMúsica: Ben MinkProducción asociada: Alice Clough, Jonathan ShoreProducción ejecutiva: Cindy Cowan, Elsie Choi, Guy Collins, Karyn Edwards, Kyle Lundberg, Michael Ryan, Nicole Carmen-Davis, Stephen MargolisProducción en línea: Jo HomewoodSonido: Adam Ridge, Andrew Morgado, Anke Bakker, Brian Campbell, Dario DiSanto, Glen Noseworthy, Graeme Hughes, Iain Pattison, Jay Cheetham, Jean Tejkel, Joshua Stevenson, Judah Getz, Jörg Klaussner, Kris Fenske, Laura Kerr, Mervyn Moore, Nick Kray, Paul A. Sharpe, Shaula Lumley, Terry McDonaldVestuario: Alison Pascoe, Joanna Campbell, Kerry Gooding, Rebecca Hill Stephanie Collie Vidya Krishnamurthy Martin McGartland, Nicholas Davies

Martin es un joven irlandés que malvive trapicheando con mercancía robada. Su habilidad para moverse por los barrios en los que opera el IRA no pasa desapercibida para Fergus, un agente de la inteligencia británica que decide reclutarlo. Muy a su pesar y con la única intención de salvar vidas, Martin acepta la misión infiltrándose en la banda terrorista y pasando información sobre sus golpes a Fergus. Mientras su amistad con el agente se hace cada vez más cercana, Martin ascenderá dentro del IRA aumentando cada vez más el riesgo de ser descubierto por sus propios amigos.

La historia de un espia britanico actuando en la ocupada Irlanda del Norte, y un infliltrado Irlandes en el Ejercito Republicano Irlandes, trabajando en conjunto para las fuerzas Britanicas. El relato es muy poco consistente, aburrido por momentos, y todos sabiamos desde un comienzo que Martin iba a ser descubierto por los integrantes del IRA. Son numerosos los films realizados sobre los terribles enfrentamientos de los irlandeses con los ocupantes britanicos de la Irlanda del Norte, aun hoy en poder de Gran Bretaña, y por cierto esta no es la mejor. El guion es por cierto muy pobre no profundizando los conflictos de los protagonistas, aunque recreando solo en forma correcta el clima de violencia imperante en Irlanda del Norte.El film es solo un pasatiempo crispado. Es buena la actuaciòn de Ben Kingsley en el papel del espia britanico, y correcta, solo correcta la actuacion de Jim Sturgess en el papel de Martin. Creo que el tema daba para mucho mas de lo que representa este pobre film britanico.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE de Chuan Lu - Arnaldo H.Corazza

domingo, 15 de agosto de 2010 en 19:13











CIUDAD DE VIDA Y MUERTE

de Chuan Lu

Título original: City of life and death
Dirección:
Chuan Lu
País:
China, Hong Kong
Año:
2009
Duración:
132 min.
Género:
Drama, Histórico, Bélico
Reparto:
Ye Liu, Yuanyuan Gao, Hideo Nakaizumi, Wei Fan, Yiyan Jiang, Ryu Kohata, Bin Liu, Yuko Miyamoto, John Paisley, Beverly Peckous, Lan Qin, Sam Voutas, Di Yao, Yisui Zhao
Web: www.cityoflifeanddeath.co.uk
Distribuidora:
Karma Films
Productora: Media Asia Films, China Film Group, Stellar Megamedia, Jiangsu Broadcasting System
Presupuesto:
12.000.000,00
Asesor de producción: Steffen Wild
Dirección:
Chuan Lu
Diseño de producción:
Yi Hao
Fotografía: Yu Cao
Guión:
Chuan Lu
Montaje:
Yun Teng
Música:
Tong Liu
Sonido: Qizhen Lai


En el invierno de 1.937, las tropas del ejército japonés entran en la ciudad de Nanjing, capital provisional de China. Tras una leve resistencia por parte de militares locales, la armada nipona impone un reinado de terror masacrando a prisioneros de guerra y a civiles, y violando de forma sistemática. La única esperanza para los ciudadanos parece ser la zona de seguridad internacional, pero ni siquiera allí se puede escapar del horror que reina en la ciudad.En el

Ciudad de Vida y Muerte
, escrita y dirigida por Lu Chuan es ganadora de la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián 2009. El film es una producción importante, de caracter bélico, filmado en blanco y negro, sin personajes principales y que tiene una suerte de caracteristicas documentales. Narra las matanzas realizadas por el ejercito japones, en la ciudad de Nanjing que es uno de los episodios mas cruentos y sanguinarios de la segunda guerra mundial. La filmacion en blanco y negro sin ninguna duda acentua el dramatismo de las escenas, muy bien filmadas, de este film. Ciudad de vida y muerte es una buena película, que nos permite conocer unos de los tantos horrores de la segunda guerra mundial, no demasiado conocido en Occidente, pero aun recordado por el pueblo chino. El film es interesante, con buen ritmo cinematografico, y produce una enorme conmocion en nuestra sensibilidad, por los horrores que narra con mucho realismo.Recomendable.


Puntos de 1 a 5: 4 puntos

TATUAJE de Alfredo Arias - Arnaldo H.Corazza

en 6:06












TATUAJE

de Alfredo Arias


ELENCO: Alfredo Arias, Sandra Guida, Marcos Montes, Alejandra Radano, y Carlos Casella
FICHA TÉCNICA:

luminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: Pablo Ramírez

Arreglos musicales: Diego Vila

Asistencia artística: Larry Hager

Asistencia de dirección: Luciana Milione

Texto, dirección y puesta en escena: Alfredo Arias


Teatro Presidente Alvear - Av. Corrientes 1659 -
Miércoles a sábados a las 21 horas // domingos a las 19.30 hs.

El espectaculo escrito, dirigido y puesto por Alfredo Arias, es una suerte de Music Hall, donde sus dos personajes principales son Miguel de Molina y Eva Peron, aunque aparecen Conchita Pique, artista franquista a quien se le atribuyen muchos de las penurias vividas por Miguel en España, y una burguesa argentina que pretendia casarse con Miguel de Molina, que siempre asumio -en epocas complejas- su homosexualidad. Miguel de Molina fue un artista exquisito, cantaor de coplas españolas -recomendamos escuhar sus discos- que fue torturado por el regimen de Franco, y llego exilado a la Argentina, aunque en 1942 por su condicion de homosexual y por influencia de la embajada española, debio abandonar nuestro pais rumbo a Uruguay y Mexico. Años despues volvio a la Argentina llamado y por influencia de Eva Peron. Se retiro de la actividad artistica a los 52 años, y murio en la Argentina en 1993. En 1992 el gobierno de Felipe Gonzalez le entre el premio Isabel la Catolica por su contribucion al arte español. Encabezo durante muchos años compañias de la Revista Porteña.
Este relato solo se justifica porque muchos jovenes, quizas, no conozcan el arte de Miguel de Molina. La puesta de Alfredo Arias es magica, de una gran belleza estetica, luciendo sus enormes dotes vocales sobre todo Carlos Casella, Alejandra Radano, y Sandra Guida. El propio Alfredo Arias y su replica Marcos Montes se encargan del relato. Esta obra la estreno Alfredo Arias en el año 2009 en el Teatro Du Rond-Point de Paris donde reside este talentoso artista. Es un espectaculo imperdible, imposible de relatar porque la imagen y el canto tienen un rol esencial, y esto no se puede traducir en palabras. Si bien a Alfredo Arias lo tenemos todos los años en Buenos Aires, se torna imperdible, cuando por breve tiempo presenta sus espectaculos en esta ciudad.
El maquillaje, el vestuario y la coreografia forman parte esencial de este derroche de magia y talento que no brinda Arias. Este musical mezcla de fantasia y realidad, nos deja emocionados ante tal expresion de talento. Asi lo entendio el publico.

1.-
Miguel Frías de Molina (Málaga, 10 de abril de 1908 - Buenos Aires, 4 de marzo de 1993), conocido artísticamente como Miguel de Molina fue un cantante español de copla. Miguel de Molina nació en Málaga el 10 de abril de 1908. Fue criado por seis mujeres: su madre, su hermana y sus cuatro tías. De niño fue inscrito en un colegio de religiosos. Ya adolescente, llegó a Algeciras y trabajó de limpiador en un burdel. Un día, una de las prostitutas intenta acostarse con él, cosa que él rechaza como contraria a su naturaleza y, por ende, a su propia moral. Es decir, en ese momento ya tiene definida su orientación homosexual. A los 20 años se dedicaba a llevar grupos de turistas a tablaos flamencos, pero sabe el potencial artístico que posee: voz y actitudes especiales para la copla española. En 1931 decide dedicarse a tal arte. Triunfa en Madrid, pero es en Valencia donde obtiene sus mayores éxitos, popularizando números como El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá y Ojos verdes. Ésta última, una de las más célebres coplas españolas, estrenada en el barcelonés Café de Oriente, posteriormente sería incluida por Concha Piquer en su repertorio. Molina fue uno de los puntales del género de la copla, con una personalidad única como intérprete masculino. Actuó para el disfrute de las tropas republicanas, pero llegada la dictadura de Franco un empresario le ofrece 500 pesetas por actuación, cuando anteriormente cobraba hasta 5.000 pesetas. Con toda iniquidad, le obliga a aceptar o, de lo contrario, le acusará de su pasado republicano. De todas formas fue torturado y obligado al exilio. Acusado de haber ayudado al ejercito republicano y ser homosexual, fue apaleado por tres individuos que se habían identificado como policías, siendo unos de ellos José Finat y Escrivá de Romaní, conde de Mayalde, tras una actuación. En 1942 se va exiliado a Buenos Aires, donde participó en películas como Luces de candilejas o Ésta es mi vida. Un día, una orden de la Embajada española para que abandone Argentina da inicio a sus problemas por su condición de homosexual. Se exila en México hasta que, años más tarde, una llamada de Eva Perón hace que vuelva a Argentina; se le ofrecen numerosos contratos por el país. En 1957 vuelve brevemente a España. Ya en 1960, a los 52 años, decide terminar con su carrera artística. Fija temporalmente su residencia en Nueva York. En 1992 el gobierno de Felipe González le otorgó la orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España. Falleció el 4 de marzo de 1993 en Buenos Aires a la edad de 84 años. Fue enterrado en el porteño cementerio de la Chacarita, en el nicho Nº 397 del Panteón de la Asociación Argentina de Actores. La película Las cosas del querer —dirigida por Jaime Chávarri en 1989 e interpretada por Manuel Bandera, Ángela Molina y María Barranco— es una versión libre basada en su vida. Resultó un éxito de taquilla. En los años noventa se hizo una segunda parte en Argentina. Según se desprende del libro Botín de guerra, donde se reúnen textos escritos por Miguel de Molina, la producción de la película no le pagó derechos por utilizar (de manera libre) su historia personal. Fue un ser honesto y estricto, a la vez que eficiente y profesional. En su exilio era renuente a conceder entrevistas a periodistas de medios españoles. En sus espectáculos él mismo cuidaba hasta el mínimo detalle, empezando por el marketing y la publicidad. En marzo de 2009 su original y rico vestuario, que por lo general él mismo había diseñado, fue objeto de una exposición montada por sus herederos en Madrid.

Puntos de 1 a 5: 5 puntos

EL CANÍBAL DE ROTEMBURGO de Martin Weisz - HERNANDO HARB

sábado, 14 de agosto de 2010 en 16:25















EL CANÍBAL DE ROTEMBURGO

de Martin Weisz


Título original: “Rohtenburg”

Origen: Alemania,2006

Género: Drama/Terror/Documental

Hablada en alemán

Director: Martin Weisz

Guión: Martin Weisz (basado sobre hechos reales)

Productores: Vanessa Coifman, Marco Weber, Andreas Schmid

Fotografía en colores: Jonathan Sela

Música: Steven Gutheinz

Intérpretes: Keri Russell (Kate Armstrong) – Thomas Kretschmann (Oliver Hartwin)- Thomas Huber (Simon)

Fecha de estreno internacional en Portugal: 25 de abril de 2007

No estrenada comercialmente en la Argentina

Duración original (en Alemania): 90’

Fecha de estreno en DVD en la Argentina (2008): 86’

Calificación: Sólo apta para mayores de 18 años


Kate Armstrong es una estudiante de psicología criminal y debe preparar su tesis para doctorarse. La joven emprende un trabajo basado en un hecho auténtico acerca de un psicópata homosexual, Oliver Hartwin, quien practica canibalismo a través de Internet.

Ése es el eje de este filme basado sobre hechos auténticos que conmovieron al mundo de la ciencia, de la medicina y del periodismo amarillo mundial.

La minuciosa investigación de la estudiante devela recovecos de la mente humana insólitos que la conducen a una extraña transformación de su conducta, que debe frenar a tiempo. Pero el desarrollo de esa puntillosa averiguación es el fruto de un filme inquietante y perturbador,

El amor neurótico es un universo caótico que el realizador Martin Weisz indaga con la laboriosidad de un entomólogo. Lo que parece una historieta de canibalismo se convierte en el deseo de poseer al otro y la no menos imperiosa ansiedad de ser poseído por el ser deseado. Es el amor mutuo llevado a las últimas consecuencias. La empatía física concretada al límite.

Un a posesión sublimada convertida enpatética realidad por la magia del espíritu deformado.

Las imágenes espléndidamente fotografiadas por Jonathan Sela revelan un submundo tan silenciado como intuido más allá del inconsciente colectivo en nuestra sociedad.

Las escenas finales a las que arriba la futura profesora a través de Internet son aterroradoras: una sociedad con sus códigos propios ha fundido una comunidad donde el canibalismo es tan real como algún famoso cuento breve escrito por un inglés para la colección El Séptimo Círculo y los detalles son tan convincentes que dejan perplejo al espectador. Lo que explica los problemas de exhibición que tuvo (y tiene) el filme para estrenarse en la mayor parte del mundo.

Es más. Cualquier curioso internauta actual puede bucear en la web y encontrarse con datos asombrosos (incluido el caso de un caníbal alemán, señor de saco y corbata, que permaneció doce años en prisión y se presta a la prensa alemana a contestar detalladamente su experiencia en la que se baso el guión de Weisz –espléndido, por otra parte- que dio origen a este filme rodado con la crudeza y la prudencia indispensables para mortificar hasta un límite: el del buen gusto.

Las actuaciones son notables. Y es remarcable la toma final, que deja algunas aristas para que el espectador quede inquieto y compruebe que la civilización humana es un terreno aún difícil de reconstruir y más complicada de modelar. Su destino final es imperceptible. La naturaleza humana tiene enigmas que ninguna utopía puede develar y mucho menos armonizar con hipotéticos futuros (optimistas o de lo otros).

En definitiva: un gran filme, recomendable con las prevenciones del caso. Atreverse es un principio para invitar a la indagación. Están convidados.


Hernando Harb

MI VECINO ES UN ESPIA de Brian Levant - HERNANDO HARB

en 16:04















MI VECINO ES UN ESPÍA

de Brian Levant


Título original: “The Spy Next Door”

Origen: EE.UU.,2010

Género: Comedia policial, familiar

Idioma: inglés

Director: Brian Levant

Productores: Robert Munic y Dito Montiel

Guionistas originales: Jonathan Bernstein y James Greer

Fotografía en colores: Thérése DePrez

No estrenada en la Argentina

Fecha de lanzamiento en DVD: 15 de abril de 2010

Intérpretes: Jackie Chan (Bob Ho) – Amber Valleta (Gillian) – Madeline Carroll (Farren) – Will Shadley (Ian)

Calificación: Apto para todo público


Esta es una película ideal para el público infantil en temporada de vacaciones (o un fin de semana). Reúne todas las condiciones que hacen atractivo a un filme para la gente menuda.

Pero hay que hacer una salvedad: ésta es una de Jackie Chan, un actor con admiradores a toda prueba y detractores difíciles de convencer. Algo así ocurría hace unas décadas con el gran Jerry Lewis.

Un poco de historia no viene mal: El verdadero nombre de Chan es Chang Kong Sang, un taiwanés nacido un 7 de abril de 1954, abandonado en la puerta de un circo y criado por artistas acróbatas. Su ámbito de nacimiento fueron las arenas, las jaulas de animales y las acrobacias de todo estilo, desde las emprendidas por la ecuyére de turno hasta por los dioses efímeros de los columpios del aire.

Una vida nada fácil.

De ahí pasó adolescente a integrar un coro de acróbatas de la Ópera de Pekín. Y las volteretas de la vida hicieron que algún astuto comerciante se fijara en su estilo acrobático y lo probara para filmes de tercer orden, de ésos que los chinos consumen a carradas y premian con carcajadas.

En 1996 un perspicaz comerciante del cine se fija en “Rumble in the Bronx” (1996) y le llama la atención ese hombrecito que parece volar en el aire y hasta asemejarse a un bailarín de un ballet acrobático de heterogénea coreografía. El resultado: el primer gran éxito entre el público norteamericano. La comedia era entretenida, contenía un mensaje antipandillero y había un romance almibarado en medio de casas que se derrumbaban y jovencitos que acataban los buenos consejos de sabios uniformados vestidos de azul.

Jackie Chan tiene una cincuentena de películas. Algunas de muy buena calidad, como la saga de “Rush Hour” (“Hora punta”, 1998) iniciada con tal suceso que en la tercera de la serie, filmada en París, se ofreció a participar ni más ni menos que el soberbio Roman Polanski.

En Hollywood intercambió un poco su libertad imaginativa por dar rienda suelta a las extravagancias cibernéticas con “El esmoquin” (2002) o visitar un acartonado far-west con “Shanghai Kid, el Este al Oste”(2000).

No importó. Los admiradores, firmes.

Lástima esta comedia “Mi vecino…”, filmada en Albuquerque, New Mexico, que se parece a tantas otras comedietas ribeteadas de vecindarios made in Hollywood, con un misterioso espía oriental perseguido que complica a una rubia con hijos bien occidental en una parafernalia de computación y de espionaje cibernético.

No es nada del otro mundo. Es una diversión que tiene que ver con el consumo industrial que con la elegancia de gags tipo Chan. Los niños son lo suficientemente potables como para calificarlos de simpáticos. La parte técnica es producto del oficio mecánico norteamericano. Y los demás rubros no ofrecen sorpresas descompensadoras. En cuanto al argumento, los guionistas hicieron su trabajo entre un viaje a Shanghai y New York. Dos garabatos y listo.

Nada por aquí, nada por allá. La magia circense se tomó unas vacaciones. Los dólares mandan en el submercado del cine.


Hernando Harb

CHLOE de Atom Egoyen (2009) - HERNANDO HARB

en 8:45















CHLOE

de Atom Egoyen


Título original: “Chloe”

Género: Drama/Thriller

Origen: Canadá – EE.UU. – Francia. 2009

Hablada en inglés.

Director:Atom Egoyen

Guionista: Erin Cressida Wilson

Idea original: Anne Fontaine

Intérpretes: Julianne Moore (Catherine) – Liam Neeson (David) –Amanda Seyfried (Chloe) –Max Thieriot (Michael)

Filme en colores rodado en Toronto, Canadá

Fecha de estreno en la Argentina: 12 de agosto de 2010

Duración original: 110 minutos

Duración en la Argentina: 96 minutos

Calificación: Sólo para mayores de 16 años


Al paso (apresurado) en que se vive (no sólo en materia de cine), las remakes se van a filmar de mes tras mes con impunidad acatada por los intereses económicos del mercado y de las exigencias populares (en segundo término).

Lo demuestra esta coproducción guionada más o menos libremente por la astuta pluma de Erin Cressida Wilson sobre la base de un erótico libreto de la feminista Anne Fontaine. El original se tituló “Nathalie X” y la protagonizaba el obeso Gérard Depardieu compartido por las muy bellas Fanny Ardant y Emmanuelle Béart. El original tuvo un relativo éxito lo que, al parecer, no amedrentó al egipcio Atom Egoyen –confundido por algunos críticos apresurados como canadiense-, quien se abocó a hacer una remake del erótico filme francés realizado en el 2003, condimentándolo con alguna escena de altísimo voltaje sexual y con diálogos aligerados en la traducción al español, pero que son dignos de confidencias susurradas en algún rincón de un barcito entre señoras insatisfechas y curiosas de loas inquietudes masculinas más íntimas.

El libreto de marras proponía las sospechas de infidelidad atribuidas a un marido. Para conocer los supuestos adulterios del cónyuge (profesor de música) con sus alumnas no recurre a un detective, a la manera tradicional, sino a una prostituta rubia, muy joven y con aires de ingenua, cuyo oficio observa desplegar desde la ventana de su consultorio de dentista. En fin, distintas labores en la misma área barrial de una nevada y hermosa Toronto.

Ambas mujeres inician una conversación en la toilette de un restorán –lo que hace sospechoso el ámbito elegido, por razones que el buen sentido indicarían- y Catherine, la ginecologa, contrata los servicio de la chica de exótico nombre que da origen al nombre del filme. La finalidad: comprobar que si su marido es fácilmente infiel y después conocer hasta los menores detalles de los encuentros. Dinero de por medios -entregado en discretos sobres-, Chloe emprende su labor y se la relata a la menopáusica profesional con lujo de detalles.

Lo que parece un trillado triángulo se convierte en un drama de giro inesperado: la atracción entre las mujeres es casi inmediata. Y de algún modo el relato intenta plantear de qué modo las seducciones pueden provocar pasiones que traducidas serían algo así como un logaritmo primario: A ama a B a través de C.

Catherine (A) se siente atraída por C (Chloe) para revivir su amor por B (David, el marido, un profesor de música algo despistado. Lo que origina una especie de “atracción fatal” (recordar al pobre Michael Douglas sufriendo las consecuencias de su pecado extramatrimonial en manos de Glen Close en un detestable filme de gran éxito popular).

Las derivaciones son aún mayores que las esperadas: como la ginecologa decide ponerle coto a las relaciones lésbicas, la prostituta maquina un plan que incluye al único hijo de la pareja, un joven que acaba de sufrir su primer fracaso amoroso.

El director Egoyen hace lo peor que puede llevar a cabo un director con aparente experiencia internacional pero bajo influencia hollywoodense: mezclar los géneros. Y lo que es un drama pasional se transforma en un furibundo thriller con desbordes eróticos y el romanticismo de la primera parte queda disuelto en un pastiche policíaco.

La buena actriz que es Julianne Moore comparte desconciertos y efusiones con un desubicado Liam Neeson, mientras que la rubicunda Amanda Sigfried quiere hacer olvidar que hizo de la hija cantarina de “Mamma mia!” y que se apresta a filmar “La Cenicienta” luego de incursionar en una vetustez filmada en 2010 titulada “Cartas Julieta”…

En el medio está Max Thieriot, que hace del hijo del matrimonio enmarañado en sexo y lechos muy concurridos, tratando de dar una explicación al vaudeville en el que lo ha mezclado la amante de su mamá, una mitómana que se equivocó de pareja pese a la experiencia que demuestra en el monólogo de principios de la película, fervorosamente rodado con aromas prestados al experto Tinto Brass.

Lo que hay que lamentar es que el egipcio Egoyen cuente entre su filmografía título de la valía de “Adoración” (2008), “Exótica” (1994) y la no estrenada en la Argentina “Close” (2001).

Va a resultar difícil olvidar este traspié de Egoyen, digno de una conversación de señoras cincuentonas tomando el té entre susurros y eufemismos posibles una tarde de lluvia o de tórrido verano. Hay que ser muy magnánimo para justificarlo.


Hernando Harb

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