Título original: “True Blue”

Título en la Argentina (en DVD): “Miracle at Oxford”

Director: Ferdinand Fairfax

Libro: Daniel Topolski

Guión: Rupert Walters

Género: Drama deportivo

Fecha de estreno en la Argentina: Sin fecha

Fecha de estreno mundial: 15 de noviembre de 1996 en Reino Unido

Duración: 90 minutos aproximadamente.

Calificación para menores: Apta para todo público.

Ferdinand Fairfax es un realizador inglés de 65 años de edad, un hombre generalmente dedicado a la televisión, a ratos ayudante de dirección y director de cine con hallazgos para considerar (“TheRescue” -1988- es uno). Hombre de perfil bajo posee un currículum tan interesante que sólo él conocerá el porqué de su desentendimiento total de la denominada pantalla grande.

“True Blue” es un título (en apariencia) localista, cuya primera visión lo calificaría en la línea deportiva, pero con mayor atención surgen propuestas que lo emparentan con el cine político. Basado en un guión de un conductor británico de equipos de carreras de remos en el centro universitario de Oxford, diagrama una historia protagonizada por hombres –son pocas las presencias femeninas- en la que su finalidad es de tan universal que cautiva: el personalismo en las contiendas (en este caso deportivas) da malos resultados.

De este modo el personaje central, Daniel Topolski, impulsa a su cuadro a renegar de la influencia de un grupo de integrantes profesionales estadounidenses, quienes sostienen que los remeros representan a un deportista muy singular, como el boxeador se halla solo, y su canoa es una suerte de ring en el que su compañero es nada más que una espalda, la de otro contenedor que está sumergido en su mundo.

Los “invasores” norteamericanos influyen de tal modo entre los jugadores ingleses que convierten en real el trajinado “divide para reinar”. El filme se detiene en las dudas de los jóvenes, en sus demoledoras ambiciones, en su afán por superar a su compañero y no al verdadero contrincante, aquel que integra el equipo representante de Cambridge, un ámbito más propenso a universitarios de clases más selectas.

En ese cotejo se tejen y destejen las ambiciones hasta que Topolski da a conocer su tesis abrumadora: “Si uno apoya una mano sobre el hombre de su compañero que lo precede en la embarcación, y a su veces su colega que lo antecede hace lo mismo en su hombro, la integración es totalizadora al punto de que esa unión permite la concreción de un cuerpo solo”. Adiós, a los personalismos. Bienvenida, unidad.

Los intrusos invitados de América del Norte desertarán ante una propuesta que no hace honor a sus trayectorias. Y he aquí que el “milagro” se produce por obra y gracia de una máxima tan antigua y tan vigente que hasta debe incluirla la publicitada “máquina de Dios”.

Ferdinand Fairfax –quien firma en ocasiones como Ferdie Farfax- con la colaboración de una fotografía exquisita, un impecable montanista y una música como deber ser –ilustrativa, imperceptible- en toda obra que se precie importante, logra la admiración que se desprende su fina textura y de un suave deslizamiento de las secuencias cuyo mayor deslumbramiento se concreta en las escenas que describen el triunfo oxfordiano final.

Con un elenco sin fisuras, este “True Blue” demuestra que “Invictus” de Eastwood puede alcanzar objetivos con holgura sin recurrir a una producción millonaria, a una publicidad asombrosa y a un afán discursivo capaz de hacer invisible la más terrible de las realidades.

Es una lástima que este buen producto de Fairfax este relegado al DVD y a un desconocimiento de muchos admiradores del buen cine en la Argentina. Es bueno detectarlo.

Hernando Harb

TITULO: La Isla Siniestra.
TITULO ORIGINAL: Shutter Island.
GÉNERO: Drama, Suspenso. DIRECCIÓN: Martin Scorsese.
GUIÓN: Laeta Kalogridis, basado en la novela de Dennis Lehane.
ACTORES: Leonardo DiCaprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr. John Cawley), Michelle Williams (Dolores Chanal), Patricia Clarkson (Rachel), Max Von Sydow (Dr. Naehring), Jackie Earle Haley (George), Emily Mortimer (Rachel).
PRODUCCION: Martin Scorsese.
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson.
MONTAJE: Thelma Schoonmaker.
DISTRIBUIDORA: UIP.
PAÍS: Estados Unidos.
AÑO: 2009.
DURACIÓN: 135 Minutos.

La Isla Siniestra es la historia de dos oficiales del gobierno, Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo), enviados a una isla remota, y totalmente custodiada, frente a las costas de Massachusetts. Su misión es investigar la misteriosa desaparición de una peligrosa asesina que se encontraba internada en el hospital para criminales insanos que funciona en el lugar.

Basada en la novela de Dennis Lehane (RIO MISITICO), Martin Scorsese incursiona en el genero de suspenso psicologico, en un film que seguramente lo amaras o lo odiaràs. Yo termino inclinandome por la segunda de las hipotesis. No esta ni remotamente a la altura de un Scorsese legitimo, del que esoerabamos mucho, pero mucho mas. La pelicula que esta bien filmada, no podrìa ser de otra manera tratandose de un Scorsese, por momentos se nos aparece grotesca, con personajes salidos del humor grafico, haciendo esfuerzos los actores para inspirarnos terror. Rara vez lo logra, y se situa lejisimo de otras obras del genero. Es larga, por momentos tediosa, y para colmo de malos, en un remate dudoso, quienes eran los malos -luego de tanto esfuerzo en convencermos- terminan siendo los buenos, mas bien buenisimos, y uno termina con la certeza que todo el esfuerzo por digerirla, fue simplemente perder el tiempo. Obvio, que esperabamos mucho mas de este gran director. Mucho mas.

1.- Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. Flushing, Queens, Nueva York; 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgará el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento." Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

Título original: Un prophète
Dirección: Jacques Audiard
País: Francia
Año: 2009
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 150 min.
Género: Criminal, Drama
Reparto: Alaa Oumouzoune, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Gilles Cohen, Tahar Rahim, Salem Kali, Pascal Henault, Sonia Hell, Reda Kateb, Jean-Philippe Ricci
Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain
Web: www.aprophet.ca
Distribuidora: Alta Films Productora: Why Not Productions, BIM Distribuzione, Chic Films

Condenado a seis años de prisión, Malik El Djebena (Tahar Rahim) no sabe leer ni escribir. Cuando llega a la cárcel completamente solo, parece más joven y frágil que los demás presos. Tiene 19 años. Arrinconado por el cabecilla de la banda de corsos que domina la prisión, le encomiendan una serie de “misiones̶" que debe cumplir para hacerse más fuerte y ganarse la confianza del líder. Pero Malik es valiente y aprende rápido, e incluso se atreve a hacer sus propios planes.

Otras de las candidatas al Oscar 2010, es un film de cine negro frances, que intenta efectuar una critica social al sistema carcelario, dominado por las mafias, y resultando una escuela para el crimen. Es un buen film, de un ritmo un poco vertiginoso, y a veces el relato se torna un poco confuso. Pero esta bien filmada, y excelentes las interpretaciones especialmente la de Tahar Rahim, el personaje principal. Es posible que este film deba verse dos veces, ya que es tal la informacion y el vertigo del relato, que confieso quedaron cosas en el camino. Quizas la duración del film es excesiva -dos horas y media- y creo que lo torna lento a un film -valga la paradoja- vertiginoso.Es un muy buen policial frances, y recomenble verla.

1.-Jacques Audiard, nacido en París en 1952, es hijo del director y guionista Michel Audiard. Estudió literatura y filosofía en La Sorbona, y quiso dedicarse a la enseñanza, pero no terminó sus estudios. Comenzó su carrera profesional como montador de cine, trabajando como ayudante en varias películas incluyendo The Tenant de Roman Polanski. También trabajó en teatro donde adaptó varias obras. A principios de los 80, siguiendo los pasos de su padre, comenzó una exitosa carrera como guionista. Gracias a sus primeros éxitos, pudo obtener financiación para su primera película, que ganó el Cesar a la Mejor Primera Película y el premio Georges-Sadoul.
Filmografía:

• Un profeta 2009, Director. en cartel
• Un profeta 2009, Guionista. en cartel
• De latir mi corazón se ha parado 2005, Director.
• De latir mi corazón se ha parado 2005, Guionista.
• Lee mis labios 2001, Director.
• Lee mis labios 2001, Guionista.
• Venus, salón de belleza 1998, Guionista.
• Un héroe muy discreto 1996, Director.

Puntos de 1º a 5: 3 puntos

TITULO: Gran Torino TITULO ORIGINAL: Gran Torino INTERPRETES: Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her, Christopher Carley. GENERO: Drama. DIRECCION: Clint Eastwood. GUION: Nick Schenk. FOTOGRAFIA: Tom Stern. MUSICA: Kyle Eastwood, Michael Stevens. MONTAJE: Joel Cox, Gari Roach. ORIGEN: Estados Unidos (2008) DURACION: 116 minutos WEB: http://wwws.la.warnerbros.com/grantorino DISTRIBUIDORA: Warner ESTRENO EN BUENOS AIRES: 5 de marzo del 2009

Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un jubilado polaco-americano que vive con su perra Daisy en Highland Park (Míchigan). Además Kowalski es un veterano de Corea, lo cual le marca mucho a la hora de actuar. Kowalski descubre a su nuevo vecino adolescente hmong intentando robar su Ford Gran Torino para pertenecer a una banda, y que él y su hermana están siendo presionados por la susodicha. Walt decidirá ayudar, a su manera, a los dos jóvenes.

Clint Eastwood, con esta su última pelicula, nos demuestra nuevamente que sabe fimar. Es un verdadero artesano, que con muy poco, logra un producto por cierto nada desdeñable. Es un buen film, no esperen una obra de arte, pero se encontrarán con un producto encuadrado en la linea del cine americano, muy recomendable. La actuación de Eastwood, en un personaje que la calza a su medida, es excelente. Quizás lo mejor del film. Esboza una critica a la sociedad americana - no muy a fondo - , y tiene algunos golpes bajos con los que intenta conmovernos, y a veces -eso es lo increible- lo logra. Es dificil quedar desencantado con un film del viejo Eastwood, es un verdadero artesano, en el mejor sentido de la palabra artesano. Reitero, no esperen un obra de arte, pero recomiendo verla.

1.- Clint Eastwood esta considerado una leyenda del cine.Sus padres fueron Clinton Eastwood Sr. y Margaret Ruth (Runner) Eastwood.^[1] Nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Éstos no podían permitirse pagarle estudios superiores por lo que, tras acabar los estudios primarios, tuvo que empezar a trabajar en diversas labores como leñador, albañil, pianista, bombero forestal, limpiapiscinas, obrero del metal y muchos otros más que ejerció para ganarse la vida. Cumplió el servicio militar como instructor de natación en Fort Ord. Esto le permitió ahorrar unos dólares con los que pudo pagarse unas clases de arte dramático en Los Angeles College. Cabe destacar que fue fuertemente influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego fue famoso por su papel como actor en la serie El fugitivo, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada La vida de Ritley. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales, garantizadas cuarenta semanas al año de trabajo en sus estudios. En esa época los grandes estudios tenían una política llamada del Star-system, con la que se encargaban de formar y pulir a las futuras estrellas. En 1953, a los 23 años, se casó con Maggie Johnson, que sería la madre de sus hijos Kyle y Alison, y un año después debutó en una película llamada Revenge of the creature con el director Jack Arnold, repitiendo con él en la película Tarántula. El mismo año (1955), trabajó en películas como Francis in the navy o Lady Godiva. Pasó seis años trabajando en televisión, en una serie llamada Rawhide. Esto hizo que su innegable apostura y buen parecido se hiciera muy popular en los medios. Pero su gran salto a la fama fue en 1964, cuando Richard Harrison y James Coburn rechazaron el papel protagonista de Magnificent Stranger de Sergio Leone, rodada en Almería. La película acabó titulándose Por un puñado de dólares. Anecdóticamente, Eastwood tuvo que aportar su propio vestuario, comprando el poncho que sería famoso en las siguientes películas de Sergio Leone. Con los spaghetti westerns Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio (en Hispanoamérica Por unos dólares más) y El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad. En 1968 creó su propia productora, The Malpaso Company (más tarde Malpaso Productions), con la que ha realizado todas sus películas desde entonces. En su país, trabajó en esta primera época con actores de la talla de Richard Burton, Lee Marvin, Shirley MacLaine, Telly Savalas y Donald Sutherland, consagrándose como una estrella de acción del celuloide. Su imagen se hizo muy popular en extremo, a tal modo que muchos imitaban su forma de ser y solicitaban su autógrafo en todo lugar que fuere. En esa época, Eastwood gustaba además de pasear con un orangután como mascota. En 1971, decide dirigir su primera película, The Beguiled : The Story Teller, un documental sobre el rodaje del filme El seductor de Don Siegel, en el cual actuaba el papel principal. Ese mismo año, Don Siegel le ofrece el papel que marcará su carrera interpretativa, Harry el sucio, en el que retorna al hombre duro y sin piedad de las anteriores películas, pero convertido en agente de la ley. Más tarde vendría Harry el fuerte, una secuela de la serie. Por estas actuaciones Eastwood se consagró definitivamente estrella del cine y lo enmarcó como duro. En un principio se pensó que la interpretara John Wayne, pero no se atrevió, al pensar que podría ser negativo para su imagen por su polémica "violencia gratuita". Reavivando la pobre llama del western, realiza dos películas Joe Kidd e Infierno de cobardes, su segunda película como director. Por temor a ser encasillado de machista y de fascista tras protagonizar sus siguientes películas, Harry el fuerte y Harry el ejecutor, elige interpretar las películas Un botín de 500.000 dólares, Licencia para matar y El fuera de la ley. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, la ciudad donde reside habitualmente y un año después abandona el cargo por la falta de tiempo para realizar sus películas, pero ya como director y actor. Su vida sentimental sufre un brusco cambio al conocer a la actriz Sondra Locke, mientras rueda Ruta suicida, de la que terminaría enamorándose y provocando la ruptura con su esposa Maggie Johnson, después de 25 años de matrimonio. La relación sentimental entre Sondra y Clint, terminaría en 1989, debido a su romance con la también actriz Frances Fisher (Sin perdón o Titanic), con la que tendría una hija. Siete años después terminaría casándose con la periodista latina Dina Ruiz. Experimentando como director y evolucionando hacia una etapa más creativa realiza varias películas seguidas, interpretadas por el mismo, destacan Firefox, Impacto súbito, El jinete pálido y finalmente El sargento de hierro. Por su pulido y exitoso trabajo, en 1991 recibe el Premio Irving G. Thalberg a su trayectoria en la gala de entrega de los Premios Oscar. A partir de ese momento dirige una serie de películas que le convertirán en uno de los directores más destacados de los años 90: tras Bird y Cazador blanco, corazón negro, dirige la que algunos consideran su mejor película, Sin perdón (llamada también en Hispanoamérica Los imperdonables), que a la larga se convierte en clásico de los western, que fue galardonada con un Globo de Oro al mejor director y 4 Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor director siendo también candidato como mejor actor. En Un mundo perfecto se dirigió a sí mismo y compartió cartel con uno de los intérpretes de moda en ese momento, Kevin Costner, tras lo cual filmó Los puentes de Madison, donde su calidad interpretativa se reafirma compartiendo cartel con Meryl Streep. Dirige a su propia hija en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) y en el año 2000 junto a los renombrados actores, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner, protagoniza y dirige Space Cowboys, segunda película más taquillera de los Estados Unidos ese año. Mystic River, película que dirige en 2003, significa la vuelta de Eastwood al drama. Con esta película consigue seis candidaturas a los premios Óscar, entre ellas mejor película y mejor director, ganando dos premios (al mejor actor y al mejor actor de reparto). En 2004, dirige y protagoniza junto a Morgan Freeman Million Dollar Baby, una excelente película de corte dramático que reedita el éxito cosechado con Sin perdón, y que le hace ganar su segundo premio Óscar como mejor director, además de conseguir el premio a la mejor película. En 2006 vuelve a su faceta como director y dirige dos películas llamadas Banderas de nuestros padres (basada en la novela escrita por uno de los hijos supervivientes de la batalla) y Cartas desde Iwo Jima. La película Cartas desde Iwo Jima cuenta las experiencias de la Batalla de Iwo Jima desde los puntos de vista estadounidense y japonés respectivamente. Cartas desde Iwo Jima ganó el Globo de Oro 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Eastwood fue doblemente nominado al premio al mejor director, pero no le fue concedido.En 2008 escribió, dirigió y actuó en Gran Torino, seguido en 2009 de Invictus, y para 2010 está programada Hereafter.Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 3 puntos.

Título: La carretera

Título original: The road

Dirección: John Hillcoat 1

País: Estados Unidos

Año: 2009

Duración: 119 min.

Género: Drama, Thriller, Ciencia ficción

Calificación: No recomendada para menores de 13 años

Reparto: Charlize Theron, Viggo Mortensen, Guy Pearce, Robert Duvall, Garret Dillahunt, Michael K. Williams, Molly Parker, Kodi Smit-McPhee, Brenna Roth, Jeremy Ambler, Bob Jennings, David August Lindauer, Jack Erdie, Aaron Bernard, Nick Pasqual, Jared Pfennigwerth, Mark Tierno, Matt Reese, Amy Caroline, Kacey Byrne-Houser, Cerise Weidner, Chris Sechler, Kyle Quinn, Kirk Brown, Shawn Rolly

Web: www.theroad-movie.com

Productora: 2929 Productions, Nick Wechsler Productions, Road Rebel, AEG Live

Es un filme que desconcertará de diversas formas a los espectadores críticos (incluidos). Estrenado en algunos países latinoamericanos como “El último camino”, hace honores a sus antecedentes. Desde el autor del libro original (ganador del Premio Pulitzer-2007) hasta el de su director, John Hillcoat, pasando por uno de los autores de la banda musical, el prestigioso Nick Cave, esta “carretera” debe ser transitada con algunas prevenciones.

Ante los anticipos publicados (publicidad acerca de una trama apocalíptica, con un menú centrado en el canibalismo y la violencia) muchos espectadores asistirán a la espera de un desarrollo (habitual) de efectos especiales del tipo de “2012” con exotismos desprendidos de supuestas profecías mayas, saldrán decepcionados. Ni qué decir de los aficionados al terror tan de moda en estos tiempos que no se caracterizan por su pacifismo a ultranza.

Es que “The Road” es un recorrido doloroso signado por la soledad y la consecuente angustia de un padre que intenta preservar a su pequeño hijo de los peligros que le amenazan en un mundo devastado surcado por los aislados gritos de hombres dispuestos a devorarse (literalmente) a una madre y a su hijo; o por las apariciones de un anciano enloquecido o por un negro perseguido y sospechoso que es abandonado sin ropas. Nada es esperanzador (tal vez el final sea cuasi-victorioso) y el todo de la trama se erige como un llamado de atención acerca de la condición humana, la ausencia de Dios y la imposibilidad de planear un futuro.

La escritora española Rosa Montero clasificaba a los escritores en memoriosos y amnésicos. Los primeros escriben su obra sobre la base de detalles puntillosos vividos o enriquecidos por la imaginación (esa “loca de la casa”). Los segundos prefería abandonar la puntillosidad de lo verificaba e insertarse en un microcosmos poblado de fantasmas que convierten su creación en un producto universal y alegórico). Dentro de esa categorización (irregular) no hay duda de que la novela del laureado McCarthy pertenece a los últimos. El canibalismo (casi sugerido) y el periplo cumplido por padre e hijo adquieren una simbología crispadota en esta actualidad que nos toca vivir tan lejos de las clásicas road movies o de las sugestivas referencias a viajeros espirituales al mejor estilo de Kerouac.

El ascetismo que le imprime John Hillcoat a su filme está completado por una fotografía en sepia y una banda sonora intencionadamente inadvertida. Es un director a tener en cuenta tanto por el mundillo de los oscarizados como por el de los pobladores del cine independiente (al cual pertenece).

No se puede obviar la excelencias de las interpretaciones de Robert Duball (casi irreconocible en su rol de viejo trashumante), Charlize Theron (como una madre enloquecida que -en apariencia- abandona a los suyos), Guy Pearce y Viggo Mortenssen (lejos de las sagas adolescentes y más cerca del astuto David Cronenberg.

En suma: será una lástima que este filme pase inadvertido en la cartelera argentina. Sería inmerecido en medio de un aluvión de historietas inspiradas en el sub-género de las “historias reales” tan en boga y en las que pocos ya creen.

1.-John Hillcoat es un guionista y director de cine australiano. Nació en Queensland pero fue criado en Hamilton (Canadá). De pequeño le gustaba mucho pintar y sus obras fueron presentadas más tarde en la Galería de Arte de Hamilton. En varias ocasiones trabajó con Nick Cabe y también con la banda Depeche Mode. Hillcoat escribió y dirigió su primer filme, Ghosts... of the Civil Dead en 1988, premiado en el Festival de Venecia con el Premio de los Estudiantes de la Universidad de La Sapiencia. En 1996 fue nominado en el Festival de Películas Románticas de Verano en el apartado de Mejor Película por To Have and to Hold (1996). Tras rodar un telefilme, Nick Cave and the Bad Seeds: Babe, I'm on Fire (2003), se adentró en su tercer proyecto y quizás el más destacado de todo su carrera: The Proposition (2005), un drama cargado de misterio y crímenes ganador de 13 premios. Hillcoat reapareció en 2009 con La carretera, protagonizada por Viggo Mortensen y Charlize Theron. La cinta fue nominada a los premios BAFTA en la categoría de Mejor Fotografía y a los Premios Satélite a la Mejor Dirección de Arte y al Mejor Diseño de Producción.

Hernando Harb

Título original: Ajami.
Dirección: Scandar Copti y Yaron Shani.
Actores: Fouad Habash, Nisrine Rihan, Elias Saba y Youssef Sahwani. Guión: Scandar Copti y Yaron Shani.
Producción: Moshe Danon y Thanassis Karathanos.
Compañías: Inosan productions / Twenty Twenty Vision Filmproduktion GmbH / ARTE / Das Kleine Fernsehspiel / Vertigo Films.
Género: Drama.
País: Alemania / Israel.
Duración: 120 min.
Idioma: Árabe/ Hebreo. Año: 2009.

El título “Ajami” viene del barrio epónimo donde se desarrolla la historia. Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti (residente de Ajami. Hasta la fecha, “Ajami” ha recibido varios Premios Ophir (a la Mejor Película, al Mejor Director, al Mejor Guión, al Mejor Montaje y a la Mejor Composición Musical), así como el premio Mención Especial Cámara de Oro del Festival de Cine de Cannes y el Premio Wolgin a la Mejor Película en el Festival de Cine de Jerusalén de 2009. Fue nominada alOscar 2010 junto con el secreto de tus ojos.Ajami es uno de los barrios más duros la ciudad de Jaffa. Omar y su hermano pequeño Nasri son el objetivo de la venganza de un clan criminal después de que su tío disparase a uno de sus miembros. La venganza puede terminar, pero es cara y Omar necesita juntar una gran cantidad de dinero de forma rápida. Malek trabaja de forma ilegal en un restaurante y también necesita dinero para poder pagar una operación a su madre. Dando es un policía israelita obsesionado por la desaparición de su hermano soldado. Los tres conviven en la misma zona y sus historias se entrecruzan inevitablemente.

No deja de sorprendernos el nuevo cine Israeli. Y nos sorprende cada vez mas no solo por la calidad de sus films, sino porque puedan contar historias de sus residentes, judios y palestinos sin referirse directamente a la guerra que sobrevive desde hace años en la region. Los directores son uno judio, y otro palestino que vive en Ajami un barrio de la ciudad de Jaffa. Los actores no son profesionales, sino que son habitantes de Ajami. Los conflictos sin referirse a la guerra, refieren cabalmente la situacion social del barrio. Es un film impecable, fuerte, desgarrante, pero a su vez inteligente, bien narrado. Yo creo que es imprescindible verla, y reitero que el cine israeli, con vertiente judeo-palestionas, me sigue sorprendiendo, por la creatividad y calidad de sus films.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos