WINTERS BONE de Debra Granik - Arnaldo H.Corazza

viernes, 31 de diciembre de 2010 en 10:10






















WINTERS BONE
de Debra Granik
Título: Winter's Bone
Título original: Winter's Bone
Dirección: Debra Granik
País: Estados Unidos
Año: 2010
Duración: 100 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga
Reparto: Jennifer Lawrence, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Valerie Richards, Shelley Waggener, Garret Dillahunt, William White, Ramona Blair, Lauren Sweetser, Andrew Burnley, Phillip Burnley, Isaac Skidmore, Cody Brown, Cinnamon Schultz, John Hawkes, Casey MacLaren, Kevin Breznahan, Dale Dickey, Sheryl Lee, Marideth Sisco, Tate Taylor, Ronnie Hall, Beth Domann, Charlotte Jeane Lucas, Raymond Vaughan Jr., Russell Schalk
Guión: Debra Granik, Anne Rosellini
Web: www.wintersbonemovie.com
Distribuidora: No disponible
Productora: Anonymous Content
Presupuesto: 2.000.000,00 $
Agradecimientos: Brian Bell, Hans C. Ritter
Casting: Heather Laird Kerry Barden, Paul Schnee Sarah Grace Johnson
Coproducción: Kathryn Dean
Departamento artístico: Carter Royce Waite, Christopher Strok, Deanna Smith, Jacob S. Wynant, Jonathan Henry Way, Nathan R. Webster, Richard Peete, Rob Yapkowitz, Ron Moore, Russ Dove
Departamento de transportes: Adrian Trent, Jim Kelly, Thirl Haston
Departamento editorial: Alice Borrelli, Anderson Boyd, Ashley Gormley, Barbara Jean Kearney, Cindy Yoon, Dana Bloder, Daniel Silverman, Eric Glatt, Eric Leverenz, Erika Blaszak, Kevin Vale, Kristin Cully, Michelle Scourtos, Naomi Goodman, Noah Goldman, Richie Roefaro, Rosa Oh, Rosemary Siciliano, Sara Cross, Sheila Shirazi, Sigi Torinus, Stephanie Ahn, Tim Stipan, Victoria Stewart
Departamento musical: Dan Evans Farkas, Marideth Sisco, Steve Peters
Dirección: Debra Granik
Diseño de producción: Mark White
Efectos especiales: Nathan Shelton
Efectos visuales: Andrew Still, Jessica Allen Elvin
Fotografía: Michael McDonough
Guión: Anne Rosellini, Debra Granik
Maquillaje: Marina Proctor, Maya Hardinge
Montaje: Affonso Gonçalves
Música: Dickon Hinchliffe
Novela original: Daniel Woodrell
Producción asociada: Michael McDonough
Producción ejecutiva: Jonathan Scheuer, Shawn Simon
Producción en línea: Kathryn Dean
Sonido: Damian Volpe, David Ellinwood, David Fleming, Dominick Tavella, James Demer, Jay Peck, Matt Rocker, Michael F. Grinage, Ryan Collison, Steve Peters
Vestuario: Cassie Tweeten, Lauren Schad Rebecca Hofherr Ryan Piotrowski
A los diecisiete años de edad, Ree Dolly (Jennifer Lawrence) se propone encontrar a su padre, quien puso su casa para asegurar su fianza para luego desaparecer sin rastro. Debiendo enfrentar el riesgo de llegar a perder su hogar y embarcandose en los bosques Ozark, Ree desafía el proscrito código de silencio de sus parientes y arriesga su vida para salvar a su familia. Ella batalla a través de mentiras, evasiones y amenazas planteadas por sus parientes, para comenzar a reconstruir la verdad. Basada en la novela de Daniel Woodrell.

Preparados para ver una pelicula country, del cine independiente de los EE.UU., pensaba de clase B, me encontré con una grata sorpresa. Cuantos prejuicios sigue teniendo uno. La historia transcurre en algun pueblo rural del sur de los EE.UU., y cuenta la historia de Ree, una joven de 17 años, que busca a su padre -productor de crack desparecido- para salvar su casa puesta en fianza en una causa penal. Es magnifica la descripción del ambiente rural, las austeras costumbres, las miserias, y personajes caracteristicos de dichas zonas. Mientras tanto el film transcurre con la busqueda de Ree. Esta bien filmada, con buenos recursos y excelente fotografia, y cuenta con muy buenas actuaciones sobresaliendo Jennifer Lawrence en el papel de Ree. La historia es solvente y atrapa al espectador. Dificilmente se exhiba en Buenos Aires, pero en algun buen video club la podremos encontrar. Recomendable
.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

CISNE NEGRO de Darren Aronofsky - Arnaldo H.Corazza

jueves, 30 de diciembre de 2010 en 12:35





















CISNE NEGRO
de Darren Aronofsky


Título:
Cisne negro
Título original: Black Swan
País: USA
Estreno en USA: 03/12/2010
Estreno en España: 18/02/2011
Productora: Phoenix Pictures, Prøtøzøa, Fox Searchlight Pictures
Director:
Guión: Mark Heyman & John McLaughlin
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey

Narra la historia de Nina (Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

Es un muy buen fil de Darren Aronofsk, con una estupenda actuacion de Natalie Portman. El fil, estupendamente filmado, cuenta la historia de Nina una bailarina del ballet de la ciudad de Nueva York y sus conflictos psicologicos en su vida, la relacion operasiva con su madre, y la dificultad de encarnar en Cisne Negro de El Lago de los Cisnes. Debo confesar que la parte mas compleja del film que es la manifestacion de las perturbaciones de Nina, no me gustó demasiado como estan resueltas cinematograficamente, demasiado truclentas quizas, pero en fin es solo mi opinion personal, que no empaña en modo alguno la calidad del film. Son muy buenas las actuaciones destacandose nitidamente la de Natalie Portman. La estetica del film impecable, digna de elogio. Muy recomendable.


Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA


1.- El debut de Aronofsky como director de largometrajes se remonta al año 1998, fecha en la que se estrenó la película Pi. Esta cinta narra la vida de un brillante matemático (Max) que está obsesionado con la idea de que, pese al aparente caos que rige el universo, existe un sistema numérico capaz de prever y controlar todo cuanto sucede en él. Centrándose para ello en el estudio del mercado bursátil, Max cada vez se acercará más a desentrañar el misterio que se oculta tras esa fórmula matemática que aparentemente controla todo, y que le lleva inexorablemente al número Pi. Ansiosos por hacerse con el increíble descubrimiento que Max está a punto de revelar, una agresiva firma de Wall Street y una secta judía le acosarán para hacerse con tan preciado botín. Cabe destacar que la fotografía de este thriller matemático fue en blanco y negro, y que el compositor de la banda sonora de la misma fue su gran amigo Clint Mansell, colaborador habitual de Aronofsky en el resto de sus películas. El filme apenas costó 60.000 dólares, por lo que el mérito de la película es aún mayor. La cinta logró un gran éxito de crítica y público, y obtuvo varios galardones, entre los cuales destaca el del Festival de Sundance, que reconoció a Aronofsky como Mejor Director en 1998. La película que siguió a Pi, fue nada menos que Réquiem por un sueño (Requiem for a dream), estrenada en el año 2000. Basada en la novela de Hubert Selby Jr (quién también desempeña las labores de guionista), la película se centra en el mundo de las drogas (y otras adicciones) y en las devastadoras consecuencias que tienen éstas en un grupo de personas. Este segundo trabajo del director neoyorkino fue aclamado mundialmente por crítica y público y se convirtió instantáneamente en un clásico de culto. Su enorme poder visual, unido a una banda sonora hipnótica (obra también de Clint Mansell, cuyo tema Lux Aeterna ha sido remezclado y utilizado en decenas de trailers cinematográficos posteriores) y a unas interpretaciones sobresalientes (Ellen Burstyn estuvo nominada al Oscar y al Globo de Oro a la mejor actriz por su trabajo en este filme) dieron como resultado este exitoso segundo trabajo de realizador de Brooklyn. La película se hizo con numerosos premios, entre ellos la Espiga de Oro del Festival de Valladolid. La siguiente película de Aronofsky no vería la luz hasta más de un lustro después, en el año 2006, fecha del estreno de La fuente de la vida (The fountain). Con un presupuesto millonario, y teniendo a sus órdenes a actores de la talla de Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn (de nuevo), Aronofsky nos lleva por el viaje que emprende un hombre a través de los siglos con el objetivo de encontrar el árbol de la vida, que según la leyenda, otorga la vida eterna a quién bebe de su savia. Su fin último será salvar la vida de su enferma esposa. La película pasó con más pena que gloria por la taquilla mundial, y esta vez no pudo contentar completamente a todo el mundo. El filme produjo una enorme división de opiniones tanto en la crítica especializada como en el público, yendo desde los que la criticaron duramente, hasta los que la encumbraron como una de las grandes obras cinematográficas de los últimos tiempos. En cualquier caso, cabe reseñar la nominación de Clint Mansell (de nuevo a cargo de la banda sonora) a los Globos de Oro por su partitura, o la de Darren Aronofsky al León de Oro en el Festival de Venecia, entre otras. En el año 2008 presentó The Wrestler, su cuarto largometraje que obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia. La película está protagonizada por Mickey Rourke y Marisa Tomei, y narra la vida Randy Robinson, un antiguo campeón de lucha libre que se encuentra en el ocaso de su vida profesional. La crítica considero la película de Aronosky la mejor del festival y una de las mejores del director. Aparte de realizar estos largos, Darren Aronofsky también es el autor de cortos como Supermarket Sweep (1991), Fortune Cookie (1991) y Protoz. Fuente Wikipedia.

GABRIEL de Shane Abbes - Hernando Harb

miércoles, 29 de diciembre de 2010 en 14:58





















GABRIEL
de Shane Abbes

LEJOS DE LA GRACIA/ LA LUCHA ENTRE EL BIEN Y EL MAL Título original: Gabriel Origen: Australia, 2007 Género: Drama Hablada en inglés Dirección y Producción: Shane Abbess Guión: Shane Abbess y Matt Hylton Todd Libreto: Matt Hylton Todd Música:Brian Cachia Fotografía: Peter Holland Montaje: Adrian Rostirolla Intérpretes: Andy Whitfield (Gabriel) – Dwaine Stevenson (Sammael) – Samantha Noble (Jade/Amitiel) – Michael Piccirilli (Asmodeus) – Jack Campbell (Raphael) – Erika Heynatz (Lilith) – Valentino del Toro (Baliel) Duración original: 109’ Duración en el DVD en la Argentina: 108’ No estrenada en la Argentina Calificación: Sólo para mayores de 16 años, con reservas.

Difícil, complejo y osado debut como realizador el de Shane Abbess. Es un magnífico filme que contó con su portentosa imaginación (en el encuadre, en las tomas que no exceden los dos minutos de duración, en el juego de plano-contraplano magnético que delata una gran escuela), con una fotografía de Peter Holland creativa (los cambios de color de los ojos de los personajes según sus cambios de ánimo, el color blanco/negro y sepia para los instantes en que los protagonistas pierden fuerza y se vuelven humanos –los Caídos- en una ciudad simbólica asqueante bajo una lluvia purificadora que intenta apagar el humo), con un montaje de Adrian Rostirolla (con cuadros de menos de un segundo de duración que combina la amenaza de una daga con el recorrido de una bala que llega a ser superada por el vuelo de un ángel, y otras maravillas que dejan boquiabiertos a los más expertos espectadores) y con una música de Brian Cachia, cuya banda de solos místicos convive con tambores de guerras bajo un cielo en el que las estrellas son bolas de fuego frío o cruces que parecen latir la lucha allí abajo, donde los humanos han olvidado el poder del amor y sólo conviven con el temor a un Dios castigador. En suma: una acrobacia fílmica. No falta la acción, la complejidad mística, el agnosticismo derrotado y hasta el triunfo de un Dios insaciable que no da razones para tanta lucha en apariencia inútil.. Un ejemplo impecable: la violencia compite con la ternura en un montaje paralelo para explicar los celos de un Arc (ángel) perverso (Sammael) con la escena de sexo entre dos Arcs (la bella Amitiel y su redentor, Gabriel, presto a reclamarle a la Divinidad el porqué de la pérdida de la Gracia y la convivencia del Mal y el Bien un solo cuerpo. “¿Cuál es tu finalidad?” – le indaga a Dios el rebelde “Cuál es tu propuesta? Acabo de recibir la ayuda amorosa de mi enemigo mayor, Sammael, que es el compañero Miguel dominado por el Mal, y me dejas solitario, sin fuerzas, ni ánimo”. La respuesta es un silencio bergmaniano que espantanta. La decisión del sublime Arc no es otra que la de dejarse caer desde un rascacielos con los brazos en cruz, mirando ese cielo que ya nadie contempla en el hediondo pozo en que se ha convertido la tierra. “Me entrego a los Caídos –los humanos- y espero que envíes otra legión de ángeles para salvar a esta ciudad abandonada, repleta de prostitución, drogas, ambiciones, corrupción general” significa esa Caída larga que el montaje ordenado por el debutante Abbess interrumpe con la mirada de una mujer salvada y el cielo iluminado de amarillo (el color que domina las escenas terrestres dominadas por la lucha cruenta de los habitantes del Purgatorio). Es interesante resaltar el uso de los colores: el amarillo lleno de luz del crepúsculo optimista y el amarillo sucio, cargado de manchas, que predomina en la noche eterna en que se desarrolla este guión magnífico que tiene antecedentes en la escuela alemana o en el virtuosismo fantástico del gran Ingmar Bergman. Suponer que es el argumento se remite a siete angeles enviados por Dios, el Desconocido, para exterminar a los siete rivales alados que han pervertido lo creado es simplicar esta excelente obra. Cuyo estreno es de esperar se concrete pronto en nuestro país. Las actuaciones están al nivel requerido: un Andy Whitifield excelente en su hermoso sobreviviente que se deja llevar por la oscuridad de la mirada para apagar los reflejos que surgen de sus ojos y dejar al descubierto los tatuajes simbólicos de su en su cuerpo; el pervertido Asmodeus halla en Michael Piccirellio una empatía perefecta; y los delirios que culminan en amor del Mal son ilustrados a la perfección en el Sammael de Dwaine Stevenson. En suma: fuera de prejuicios y creencia “Gabriel” es un filme que anuncia una prometedora carrera a Shane Abbes.

HERNANDO HARB

EL JOVEN HÉRCULES de Mohamed Khashoggi - Hernando Harb

martes, 28 de diciembre de 2010 en 19:56





















EL JOVEN HÉRCULES
de Mohamed Khashoggi

Título original: Little Hercules in 3-D Origen: Estados unidos, 2009 Género: Fantástico Hablada en inglés Dirección: Mohamed Khashoggi Guión: Robert Boris Sobre personajes de una serie televisiva estadounidense Música: Mark Denis Fotografía en colores: Mateo Londono Intérpres: Elliot Gould (Sócrates) – Terry “Hulk” Hogan (Zeus) – Richard Sandrak (Hércules) – Saul Huezo (Ramón) – Judd Nelson (Kevin) No estrenada en la Argentina Duración: 93’ Calificación: Para mayores de 13 años

Es un filme dedicado al público infantil, con un presupuesto elevado, una imaginación pobre y una interpretación deficiente. Lo que llama la atención (a quien redacta estas líneas) es la persistencia estadounidense de presentar hace (por lo menos) cinco años el tema del enfrentamiento padre e hijo. Un entendido en psicología profunda junguiano tal vez detecte tanta insistencia dirigida al imaginario popular mediante el cine. Un tímido aprendiz insinuaría que la clave está en el cambio presidencial, lo que se detecta por el reparto multirracial (insinuado hace una década) y las amistades y amores entre blancos y negros incluidos en una película en 3-D, en la cual hasta se asiste a una secuencia entre una disputa entre una madrastra (la perversa Era) y una madre negra (una californiana maravillosa ama de casa) en defensa del niño héroe (Hércules) a quien llaman “mi hijo”. La historia (que resalta sin escrúpulos las esteticidades del sistema tridimensional y que harán las delicias de los muy chicos) es el deseo de un Hércules niño que desea abandonar el Olimpo para ser un mortal común en la Tierra ante la oposición de papá Zeus (lamentable Terry Hogan) y un Sócrates espantado de suspender sus clases filosóficas y rebatirle a su joven niño acerca de la influencia de los sueños en los deseos naturales de un dios que a toda costa quiere tirarse al agua (literalmente) y aparecer en una pileta de natación de California para disfrutar del abandono de la inmortalidad. De más está decir que están al día las escatologías en son de bromas a las que son tan aficionados los estadounidenses: el recién llegado del Olimpo que vestirse con papel higiénico y, lo que es inaudito (sobre todo para el guionista), discutir con papá a través del agua del inodoro para prevenirle éste que sólo le confiere tres posibilidades de ejercer su fortaleza superfísica en cuatro días. Si las malgasta, no hay retorno. El water closet no creo que sea un celular ideal para conversar entre un dios y su heredero. Por más que el 3-D haga jugarretas con los remolinos acuáticos que provoca apretar un botón. Lo hecho, hecho está. Hay algún diálogo gracioso (cuando el pequeño visitante asegura ser ganador de las olimpíadas griegas varias centurias antes de Cristo) o algún chiste poco serio de referirse a Jesús como al portero de una escuela. Lo dicho, dicho está. La productora espera el lanzamiento con la devoción al“amo dólar” por más que se admita que lo filmado es detestable. La actuación de Elliot Gould ofende la memoria de Sócrates en tanto el espectador adulto no encuentra explicación en la prohibición para menores de 13 años que mereció este Little Hercules que parece anticipar en su final una continuación. Un epílogo que consiste en pegar un trompis en primerísimo plano al objetivo donde (se supone) está ubicado su vástago, lo cual puede provocar algún estupor familiar explicable.


Hernando Harb

BAIXIO DAS BESTAS de Claudio Assis - Arnaldo H.Corazza

en 7:42



















BAIXIO DAS BESTAS
de Claudio Assis


Título original:
Baixio das Bestas
Gênero: Drama
Duracion:
80 min.
Lanzamiento (Brasil):
2007
Distribuicion:
Imovision
Direcion:
Cláudio Assis
Producion:
Júlia Moraes e Cláudio Assis
Co-producion:
Parabólica Brasil
Fotografia:
Walter Carvalho
Direcion de arte:
Renata Pinheiro
Elenco: Mariah Teixeira (Auxiliadora
Fernando Teixeira (Seu Heitor)
Caio Blat (Cícero)
Matheus Nachtergaele (Everardo)
Dira Paes (Bela)
Marcélia Cartaxo (Ceiça)
Hermila Guedes (Dora)
Conceição Camarotti (Dona Margarida)
João Ferreira (Mestre Mário)
Irandhir Santos (Maninho)
China (Cilinho)
Samuel Vieira (Esdras)

En algun lugar de Brasil, en medio de las plantaciones de azucar, una joven vive con su abuelo. Sin recibir de el ningun tipo de afecto, pasa sus dias como una esclava trabajando en la casa. Por la noche es aun peor, su abuelo la desnuda detras de la gasolinera, ante las miradas babeantes de los machos del lugar, que satisfacen su deseo mirando su cuerpo. En un entorno en el que los hombres estan obsesionados por el sexo violento y las mujeres no se creen merecedoras de mucho mas, el futuro se presenta poco alentador para la joven.

El segundo film del director pernanbucano de Brasil, a merecido criticas muy dispares. Filmada en algun lugar remoto del nordeste del Brasil, en un pueblo rodeado de plantaciones de caña de azucar, transcurre una historia donde se denuncia las diferencias sociales, el machismo, la decadencia moral de estos habitantes. Abandonados a la mano de Dios sobreviven como pueden, en un marco decadente y desigual. En lo personal, me parecio un muy buen film, quizas con un guion que no le dio a este film realista demasiada profundidad. Con una camara curiosa, y buena tecnica, Assis va reflejando a este pueblo perdido, inmerso en el desenfreno, la decandencia, y la desigualdad social, donde siempre mandan los poderosos. Creo que merece verse este film, de la nueva cinematografia brasileña, que siempre promete platos fuertes. Recomendable.


Puntos de 1 a 3: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL HOMBRE SOLITARIO de Brian Koppelman y David Levien.- Arnaldo H.Corazza

lunes, 27 de diciembre de 2010 en 9:55





















EL HOMBRE SOLITARIO
de Brian Koppelman y David Levien.

TULO: El Hombre Solitario.

TITULO ORIGINAL: Solitary Man.

GÉNERO: Comedia, Drama.

DIRECCIÓN: Brian Koppelman, David Levien.

GUIÓN: Brian Koppelman.

ACTORES: Michael Douglas (Ben), Susan Sarandon (Nancy), Jesse Eisenberg, Mary-Louise Parker (Jordan), Danny DeVito (Jimmy), Jenna Fischer, Richard Schiff.

PRODUCCION: Paul Schiff, Steven Soderbergh y Heidi Jo Markel.

MÚSICA: Michael Penn.

FOTOGRAFÍA: Alwin H. Kuchler.

MONTAJE: Tricia Cooke.

DISTRIBUIDORA: Distribution Company.

PAÍS: Estados Unidos.

AÑO: 2009.

DURACIÓN: 90 Minutos.

ESTRENO EN ARGENTINA: 26 de Agosto de 2010.


Un ex dueño de una empresa automotriz está pasando tiempos difíciles debido a sus continuas indiscreciones. Comienza a salir con una empresaria llamada Jordan, cuyo padre es influyente en la industria automotriz, tiene una oportunidad para enderezar su vida Pero cuando es encargado de acompañar a la hija de Jordan a Boston, él, siendo un seductor obstinado, arruinará su única oportunidad de lograr éxito en su carrera.

El un melodrama de origen Estadounidense, para perder el tiempo, con un guion de baja calidad, y un resultado final decepcionante. Trata sobre los conflictos existenciales de Ben un empresario de 50 años, cuando conoce que tiene problemas cardicacos. Tras describir sus avances sexuales en cuanta mujer se le presente, se van generando conflictos banales, mal descriptos, y va el camino a su soledad y bancarrota. La verdad es que todo el film es intrascedente, carente de profundidad, y filmado solo artesanalmente sin ningun aporte estetico. Michael Douglas en el papel de Ben, trabaja de Michael Douglas, como siempre, ya que en todos sus papeles pone la misma cara crispada sin componer un personaje. El final para el olvido, aparece su primera mujer - la buena- y le tira una tabla de salvacion. Increible se pueda filmar tamaño bodrio.


Puntos de 1 a 5: 1 punto

ARNALDO H. CORAZZA

EFECTOS PERSONALES de David Hollander - Hernando Harb

domingo, 26 de diciembre de 2010 en 16:20






















EFECTOS PERSONALES
de David Hollander

Título original: Personal Effects Origen: Estados Unidos - Alemania, 2009 Género: Drama Hablada en inglés Dirección y Guión: David Hollander Sobre una historia corta, “Mansion on the Hill”, de Rick Moody Productores: David Hollander – Christian Arnold-Bentel Música: Jóhann Jóhansson Fotografía en colores y blanco/negro: Elliot Davis Montaje: Lori Jane Coleman Intérpretes: Michelle Pfeiffer (Linda) – Ashton Kutcher (Walter) – Kathy Bates (Gloria) – Stephen Hudson (Clay) No estrenada en la Argentina Duración: 110’Productoras: Insight Film Studios –A. Tadora KG Calificación: Para mayores

Una voz en off (masculina) –al final sabremos a quién pertenece, aunque es fácil detectarla- explica que “del pasado es imposible liberarnos. Aunque lo borremos los objetos, las cosas, nos lo recuerdan y hacen revivir”. Es la existencial fuerza de las cosas que no nos libra de la culpa, del sufrimiento de una pérdida, de un error, de un intento de solidaridad a destiempo. En este magnífico filme dirigido y escrito por David Hollander un disco regalado, un manojo de llaves, un amuleto -que el espectador no ve-, un arma (descargada o no), un vestido con olor a naftalina, un traje de hombre que perteneció a una época en que necesitaba de ayuda un ser querido, una copa de vino son los objetos que nos retrotraen el dolor, el sufrimiento de no haber cumplido con un ser querido, la inevitable pérdida de un ser amado. La voz reitera que “todos nos necesitamos”. Los unos y los otros. Todos esperamos que el pasado culposo no haga el milagro de traernos al padre perdido. Todo expuesto con lo que puede definirse con una sola palabra: cadencia. Hollander hace de el ritmo un pausado seguimiento de miradas, de labios que se muerden, de un “no” que debe traducirse como un “sí”, de una injusticia que guarda secretos que nos avergüenzan, de una sonrisa infantil impiadosamente tierna… Los “efectos personales” son las cosas que se imponen y nos alertan para seguir adelante. El frío de una culata en el fondo del bolsillo de un joven, la subasta de las cosas queridas que “no sirven” y “molestan” en el garaje, el beso que se desea pero la vergüena pospone y la falta de valentía expuesta por Linda (una bellísima Michele Pfeiffer en uno de sus mejores trabajos) en voz alta, monologando y sabiéndose escuchada: “Este pueblo de casas grises y cielo oscuro, con sus viviendas con olores a humedad y a otros tiempos, esas esquinas desiertas, todo eso me gusta, porque viven los seres que amo y me necesitan tanto como yo los necesito a ellos”. Laura es una viuda que tiene a cargo a su hijo algo retrasado y sordomudo, con los ojos húmedos por la muerte de su marido, un alcohólico, aficionado a las armas, asesinado por motivos que no interesan rememorar. Trabaja en una Comunidad pueblerina donde se conocen parejas que nunca lo hubieran hecho y se casan bajo los auspicios de la entidad (hay una secuencia del baile de un lisiado y una hindú recién casados que emociona hasta querer consumir el alma del voyeur espectador). Walter es un deportista de lucha libre que al punto de lograr un triunfo en Pensilvania, debe retornar porque su hermana melliza fue asesinada violentamente, se ha iniciado un juicio contra un (presunto) culpable y debe ayudar a vivir a su madre y a su sobrina de cinco años. La interpretación de Ashton Kutcher lo ubica (quien escribe estas líneas está seguro) entre el mejor actor de su generación). Linda y Walter se conocen en un centro de autoayuda de concurrentes que perdieron a sus seres amados en forma violenta. La cadencia de David Hollander -su sello personal- impone la exposición de amor en todas sus variantes. El hijo de Linda (un excepcional Stephen Hudson) transmite con ademanes el amor que siente por el amante de su madre, y en su sordomudez es capaz de hacerse comprender más que los que lo rodean. Walter ya no lamente su fracaso deportivo, sufre por no haber ayudado a su hermana melliza, violada y quemada al borde de un riacho, donde concurre todos los días a recordarla y despedirse persignándose. Además se gana la vida disfrazado una gallina amarilla repartiendo ofertas para comer pizza: “soy una gallina triste” repite. Gloria, madre de la chica asesinada, consume el fracaso materno y se amarra a su nieta, cuyo padre va a casarse para retornar a la vida y abandonar la desmesura del dolor de trajinar como moribundo). Pero la cadencia de Hollander es esperanzadora. Los objetos se imponen con esa fuerza predicada por Simone de Beavoir, pero llama la atención de los “otros”, que están (estamos) para ayudar (nos ayuden) a sobrevivir. Imperdible filme que muchos rechazarán por la frustración de no toparse con una historia romántica. Falso. Otros alegarán demasiada humedad en los ojos de los personajes sin reparar en las sutilezas diseminadas por un guión impecable: Walter (el enamorado) y Clay (el hijo sordomudo) caminan igual: bamboleantes, no son muy lúcidos, pero superan sus carencias complementándose. Hay escenas estupendas donde el montaje (de la ya popular Lori Jane Coleman) acentúa los sobreentendidos: el baile sensual de Linda, los torpes codazos de Walter en una fiesta, la mirada que transmite un solo ojo provocador sobre la sonrisa de Linda, la confesión de Clay de haberse identificado con sus peces detrás de un vidrio que no puede separarlos del todo. Y sobre todo la mirada inquisidora de ese joven, al final, que nos transmite que las cosas tienen una razón de existir: alertar acerca de la angustia de los demás y de la propia para ayudar en la carrera de vivir en un pueblo con casas que huelen a humedad y frustrados deportistas que se disfrazan de “gallinas” para promocionar pollos en las principales calles. Y hasta nos previene de ese “efecto personal” que es un arma, que podemos emplear erróneamente para destruir a un inocente. Imperdible.


Hernando Harb

DETECTIVE DEE de Hark Tsui - Arnaldo H.Corazza

en 15:47





















DETECTIVE DEE
de Hark Tsui

Título: Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame
Título original: Di Renjie
Dirección: Hark Tsui
Producción: Sung Pong Choo
País: China, Hong Kong
Año: 0000
Fecha de estreno: 0000-00-00
Duración: 122 minutos
Género/s: Criminal, Thriller, Acción
Fotografía: Chi Ying Chan
Distribuidora: Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame

Cuando la muerte de varios subditos leales amenazan con retrasar la coronación de la emperatriz Wu Zetian, esta manda llamar al detective Dee, experto en aplicar métodos científicos a sus investigaciones, a la vez que maestro de las artes marciales, para que investigue los hechos, a pesar de que fue ella misma quien le mandó al exilio en el pasado.

Mezcla de pelicula epica, historica y policial no hay dudas que DECETIVE DEE es un film que soprende. Es una gran produccion, con un guion que mezcla lo historico con lo fantastico, que con solvencia lleva al cine Hark Tsui. Si bien es un genero que no me atrae demasiado, debo confesar que quede harto satisfecho con el film. Los efectos especiales son fantasticos, dignos de mencionar y elogiar. Buenas las interpretaciones. El film tiene un gran ritmo, no da descansos, y los combates son alucinantes. Nuevamente el cine Chino nos sorprende, con esta produccion muy recomendable.


Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LA DOLCE VITA de Federico Fellini - Arnaldo H.Corazza

en 7:51












LA DOLCE VITA

de Federico Fellini


Título: La dolce vita

Título original: La dolce vita

Dirección: Federico Fellini

País: Francia, Italia

Año: 1960

Duración: 174 min.

Género: Drama, Fantástico

Reparto: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Magali Noël, Alain Cuny, Annibale Ninchi, Walter Santesso, Valeria Ciangottini, Riccardo Garrone, Ida Galli, Audrey McDonald, Polidor, Alain Dijon, Enzo Cerusico, Giulio Paradisi, Enzo Doria, Enrico Glori, Adriana Moneta, Massimo Busetti, Mino Doro, Giulio Girola, Laura Betti, Nico, Domino, Carlo Musto, Lex Barker, Jacques Sernas, Nadia Gray

Productora: Gray-Film

Departamento artístico: Brunello Rondi, Giorgio Giovannini, Lucia Mirisola, Vito Anzalone

Departamento editorial: Adriana Olasio, Vanda Olasio

Departamento musical: Armando Trovajoli, Franco Ferrara

Dirección: Federico Fellini

Diseño de producción: Piero Gherardi

Fotografía: Otello Martelli

Historia original: Ennio Flaiano, Federico Fellini, Tullio Pinelli

Maquillaje: Otello Fava, Renata Magnanti, Sergio Angeloni

Montaje: Leo Cattozzo

Música: Nino Rota

Producción ejecutiva: Franco Magli

Sonido: Agostino Moretti, Oscar Di Santo

Vestuario: Lucia Mirisola Piero Gherardi

Marcello Rubini es un paparazzo en busca de celebridades, que se mueve con insatisfacción entre las fiestas nocturnas que celebra la burguesía de la época. Un día es informado de que Sylvia, una célebre diva del mundo del cine, llega a Roma. Marcello decide que ésta es su oportunidad de conseguir una gran noticia, y perseguirá a esta bella dama por las fiestas nocturnas de la ciudad.

Ver nuevamente La dolce vita, de Federico Fellini, y comprobar que su magia sigue intacta, me ha dado gran placer. Es un film de los años 60, que marca el distanciamiento de Fellini del neorealismo, y el comienzo de su epoca mas simbolica. Fue premiada como mejor pelicula en el Festival de CANNES, prohibida por el Vaticano, y tambien prohibida en la España de Franco, donde se estreno recien en los años 80. Rubini interpretado por el siempre magnifico Marcello Mastroiani, es el nexo que nos permite ingresar a distintos cuadros donde Fellini hace un retrato despiadado de la Roma de esa epoca, refiriendose a la oligarquia, el ambiente cinematografico, la prensa, y tambien la Iglesia. Todo el retrato es corrosivo. La insatisfaccion, el consumo, las vidas vacias. Hay escenas memorables, que marcaron el film en su epoca. El baño de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi. El falso milagro de ver a la virgen por parte de dos niños fabuladores, me parece un cuadro genial de un Fellini autentico. Las decadentes fiestas de la aristocracia. Filmada con la maestria de Fellini, con su tecnica y capacidad. Que mas decir que ya no se haya dicho. Los actores que parecen elegidos uno a uno en consonancia a su rol. No se puede dejar de verla, y ver la introduccion de todo lo que Fellini nos aportara despues. Imprescindible.


Puntos de 1 a 5: 5 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

SANGRE DEL PACIFICO de Boy Olmi - Hernando Harb

viernes, 24 de diciembre de 2010 en 16:32





















SANGRE DEL PACIFICO
de Boy Olmi

SANGRE DEL PACÍFICO- Argentina, 2009 Género: Drama Hablada en español y en un dialecto peruano Dirección, Guión (original) y Producción: Boy Olmi Producción ejecutiva: Ricardo Freixa Música: Mariano Otero Fotografía en colores: Ricardo DeÁngelis Montaje: Marcela Sáenz Intérpretes: Delfi Galbiati (el escritor y actor) . Ana Celentano (Sara) – Emilia Paino (Charito) – China Zorrilla (Patrona) – Ezequiel Díaz (Juan) Duración: 100’ Estrenada en la Argentina: noviembre de 2009 Calificación: Todo público

En el making of del DVD, se le pregunta a alguien por qué se dedicó a la producción: la respuesta es por diversión. Ojalá algo de esa sensación (aunque más no sea un mero entretenimiento logrado por una prolija lectura del libreto) se hubiera filtrado en esta opera prima del director Boy Olmi, cuyo suntuoso currículum ofrecido en el bonus es de una presuntuosidad que contagia este filme combinador de simbolismos, fantasías, realidades desgraciadas, una clase media soberbia hasta el absurdo en oposición a una clase humilde esforzada, buenísima como el pan recién horneado y conservadora de dignidad. Hay una secuencia en que un señor (es general del ejército) ante el requerimiento de un realizador de cine que le pide el mejor esgrimista porque lo que necesita para realizar lo que considera su postrer filme le responde: “Bueno, sí. Leí el guión. No entendí nada. Pero me gustó”. Y le consigue al esgrimista, un Juan inocente que viste día y noche de granadero y escucha de labios de su primer amor frases como ésta: “No sé qué piensan los pájaros. Sé como comen. Me gustarían saber qué piensan”. Esto se lo dice cuando el enamorado con actitudes de adolescente le cuenta que tiene un zorzal en la casa de su abuela al que bautizó Zorzal, sin hacer gala de mucho ingenio. Acto seguido le dice a la muchacha, una doméstica en su día libre: “Bésame”. Y se dan un ósculo (in)digno de un adolescente que apenas ve la tele de los domingos. Frases y escenas como ésta abundan con intención algo críptica, y uno espera que la película haya entendido por los asistentes al Festival de Chipre donde se exhibió. Hay escenas insólitas (en la fachada de la Casa de Gobierno, un granadero sufre un desmayo estando de guardia -en San Luis, donde se rodó esta película la canícula debió ser tal que hasta los actores pedían un ventilador-) sin explicación en el guión-. Ejemplos abundan. Falta que aparezca un caballo azabache de San Martín en el patio campero con algún sentido que Olmi podría conocer. Eso sí. Abunda el agua: pileta de natación refrescante, el río, muchas canillas abiertas, baldazos higiénicos en veredas y patios, una jarra llena de agua para limpiar una camisa manchada de sangre. Se supone que la finalidad es simbólica. En cierto modo tal vez lo sea, al igual que los soldados de la Independencia que aparecen en la imaginación del protagonista que quiere filmar una historia del nacimiento de la patria. Pero el resultado ofrecido es: mucha ambición, pocos resultados a la vista. La hija de este hombre -ex actor famoso y director de cine-es Sara, una antropóloga que hace encuesta de mujeres que trabajan de empleadas domésticas: recoge testimonios, tantos que hacen sospechar que Olmi hace una documental acerca de las mucamas que vienen del interior o del Perú (como Charito, protagonista lacónica de esta rebuscadísima historia). Pero no. Nada que ver. Uno se entera que el intelectual barbudo papá de Sara se siente impresionado por Charito sirviendo la mesa en una hermosa casa colonial de una amiga, quien le informa el año de la construcción: antes de 1810. ( La verdad es que está reciclada a la perfección). La impresión de guionista-mucama deviene de una vieja relación que el hombre tuvo cerca del Titicaca con una doméstica llamada Blanca, con la que pasó los momentos más hermosos de su vida. En sus delirios cree que Charito puede ser hija. Todo este pastiche se puede resumir en unas palabras del planificador que prepara su última creación para el depreciado cine argentino: “Me gusta comer mucho budín de pan”. Entonces uno piensa que los ingredientes de su plato preferido hubieran sido de similar simplicidad al pastiche de esta “Sangre…” que no llega al río y que se parece a una mezcla de ceviche (plato peruano elogiado en el desarrollo de este traspié), ensalada de frutas y asado, en cualquier orden. La crítica social fue una presunción (in)grata. Salvo la bellísima fotografía de Ricardo DeÁngelis, los cien minutos de duración se duplican ante la paciencia que posee el espectador ral escuchar diálogos sentenciosos pronunciados por por turno. Olmi no es Ermanno (gran director italiano) ni mucho menos Federico. Hacía falta de un poco de humildad. De haber sido así al espectador le interesaría saber con quién se comunica Sara todas las veces que llama por celular a la “Embajada”. Ya no importa. El interés es casi nulo. Y uno experimenta sed al término de esta proyección dedicada a un gobernador de San Luis que apadrina –en buena (o mala) hora-al cine local, a Chunchuna Villafañe, a Humberto Costantini (h), y hasta a Geraldine Chaplin entre una cincuentena de personas de distinguido apellido y de los otros a los que al final se agradece con esmero.


Hernando Harb

LA MIRADA INVISIBLE de Diego Lerman - Arnaldo H.Corazza

en 16:04





















LA MIRADA INVISIBLE
de Diego Lerman

FICHA TECNICA

TITULO: La Mirada Invisible.
TITULO ORIGINAL: La Mirada Invisible.
GÉNERO: Drama.
DIRECCIÓN: Diego Lerman.
GUIÓN: Diego Lerman & María Meira, sobre la novela “Ciencias morales”, de Martín Kohan. ACTORES: Julieta Zylberberg, Omar Núñez.
PRODUCCION: Nicolás Avruj, Diego Lerman. MÚSICA: José Villalobos.
FOTOGRAFÍA: Álvaro Gutiérrez.
MONTAJE: Alberto Ponce.
DISTRIBUIDORA: Distribution Company.
PAÍS: Argentina.
AÑO: 2010.
DURACIÓN: 95 Minutos.
ESTRENO EN ARGENTINA: 19 de Agosto de 2010.

Persiguiendo un vago, quizá inexistente olor a cigarrillo, María Teresa, preceptora del Colegio Nacional Buenos Aires, comienza a esconderse en los baños de los varones para sorprender a los que fuman y llevarlos ante la autoridad. Poco a poco hace de ello un hábito oscuramente excitante. No es de la violación de las reglas sino de su aplicación a ultranza de donde surgirán la torsión y el desvío, de la rigurosa vigilancia de una completa rectitud, de la custodia inflexible de una normalidad total y atroz.

El film es la versión cinematográfica de Ciencias morales, novela de Martín Kohan, publicada por Anagrama en 2007 y ganadora del premio Herralde. Narra en primer lugar la historia de Maria Teresa, joven de 23 años, de clase baja, que trabaja como preceptora del Colegio Nacional Buenos Aires. Reprimida, sin conocimiento alguno de la realidad que vive el pais, en epocas del gobierno de Galtieri, y en el ocaso de la dictadura militar argentina. Lerman refleja el Colegio Nacional de Buenos Aires de esa epóca,autoritario, represivo, con el mensaje del orden y la autoridad que emanaba de la conduccion del pais. El señor Biasutto, jefe de preceptores, con personalidad autoritaria y con el mensaje de ese proceso, de a poco intenta a invadir de Maria Teresa, que concurre as los baños de varones para investigar si fuman los alumnos alli -esa es la escusa-. La pelicula esta muy bien filmada, con una camara obsesiva que captura cada detalle. Las actuaciones de Julieta Zylberberg y Omar Núñez son estependas logrando cabalmente expresar la psicologia de sus personajes. Debo confesar que al fin un film argentino, el de Lerman, me sorprendio muy gratamente. El final, nada convencional, me parecio fuera de contexto, la hubiera terminado antes. Pero no empaña la calidad del film. Recomendable.


Puntos de 1 a 5; 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL FORASTERO de Rupert Glasson - Hernando Harb

jueves, 23 de diciembre de 2010 en 21:09




















EL FORASTERO
de Rupert Glasson

Título original: “Coffin Rock”, 2009 Origen: Australia – Reino Unido, 2009 Género: Hablada en inglés Género: Drama, Suspenso Dirección y Guionista original: Rupert Glasson Producción: David Lightfoot Música: John Gray Montaje: Adrian Rostirollh Productoras: Ultra Films (Australia) – All Interactivo Enterteinment) Intérpretes: Robert Taylor (Bob) – Lisa Chappell) (Jess) – Sam Parsonson (Evan) – Terry Comilleri (George) – Joseph Del Re (Benny) Estreno mundial: 4 de setiembre de 2009 en Reino Unido No estrenada en la Argentina Duración: 92’ Duración original: 94’ Calificación: Sólo para mayores de 16 años

Es una sutil explicación del llamado instinto ma/paternal y sus consecuencias -desarrollada en un pueblo pesquero australiano- dirigida por el eficiente Ruper Glasson en su tercera película guionada por él como en las anteriores. Una combinación de mucha violencia y angustia psicológica se cierne desde el principio, con la presencia de un niño (rubio) recorriendo un parque ante los ojos de una cámara oculta, la misma que lo fotografiará al final transmitiendo esa mirada de tristeza de los chicos desamparados. Jess y Bob son un matrimonio que (al parecer) no pueden tener hijos. Varios intentos médicos insinúan que el infértil es él. El deseo de ser madre de Jess se manifiesta insistiendo descontrolada sobre su esposo, quien experimenta una sensación de fracaso como hombre, remarcada por la burla de sus compañeros de la fábrica de pescados del poblado (hay un comienzo con un sutil fracaso como pescador que representa su sentimiento de fracaso machista). El clima fotográfico transmite una desesperante gama de claros y de oscuros con insinuantes golpes de tambor y solos de violín que hacen inútiles los diálogos insinuados y monosilábicos. El fracaso del amor es inminente, el deseo reclama ciertas exigencias de la naturaleza que el hombre se ha impuesto. Concurren a una revisión de esperma en una clínica. Allí los observa el telefonista del sanatorio, el joven Evan, quien siente una pasión obsesiva por Jess: anota su domicilio y datos personales como un enfermizo al que le presta su rostro el excelente debutante Sam Personson (actor seleccionado en un casting exigente que los bonus detallan). La pareja regresa al pueblo, el resultado llega, pero -discusión mediante- Bob tira la carta al aire que se “pierde” en un rincón del dormitorio, sin conocer los resultados. La procreación desatiende postergaciones. El “forastero” es Evans, quien arriba al pueblo para concretar su deseo de posesión amorosa. Es un enfermo, cuya psicología es trazada en pantallazos que exigen atención del espectador más disciplinado: no sólo es parricida, es un homosexual no consciente de su condición, casi “amamante” a un cangurito al que matará para usarlo en una secuencia salvaje e inspirar miedo a Jess, sus ojos y labios son cuchillazos en su rostro, sus ademanes y presencias silenciosas se parecen al de un animal joven presto a apoderarse de lo que cree le pertenece. Excelente película de cine independiente, reveladora de prejuicios viriles enmarcados en una población primitiva. Hay secuencias que traducen los deseos de los personajes: Jess observando las larvas en una botella, el avestruz asesinado, el pescado usado como un genital masculino desafiando burlas. Todo en los ropajes manchados de sangre provocados por un Evan que una noche de juerga posee sobre una mesa de cocina a una borracha Evans, quien se cree embarazada del joven visitante que no cesa en su acoso. Es más, Evans exige su derecho a la paternidad. Es su obsesión, su confirmación como hombre que lo redime hasta de haber matado a un padre lisiado. El planteo no deja de mortificar. La ma/paternidad ¿es una necesidad física o espiritual de los seres humanos? ¿Tiene su explicación en el cauto análisis con lupa que Bess hace de los genitales de un pulpo para detectar un enigma sin respuesta inmediata) Pero la carta de la clínica está debajo de la alcoba. Y sólo se conocerá su contenido cuando los más de noventa minutos que dura el filme lleguen a un final intuido y la violencia envuelva al inocente Benny y encubra el paternal George, jefe de la taberna. Cine independiente puro. Un director para seguirlo con detenimiento. Y un interrogante planteado -con astucia cinematográfica diseminada impiadosamente- que pudo haberse descubierto y evitar tanta violencia, con una carta abierta y una lectura a tiempo. Como nos suele ocurrir en esta mezcla de azar, dolor ye impulsos que conforman la vida nuestra de cada día.


Hernando Harb

LES BEAUX GOSSES de Riad Satouff . Arnaldo H.Corazza

en 18:17





















LES BEAUX GOSSES
de Riad Satouff


Ficha técnica:

Dirección: Riad Satouff.
Guión: Riad Sattouf, Marc Syrigas, Jean-Jacques Albert.
Fotografía: Dominique Colin.
Música: Laurent Benaïm.
Productora: Les Films des Tournelles / Pathé / Studio 37.
Reparto:Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Emmanuelle Devos, Valeria Golino, Irène Jacob, Noémie Lvovsky, Marjane Satrapi, Léopold Simalty, Christophe Vandevelde .

Hervé, de 14 años, es un adolescente dominado por sus pulsiones, de apariencia ingrata y no muy listo que vive con su madre. En el colegio, gracias a que tiene buenos amigos, se las arregla bastante bien. Pero su verdadera obsesión es salir con una chica y, en ese campo, sólo cosecha calabazas. Pero no se desanima… Un buen día , sin saber muy bien por qué, se encuentra con que le gusta a Aurora, una de las chicas más guapas de toda la clase.

Este film fue un verdadero suceso en Francia con gran exito de taquilla. Es un film inteligente, que cuenta la historia de un adolescente, con todas sus vivencias en la escuela, el despertar sexual, las relaciones familiares.La actuacion de Vicent Lacoste, el personale principal de Herve, es buena, muy buena. El film tiene muchos momentos de humor, del mejor humor, El guion es simple, una historia simple, pero muy bien relatada en terminos cinematograficos. O sea muy buen filmada. Termina resultando un producto prolijo, que sin ser un gran film, resulta atractivo, entretenido, y como dije antes con un humor inteligente. Recomendable.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LIFE IN FLIGHT de Tracey Hecht . Arnaldo H.Corazza

en 13:54





















LIFE IN FLIGHT
de Tracey Hecht


Life in Flight (2008)
Año: 2008
Pais: USA
Director: Tracey Hecht
Reparto: Fred Weller, Patrick Wilson, Stephanie Szostak, Amy Smart, Jennifer Smolos, Kari Swenson Riely
Genero: Drama, Comedia

Un arquitecto que lo tiene todo; una bella esposa una hija querida y un puesto en la sociedad que va cada vez mas en ascenso. Y sin embargo cuando por casualidad conoce a una diseñadora toda su vida tan tranquila y empinadamente construida se desmorona.
¿Se puede dejar todo para empezar de nuevo? Éste sera el desafio de nuestro protagonista ¿Tendra la valentia para hacerlo?

Una historia simple, muy reiterada, de la crisis existencial de un arquitecto, que abandona el proyecto de su vida, y se enamora de una diseñadora. Obviamente final feliz. Este film no da para mas de un unitario de television producido por Tinelli. Nada mas que para eso. Las actuaciones estan a tono con el film. Realmente no aportada nada original. Filmada artesanalmente sin sobresaltos, un guion probrisimo, actuaciones solo correctas, en fin mas vale olvidarlo.


Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

ENGELEN de Margreth Olin - Arnaldo H.Corazza

miércoles, 22 de diciembre de 2010 en 21:02




















ENGELEN
de Margreth Olin

Titulo: Engelen (Angel)
Año: 2009
Pais: Noruega
Director: Margreth Olin
Fotografia: Kim Hiorthøy
Actores:Lenda Endre, Maria Bonevie, Borie Alhstedt
Coproduccioin: Noruega, Suecia, Finlandia

Lea crece en un hogar donde no se siente protegida. Cuando muere su padre y su madre vuelve con una ex-pareja, Ole, los días de alegría e interés por el esfera de la pequeña Lea quedan en el olvido. La ardua relación de la pareja afecta de lleno a la niña, que se da a la bebida para alejarse de los problemas familiares. Más tarde, queda embarazada y da a vela una niña, Sonja, que la motiva a degradar atrás a su familia y iniciar de cero. Quiere ocuparse de su hija, protegerla como ella querría haberlo estado, pero presuroso se da comisión de que no puede y toma una decisión impenable .

Fue candidata por Noruega a la mejor pelicula extranjera de habla no inglesa de los Oscar 2010. Es la historia de Lea criada en un hogar con violencia domestica, y su decadencia por su adiccion a la heroina. El guion no tiene demasiada originalidad, y si bien esta bien relatado cinematograficamente, el resultado final no es demasiado convicente. No es un mal producto, pero por cierto no deslumbra, nada mas se puede ver. El relato es frio, y rara vez pese a lo terrible de la historia de Lea, se acerca a la emocion. Las actuaciones son solo correctas.
Finalmente cabe afirmar, que aporta muy poco a la cinematografia.


Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

MOSS de Kang Woo-Suk - Arnaldo H.Corazza

martes, 21 de diciembre de 2010 en 18:17




















MOSS
de Kang Woo-Suk

Moss (2010)
Año: 2010
Pais: Corea del Sur
Director: Kang Woo-Suk
Reparto: Jeong Jae-yeong , Park Hae-il, Yoo Joon-sang
Genero: Thriller, Suspense

Sinopsis: Hae-Kuk Ryu entra en un pueblo solitario pais para asistir al funeral de su padre. Durante su estancia se investiga la muerte de su padre y descubre lo que parece ser una conspiracion. ¿Por que los aldeanos actuar de manera extraña? ¿Por que siguen pidiendo a el cuando regresara a Seul? Entonces el hombre se enfrenta a la aldea lider Yong-Cheon Deok. Los secretos de la aldea y comienza a desmoronarse

Este film surcoreano fue uno de los mas taquilleros en ese pais, y acaparo la tencion del publico. La pelicula es un intrincado Thriller, de casi 3 horas de duracion, y que pese a ello acapara nuestra atencion. Esta muy bien filmado, con una estupenda fotografia, y buenas actuaciones. El guion, aunque como hemos dicho intrincado, seduce, es interesante, y con un final complejo pero original. Sin deslumbrar, que parecio un excelente film de este genero, que resultara interesante a quienes lo vean. Los secretos de la aldea a la que el protagonista visita para el funeral de su padre, se van develando muy lentamente, y precipitandose hacia el final, como corresponde a un buen film de este genero. Recomendable.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

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