El film comienza con la presentacion de un libro "Copia certificada" donde el autor escribe sobre las copias en el mundo del arte. Alli concurre una mujer que pretende tener un affaire con el escritor, ademas madre divorciada de un hijo. El Director iraní en su experiencia europea comienza a mostrar los conflictos de esta madre con su hijo, y su encuentro con el escritor en un paseo por la Toscana. En un restaurante, una mujer mayor que lo atiende, comienza a confundirlos con un matrimonio. Alli ambos personajes comienzan a comportarse como un matrimonio en crisis, y aparcen los dialogos mas jugosos del film. Nunca su director nos develara cual es la copia o cual es el originar de estas escenas. Toda la cuestion estética del film es resuelta en forma sublime, y si por momentos parece -solo parece- aburrida, en cada escena Kiarostami nos hace recuperarnos con su magia en el manejo de la cámara y la estética. La actuacion de Juliette Binoche es fantastica, sublime, un ejericio de maestria de una gran actriz. William Shimell tiene un desempeño correcto, en un papel sumamente complejo. El film solo tiene dos personajes, y apenas la aparicion del hijo de la Galerista de Arte.
Muy recomendable, es un excelente film.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVOS

Título original: Nigth of the Living Dead

Origen: Estados Unidos, 1968

Género: Horror

Hablada en inglés

Dirección: George A. Romero

Guionistas originales: John A. Russo – George A. Romero

Producción: Karl Hardman – William Hindzman

Música original: Valdimir Licina

Montaje: Brian Huckeba – John Russo (sin figurar en los créditos)

Dirección de stunts: Jacqueline Streiner

Int{erpretes: Duane Jones (Ben) – Judith O’ Dea (Barbra) –

Kart Hardman (Harry) - Marilyn Eastman (Helen) – Keneth Wayne (Tom) – Charles Craig (Zombie)

Duración original del dvd masterizado: 96’

Duración del estreno en la Argentina: 84’

Duración de la copia exhibida en cable: 84’

Calificación: Apta para mayores de 16 años

Es el último (tal vez) eslabón de la tetralogía iniciada por el ícono del cine de terror/horror George A. Romero (sin incluir una quinta versión realizada por su habitual maquillador que pasó inadvertida y se la considera un sentido homenaje a su obra aunque contó con la supervisión del maestro.

Ésta es una edición estupenda del sello SBP (argentino), la que debe considerarse un lujo para el coleccionista (no sólo para el adicto a los filmes de terror y sus cercanías tan manipuladas hace ya una década).

Se trata del filme que Romero filmó con una finalidad que terminó bifurcándose por la tares grata de ciertos críticos de cine: no sólo intentó crear un temor existente entre los norteamericanos por el creciente aumento del comunismo en el mundo. Estos “muertos vivos” adquieren con el tiempo un significado mucho más enriquecedor: son la gama de las venganzas que los muertos han decidido tomarse contra los vivos por motivos tan disímiles como existen en la humanidad: el racismo, la explotación sureña, el machismo exacerbado, la postergación injustificada y los mil arietes que muestran la enajenación oscura del inconsciente.

Romero inicia su relato en un cementerio, con dos hermanos y un funeral. La reunión se complicará con la aparición de ese zombie que cada uno espera.

Los lugares comunes son mencionadamente abrumadores: las cruces, la capilla, el Dios no mencionado, la crueldad previsibledel sufrido negro explotado… El más allá de los zombies posee reglas que los humanos deberían tomar en cuenta y que el tándem Romero-Russo las ordena para dispararlas con satírica agresividad a un público culposo.

Esta “noche” orgiástica de muertos vivientes en un placer estético para el espectador y una invitación llena de burlas, guiños y chistes que se suceden como una cohetería plena de diversión aunque la sangre parezca salpicar sin ensuciar y la reflexión amonestar conciencias,

George A. Romero es uno de los padres del cine independiente dedicado al terror subliminal (tal mal interpretado por tanto cine nipón y los sucesores de un subgénero invasivo hasta la saciedad). Ésta es una prueba significativa.

Con una producción mínima (menos de cien mil dólares) este filme ha quedado como clásico del cine de culto, al punto de ser incluido en el Nacional Registry en 1999 (*). Merecido premio, sin duda.

Con un fondo blanco enteramente al comienzo la pantalla va jugando con el uso del color hasta copar el rojo de la sangre y la penumbra negruzca del miedo a la proximidad de la noche que hace todo invisible.

La actuación es lo de menos. Romero emplea a actores secundarios que puedan funcionar como marionetas confundidas por el acoso de stunts convertidos en zombies por obra y magia de un cine que las cinematecas del mundo protegerán, al margen de que seamos aficionados al horror en el cine. Ésta es una clase de miedo que se sugiere para tenerla bien en cuenta. La injusticia también es algo vinculado a e los llamados espíritus. Convocados por el Dios y su hijo, el demonio de la conciencia.

(*) George A. Romero es un neoyorquino nacido en 1940. Fue el creador de una obra maestra inadvertida como fue “Martín” (1977), la descripción de un joven asesino de rostro criminal que asolaba con su encanto a las mujeres de una localidad ahogada en frustración y soledad. O de un conjunto de títulos en cooperación con el escritor Stephen King y el notable Dario Argento

(“Creepshow”, 1983 y “Two Evil Eyes”, 1993).

“La noche de los muertos vivos” fue el comienzo de una tetralogía admirable, que debe atenderse con mayor atención, ya sea por su significado múltiple como su construcción notable, en especial considerando la inversión mínima que insumió el rodaje.

Hernando Harb

(***)

Datos curiosos de la filmación

(Tomados del fascículo del sello editor SPB S.A.)

Para hacer la sangre se utilizó jarabe de chocolate.

(*)

Cuando los zombies comen cadáveres en el camión destruido, lo que mastican los actores es jamón cocido cubierto con salsa de chocolate. Algunos estaban tan asqueados que no necesitaban maquillaje para parecer pálidos y enfermizos.

(*)

Uno de los títulos posibles que los productores pensaron para el filme fue “La noche de Anubis”. Esto es en referencia al antiguo dios egipcio de los muertos.

(*)

En la escena en que Ben clava placas de madera en las puertas, se notan números en esas placas, esto se debe a que las habían marcado antes de sacarlas y volverlas a poner sin perder la continuidad. Lo que no tuvieron en cuenta es que tenían que ponerlas al revés para que no se noten los números.

(*)

El gran Tom Savini había sido contratado originalmente por Romero para hacer los efectos especiales y de maquillaje. Los dos se conocieron cuando Savini audicionó para una película del director que nunca se llevó a cabo. Sin embargo, Tom no pudo participar en el filme ya que fue enrolado por ejército de los Estados Unidos para ser fotógrafo en la guerra de Vietnam.

(*)

Ésta fue la primera película de horror protagonizada por un afroamericano.

(*)

El comentario social que muchos vieron en el filme (el héroe afroamericano asesinado por una joven blanca) no fue intencional. Según los productores Duane Jones era el mejor actor para el papel sin importar el color de su piel.

(*)

Hill Carrillo, quien interpret{o al reportero televisivo, era en verdad una celebridad en el canal local de Pittsburg conocido como “Chilly Billy”. Originalmente era presentador de un show de películas de terror, pero ocasionalmente la emisora lo empleaba de reportero.

(*)

William Hinzman y Karl Hardman, dos de los productores originales que aportaron 300 dólares (sí, trescientos dólares) tuvieron un pequeño rol en el filme. Otro de los productores fue un carnicero local quien aportó sangre y vísceras de vacas.

(*) El actor y coproductor Karl Hardman también participó como maquillador, ingeniero de sonido eléctrico y fotógrafo.

(*)

Los extras que actuaron de zombies cobraron cien dólares y una remera que decía: “Yo fue zombie en “La noche de los muertos vivos”.

(*)

Durante la preproducción el título del filme era simplemente “Una película de monstruos”.

TITULO ORIGINAL: El último aplauso
ACTORES: Cristina de los Ángeles, Abel Frías, Julio César Fernán, Horacio Acosta, Inés Arce. GENERO: Documental.
DIRECCION: Germán Kral.
ORIGEN: Alemania, Argentina, Japón.
DURACION: 90 Minutos CALIFICACION:
Apta todo público
ESTRENO EN BUENOS AIRES: 03 de Diciembre de 2009

El Último Aplauso cuenta la emotiva historia de un grupo de veteranos tangueros que solían cantar en el famoso Bar El Chino, en Pompeya. Unas pocas semanas después de la misteriosa muerte del dueño, El Chino, en el 2001, ese lugar, que había sido una isla de alegría, yacía en ruinas. El Último Aplauso acompaña la vida de esos cantantes de tango desde 1999 hasta hoy, mostrando su lucha para sobrevivir durante una de las épocas de mayor crisis de la historia argentina y su desesperado sueño de volver a cantar y recibir así, quizá por última vez en sus vidas, el caluroso aplauso del público.

El film es excelente, y no es un film de exportación. Mezcla de documental y ficcion, rescata toda la pasion tanguera. A la muerte del Chino en el año 2001, dueño del famoso BAR EL CHINO de Pompeya, el director tenia muchas imagenes tomadas para un film que historiaba ese reducto tanguero. Ignotos cantores brindaban su arte en ese Bar, un lugar de tango de Buenos Aires, que a la muerte del chino seguio funcionando sin pena ni gloria, hasta que hace pocos años cerro sus puertas, por la muerte de la compañera del Chino. Esas imagenes fueron volcadas por Kral en este film, en un claro homenaje al Chino y su reducto tanguero. Aborda luego la vida de Cristina de los Angeles, Abel Frias, Julio Cesar Fernan, Horacio Acosta e Ines Arce, veteranos cantores que cantaban en el Bar, y que a la muerte del Chino abandonaron el lugar. Estos personajes, juntamente con la Orquesta Tipica Imperial, formada con jovenes musicos, daran un ultimo espectaculo en el Bar del Chino. Para los tangueros lloraran de emocion, y para los que no lo son tanto, conoceran un reducto tanguero marginal de Buenos Aires, que fue famoso en su epoca. Al fin y al cabo el Tango nacio marginal. Ademas buena musica de tango, buena orquesta, y buenas veteranas voces que lo dejaran muy satisfecho.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LA HABITACIÓN DEL NIÑO

de Alex de la Iglesia

Título original: ídem

Origen: España, 2006

Género: Drama psicológico/ Horror

Hablada en español

Director: Alex de la Iglesia

Guión original: Alex de la Iglesia

Productor Julio Fernández

Director de fotografía en colores: José Luis Moreno

Música: Roque Baños

Montaje: Alejandro Lázaro Efectos especiales: Juan Ramón Molina

Intérpretes: Javier Gutiérrez (Juan) – Leonor Waiting (Sonia) – Sancho Gracia (Domingo) – María Asquerino (Anciana) – Manuel Tallafé (García) – Terele Pávez (Mujer de Domingo)

Duración originas: 65’

No estrenada en la Argentina

Calificación del dvd: Apta para mayores de 16 años

Los hombres podemos convertirnos en enemigos conscientes o inconscientes de los niños. Es una perogrullada que conviene recordar. Y es lo que hace ese magnífico realizador que es Alex de la Iglesia. Pero va más allá: los padres, con nuestros temores engendrados en nuestro interior desplazamos en nuestros futuros hijos una epidemia de temores, atavismos y dolencias espirituales de las que se nos hace liberarnos.

Tal el mensaje de “La habitación del niño”, una aparente críptica situación presentada con un envoltorio de horror.

Como la Rosemary de Roman Polanski, el matrimonio de Sonia y Juan perciben que el embarazo de la mujer (su primer hijo) les provocará los miedos que el inconsciente aloja en esa cocina sucia y que hay que saber ordenar llamada inconsciente.

El pretexto argumental es la percepción de “otro” hijo habitando en la casa que han estrenado para festejar la llegada del recién nacido. La “otredad” es el peligro. Lo desconocido que asoma imperceptible vante los clásicos temores: el hijo que puede ser de otro, el niño que nos los pueden haber cambiado en algún secreto tránsito del sanatorio, el niño no querido y transformado en otro, la negación a ser padre, la invasión de un pequeño que nos transformará nuestras vidas, el miedo a no saber manejar la vida de esa prolongación nuestra, el espanto que nos provoca que haya heredado los defectos, secretos y miserias de los padres…

El infernal desvelo de la pater/maternidad es desplegado por Alex de la Iglesia con la sorna de “Crimen ferpecto” (no perfecto, de 2004) o con el negocio de los fetos en el carromato de la desproporcionada pero deliberadamente shockeante “Perdita Durango” (1997). No está lejana la presencia del nacimiento de lo diabólico en oposición a la navideña llegada del verdadero Mesías de “El día de la Bestia” (1995).

Están presentes las complejidades de la pareja ante un hecho trascendental, modificatorio de sus vidas: el hijo. No hay piedad en De la Iglesia en esta película excelente no estrenada en nuestro medio local e ignorada en la filmografía que se esparce en distintos medios locales.

El disfraz es lo inaudito. El desenlace es el pánico transfigurado. No hay una solución aparente en este trillado pasaje de la vida de los humanos.

Sólo puede develarlo el cocinero que alimenta nuestro imaginario y al que alimentamos cada día más con solícita desatención.

Cuidado, nos dice De la Iglesia, detrás del amor al niño de “nuestra sangre” pueden guarecerse hereditarios pavores que sólo los calma el daño que (nos) provocamos, sin reparar ni en los visores repartidos en las habitaciones supuestamente protectoras. Ni en las aparentes palabras de amor que dispensamos al “recien dado a luz”. La oscuridad de la “otredad” está escondida en algún dormitorio. En la mismísima habitación del niño tan (in)deseado.

Imperdible filme.

Hernando Harb

TITULO ORIGINAL Tai Hang Shan Shang
AÑO 2005
IDIOMA Mandarín
SUBTITULOS español
PAÍS China
DIRECTOR Wei Lian
REPARTO Wang Wufu, Xu Guangming, Shunsaku Kudo, Leung Ka-Fai

Durante la guerra contra el Japón, China estaba en un momento crítico en la invasión de Japón. . El comandante en Jefe Zhu De dirigido por la principal de la VIII Ejército para cruzar río Huanghe al frente de batalla para enfrentar con el ejército japonés con valentía. Ellos establecieron áreas revolucionaria base en Tai Hang Shan y comenzado su enfrentamiento con el ejército japonés. . Con un apoyo limitado de Kuomintang, el VIII Ejército aún así ganó once campañas importantes. Por ejemplo, la Guerra Pingxingguan, ataque por sorpresa en el aeropuerto de Yangmingbao del ejército japonés durante la noche, y el asesinato de la "Flor del Campo de protección", Abuguixiu traído gloria al pueblo chino y también futuro espléndido a China.

Es un film chino que data del año 2005. Es un muy film de guerra e historico del enfrentamiento entre China y Japon. No soy un experto en films de guerra, aunque sin ninguna duda este es un film imprescindible en este genero. Muy buenas las escenas de los combates, con mucho realismo, y asimismo los efectos que tiene el film que son impresionantes. Deja traslucir, aunque no profundiza demasiado, en enfrentamiento entre Chiang Kai-shek y Mao, y las distintas estrategias frente a la guerra con Japon.Chiang Kai-shek o Jiang Jieshi (*Xikou, 31 de octubre de 1887 - †Taipéi, 5 de abril de 1975), militar y estadista chino. Sucedió a Sun Yat-sen como líder del Partido Nacionalista Chino Kuomintang, y fue el líder máximo, bajo diversos cargos, de la República de China establecida en Nankín en 1927. Tras la derrota de los nacionalistas frente a los comunistas en 1949, se refugió con su gobierno en la isla de Taiwán.
Las actuaciones son excelentes, asi como el director desarrolló este film de accion.
Creo que debe verse.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

Titulo: Mercy
Pais: EE.UU.
Año: 2009
Guion: Scott Caan
Director: Patrick Hoelck
Reparto: Socott Caan, Wendy Glenn, James Caan.

Mercy presenta a Johnny Ryan (Caan), un célebre escritor de novelas románticas que, contrariamente a su profesión, nunca ha creído en el amor. En la fiesta de presentación de su nuevo libro, las convicciones de Johhny se vienen abajo cuando conoce a Mercy (Wendy Glenn), una importante crítica literaria que parece ser la única en no gustarle sus libros.

El film no tiene consistencia. Un guion hueco, sin demasiada profundidad para relatar la historia de un escritor de historias de amor, que no cree en el amor. Finalmente como era previsible le llega el amor a traves del personaje que interpreta Wendy Glenn con solvencia. Tambien revela oficio James Caan, nada mas que eso oficio, en el papel del padre del escritor. No me agrado el trabajo sin matices de Scott Caan, hijo del actor James Caan y autor del guión. El film transita el relato sin pena ni gloria, donde nada trascendente ocurre, y abordando a un final obvio. Poco recomendable.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

LOS HIJOS DE LOS CONDENADOS

de Anton Leader

Título original: “Children of the Damned”

Título del filme en DVD: Los hijos de los condenados

Origen: Reino Unido, 1964

Género: Horror

Hablada en inglés y ruso

Dirección: Anton Leader

Guión: John Bridley

Versión libre de una novela de John Wymdham

Producción: Ben Arbeid

Música original: Rod Goodwin

Fotografía en blanco y negro: David Boulton

Montaje: Ernest Walter

Intérpretes: Ian Hendry (Tom Llewellyn) – Alan Badel (Dr. David Neville) – Barbara Ferris (Susan Eliot) – Alfred Burke (Colin Webstein) – Clive Powell (Paul)

Duración: 90 minutos

En “El pueblo de los malditos” (The Village of the Damned”, 1960.dirigida por Wolf Rilla) un día todos los pobladores de la comunidad rural londinense de Midwich se desmayaron unas horas. La consecuencia del fenómeno fue insólito: todas las mujeres aptas para concebir quedaron embarazadas.Dieron a luz a unos seres rubios, de ojos luminosos, telépatas y telekinéticos.

Esa muy buena película tuvo una una segunda parte inspirada muy libremente en los personajes de la novela de JohnWyndham, que en la Argentina se estrenó como “Los hijos de los malditos” dirigida por el inepto Anton Leader y que se lanza en versión pasterizada en una interesante colección de ciencia-ficción con el título de “Los hijos de los condenados”.

El relato es en pleno Londres. Un psicólogo y un médico genetista se enteran de la existencia de Paul, un niño con las mismas características del filme de Rilla. La madre cuando lo dio a luz era virgen, según declara en estado de beodez. Y no miente. El monstruito queda a cargo de una rubia linda llamada Susan, quien es seguida por los profesionales inquisidores de conocer la verdad. Pero el chico está más interesado en ponerse en contacto con otros cinco infantes de su edad y con sus mismos poderes. El objetivo: dar a conocer un mensaje de paz a la humanidad.

Por supuesto la UNESCO está detrás de esto. Lo peculiar del caso es que cada chico pertenece a un país distinto: un chino, un hindú… En fin que la película parece patrocinada por la organización mencionada. En una de ésas..

La película es apenas correcta. A años luz de su antecedente. Tiene parrafadas interminables explicando adelantos físicos y posibilidades que la ciencia ofrece pero provocadoras del adormecimiento del público, a quien le resultará más fácil pasar por alto los pomposos diálogos salvo que se trate de un estudioso en ciencias más o menos exactas.

El final es pacifista. Los malditos sería parte de la humanidad incapaz de escuchar los mensajes armónicos que llegan de otras latitudes.

No conviene contar el final, pero sí mencionar que hasta hay una resurrección inútil a cargo de un chico de la patria de Gandhi.

Ha una versión dirigida por John Carpenter en 1995 realmente formidable. Y se anuncia otra a cargo del voluble pero interesante Sam Reimi para el año que viene si los productores ponen el dinero y la confianza suficientes.

Para aso del filme de 1964 conviene verla si se tiene alguna curiosidad por conocer esta versión. De lo contrario ni acercarse al dvd, se pierde un tiempo ideal para ver otro título.

Hernando Harb