MURIÓ UN PEQUEÑO HÁBIL ARTESANO ARTHUR PENN - Hernando Harb

jueves, 30 de septiembre de 2010 en 16:23














MURIÓ UN PEQUEÑO HÁBIL ARTESANO

ARTHUR PENN


El martes 28 de septiembre falleció Arthur Penn a los 88 años (nació en Filadelfia, 1972) de un ataque cardíaco. Se lo recordará como el director de “Bonnie & Clyde” y el resto de su filmografía quedará sepultada en el olvido, menos en el recuerdo de eruditos cinéfilos.

Muy joven, finalizados sus estudios intentó hacer teatro, donde tuvo intentos fallidos que recopilarán los archiveros de cinematecas.

No es hasta su movilización durante la Segunda Guerra Mundial cuando se le ofrece la oportunidad al trabar amistad con Fred Coe , hombre clave en su carrera, quien lo introduce en el mundo de la televisión y luego en el del teatro, donde cumple una elogiada carrera entre cuyos éxitos caben destacar las dos piezas de William Gibson, una de las cuales ganadora de un Premio Tony-dará lugar a su segundo filme, “The Miracle Worker” (“Ana de los milagros”, 1962).

Sus películas tienen en común cierto regocijo en mostrar una lucha individual contra el medio social. Individual o social su acción nunca responde a un principio moral o humanitario sino a una exigencia de encontrar una justa relación ya sea con la naturaleza, la sociedad, en definitiva con el mundo que rodea a sus personajes. Esta característica se desprende de haber sido elegido por productores hábiles en enmarcarlo en un marco de violencia en el que un héroe manifieste su rebeldía y el espectador logre una empatía transitoria gracias a la reivindicación de la justicia tardía o de la muerte.

Su primer filme, “The Left Handed Gun” (1958, “El zurdo”), conocido en la Argentina como “Billy the Kid”, el nombre del personaje central, fue un discreto western cuyos hallazgos hay que encontrarlos en la adaptación hecha por Leslie Stevens de una historia escrita por Gore Vidal para la productora Philco Playhouse con el título de “The Death pf Billy the Kid” difundida por NBC en 1955 y en la composición de un Paul Newman que se desprendía del “estilo Brando”. Fue la fracasada investigación de un mito debido a su indecisión de primerizo detectada en los numerosos cortes que impuso la producción.

Luego vendría la mencionada “The Miracle Worker” alabada por la actuación de su protagonista Anne Bancroft y por la inevitable carga de sensiblería contenida en la mutación de la escritora ciega-sordo-muda Hellen Keller, sin olvidar la colaboración de William Gibson. Luego “Mickey One” (1965) dominada por un ascendente ególatra como Warren Beatty dominando los primeros planos significó un fracaso en la carrera de Penn, siempre avalado por sus amistades kennedyanas, confirmadas en 1966 con “The Chase” (La jauría humana”, que mostraba a un sheriff (soberbio Marlon Brando) enfrentando a todo un pueblo para salvar el linchamiento de tres jóvenes inocentes (dos de ellos encarnados por Jane Fonda y Robert Redford), una historia maniqueísta al extremo que ni figuró en la lista de posibles Oscar.

Hasta que un grupo de productores –a cuyo frente estaba Warren Beatty- le propone rodar un guión escrito por un francés llamado François Truffaut, quien debido a las imposiciones de los mandamás se regresó a Francia dispuesto no sólo a no dirigirlo sino que solicita se lo retire de los créditos. El guión del maravilloso integrante de la nouvelle vague cae en manos de Penn, quien se somete a las órdenes de los dueños del capital invertido. Se trataba de la relación entre Bonnie Parker y Clyde Barrow, una pareja de ladrones dedicada al crimen y al robo en la época de la gran depresión.

Se llamó “Bonnie & Clyde” (1967) . Un ejemplo de falta de ética en el mundillo del cine: conservan los quince primeros minutos del autor francés, alteran el resto hasta transformarlo en una de acción con dos héroes al mejor estilo de Robin Hood, y con la imposición de no lastimar la imagen que Beatty estaba “fabricando” para su estrellato: Clyde era un impotente sexual, lo que afearía su calidad de galán, por lo tanto la mecánica industrial se pone en funcionamiento e imagina una escena llena de viento y de música sentimental donde Clyde posee a Bonnie al aire libre (la secuencia aparece cubierta por la primera plana de un diario que el remolino ventoso hace de telón pudoroso). Penn fue un ndébil que aplacó sus ideas políticas y se puso al servicio de la comandancia ejecutiva empresarial. Lo demostró su poco gratificante seguidilla de títulos menores.

Dustin Hoffman salvó la inversión con su labor en “Little Big Man” (“Pequeño gran hombre”, 1970) una imposible reivindicación indígena, “Night Moves” (1975) una insignificante policial con Gene Hackman y la detestable “The Missouri Breaks” con Marlon Brando y Jack Nicholson, cuyos errores deben indagarse en internas entre la producción. Fue un fracaso del que Penn no se recuperó. El episodio fue muy parecido al que vivió con el rodaje de “The train” (“El tren”, 1964) cuando el actor y coproductor Burt Lancaster lo echó literalmente de la filmación y lo reemplazó por John Frankheinmer.

Algunos sectores políticos recordarán a Arthur Penn como consejero de John F. Kennedy en debates contra Richard Nixon. Otros, con una pátina setentista y rémoras de hippies

Preferirán decir que regaló un “Alice´s Restaurante” (“El restaurante de Alicia”, 1969) a toda una juventud perfumada de incienso y vestida con túnicas transgresoras en comunidades viajando a Oriente vaya a saber a encontrar qué ilusiones.

Se fue un artesano, digno cumplidor de las órdenes de comerciantes del cine e imposibilitado de poder trasladar sus ideas libremente a la pantalla. (Es mejor recordarlo como el creador de una secuencia sensacional que se le escapó ala censura de USA: el negro disparando contra la finca confiscada por una entidad bancaria, en “Bonnie & Clyde”, filmada con ese inolvidable rasgo estilístico de la época como eran los tonos cromáticos fanés .)


Hernando Harb

LA DAMA DE HONOR de Claude Chabrol - ARNALDO H.CORAZZA

en 7:12



















LA DAMA DE HONOR
de Claude Chabrol

Dirección: Claude Chabrol.
Países:
Francia y Alemania.
Año: 2004.
Duración: 110 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Benoît Magimel (Philippe), Laura Smet (Senta), Aurore Clément (Christine), Bernard Le Coq (Gérard), Solène Bouton (Sophie), Anna Mihalcea (Patricia), Michel Duchaussoy (Vagabundo), Suzanne Flon (Sra. Crespin), Eric Seigne (Jacky), Pierre-François Dumeniaud (Nadeau).
Guión: Pierre Leccia y Claude Chabrol; basado en la novela de Ruth Rendell.
Producción: Antonio Passalia, Patrick Godeau y Alfred Hürmer.
Música: Matthieu Chabrol.
Fotografía:
Eduardo Serra.
Montaje: Monique Fardoulis.
Diseño de producción: Françoise Benoît-Fresco.
Vestuario: Mic Cheminal.
Estreno en Francia: 17 Noviembre 2004.
Estreno en España: 8 Abril 2005.

Philippe, de 25 años, es un chico normal, atractivo, que vive con su madre y dos hermanas más pequeñas en un barrio tranquilo de las afueras y que acaba de empezar a trabajar con un contratista inmobiliario. En la boda de su hermana, se siente atraído por su dama de honor, Senta, se trata de un amor a primera vista, pero Senta no ama como los demás. Su pasión envuelve y consume a Philippe. Más tarde ella declara que, como prueba de su amor mutuo, deberían matar a un completo extraño.

No hay ninguna duda que es un autentico Chabrol. Con su manejo cansino del relato Chabrol comienza por describir uno a uno todo el entorno de Philippe -interpretado por un correcto Benoit Magimel-, su madre, sus hermanas, su futuro yerno. Tambien describe minuciosamente su entorno laboral, sin prisa, pareciendo que se preocupa mas de los personajes que de la trama. Pero como siempre Chabrol, poco a poco, y tras la aparicion de Senta -interpretada por unas magnifica Laura Smet- nos va involucrando y atrapando en la trama siniestra de la relación de Philippe y Senta. No se le escapa a Chabrol una critica amoral de la familia burguesa, de una madre abandonada por su esposo que vive en un limbo, y la caricatura de la problematica de cada uno de sus hijos. Es este esquema todos los personajes, sin ninguna prisa se van encadenando uno a uno, para terminar abordando la pasion enfermiza de Philippe y Senta. El final como siempre solo sugiere una recta sin precisiones, como ya es caracteristico de Chabrol. Es un buen film, bien realizado, del no simpre regular Chabrol. Debe verse, como una forma de homenaje a este gran Director recientemente fallecido.


Puntos de 1 a 5: 4 puntos


ARNALDO H. CORAZZA

Ver tambien en este blog el homenaje a Chabrol en el link:
http://arnaldohugocorazza.blogspot.com/2010/09/gracias-por-su-cine-claude-chabrol.html

BEAR de John Rebel - Hernando Harb

miércoles, 29 de septiembre de 2010 en 19:39














BEAR

de John Rebel


Traducción: “Oso”

EE.UU., 2010-09-29

Género: Suspenso

Hablada en inglés.

Dirección: John Rebel

Guionistas: Roel Reiné – Ethan Wiley

Producción: Andrew Ackerman – Dickey Beer – Roel Reiné

Música original: Trevor Morris

Montaje: Herman P. Koerts

Dirección artística: Rose Shawhan

Maquillaje: Dijais Erwin

Domador de animales: Scott Handley

Intérpretes: Brendan Michael Coughlin (Nick) – Patrick Scott Lewis (Sam) – Katie Lowes (Christine) – Mary Alexandra Stiefvater (Liz)

En colores.

Filmada en Santa Clarita, California.

Duración original: 93 minutos

Aún no estrenada en la Argentina.


Advertencia: éste no es un filme para los que se emocionaron con las acrobacias de montaje y los espléndidos paisajes del culturoso artesano francés Jean-Jacques Annaud (el de “El amante”, sobre novela de Marguerite Duras) que populariza “El oso”. Tampoco para los adictos de Animal Plannet.

Los que gustan de texturas terroríficas y estallidos de sangre saldrán defraudados, así como los que integran alguna asociación de protección de animales. Ni unos ni otros hallarán motivo de placer o de protesta.

Es un filme para admiradores del buen cine que detectan detrás de la fachada de cine “clase B”. O sea una película hecha con bajo presupuesto (aquí hay sólo cuatro actores sin contar a una pareja gigantesca de osos) y un rodaje al aire libre casi único (marañas de arbustos, desolación en la carretera). El guión limita el tiempo de la acción hasta desarrollarlo en unas horas nocturnas.

Los guionistas presentan a dos parejas viajando en un auto descuidado hacia un centro de recreo: Sam (el hermano mayor) y su mujer Liz, Nick (el menor, al volante) y su amante Christine. Lo previsible: el que maneja decide acortar camino y tomar un atajo. Hasta aquí muchos pensarán que estamos ante la típica película de terror nocturno. Error. La llanta se pincha y hay que cambiarla. Nick -un rockero drogadicto escaso de dinero y de cordura- repara el cacharro, que se niega a retomar la marcha. Habrá que ir caminando en medio de las obvias protestas de Sam (un empresario que atraviesa la amenaza de una quiebra económica). Aquí aparece la figura de una osa que se acerca. Asustado el hermano mayor saca un arma y la mata descargando todas las balas. Y aquí comienza la construcción de un guión inteligente y que se diferencia de los del género del terror trillado.

Sí, aparecerá el oso macho dispuesto a vengarse, y entonces uno recuerda antecedentes similares: “Orca, la ballena asesina” (1977, Michael Anderson). Otra vez error.

Nick insinúa que el animal pertenece a una raza especial que convivió con aborígenes. Su amiga y el matrimonio se burlan. Hasta que surgen detalles imperceptibles de que el oso parece pensar cada una de sus maniobras para castigar a los asesinos de su compañera. Lo increíble es cierto. El animal razona hasta el extremo de arrastrar varios kilómetros a uno de los personajes que fue a buscar ayuda cercana y devolver al interior de lo que quiere como trofeo: el coche. Ni más ni menos.

Los cuatro encerrados en el auto comienzan a ventilar trapos sucios a medida que presienten la presencia de ese especial vengador. Y he aquí lo original imaginado por el dúo Reiné-Wiley y dirigido con astucia por el primerizo John Rebel, un joven neoyorquino que tiene como antecedentes fílmicos el haber sido ayudante de dirección de “Blood” (2004) y asistente de “Sensation” (2002). El oso oficia de elemento catártico en los ánimos de los cuatro únicos personajes de este singular filme.

Sam y Liz demuestran que no son la perfecta pareja matrimonial, todo lo contrario. Nick y Christine entienden que su relación está hecha de complicidad (drogas mediante). Sam y Nick descubren que sus actitudes delatan un revanchismo cruel y una competencia que implica la presencia de un progenitor nada inocente.

Con una sutil banda musical de Trevor Morris y un exacto montaje de Herman Koerts asistimos a una sesión de culpas y traiciones que no aflorarían sin la presencia de ese animal que con sus rugidos parece conocerlos y su venganza incluye que sus prisioneros establezcan una contienda que estalla en revelaciones que sorprenderán al más imaginativo espectador.

La naturaleza toma su revancha. El horror es lo único verdaderamente auténtico: nos obliga a comportarnos tal cual somos, a esconder las buenas maneras y a mostrarnos desprovistos de la vergüenza que siempre disimulan las relaciones sociales.

En suma: un filme imperdible para los aficionados a la “clase B” y a los que intuyen en Rebel a un director que pertenece a la camada de Roger Corman, Francis Ford Coppola (y sus escarceos con Edgar Poe) y hasta de James Cameron (recordar “Pirañas”, un título que nunca falta en la grilla de cable).

Los actores son muy buenos. Patrick Scott Lewis cuenta con una destacada intervención en el turbador “Zodíaco” (2007, David Fincher), y la joven y bonita Katie Lowes integró el elenco de la serie “Los Soprano”. Todos son actores de la televisión norteamericana.

Quien merece una mención especialísima es Scott Handley, el domador del animal, baste notar la humanización de los primeros planos y esa secuencia culminante cuando ese oso huele el auto con la inclemencia triunfal del victimario.


Hernando Harb

MALDITOS BASTARDOS de Quentin Tarantino (EE.UU y Alemania 2009)- ARNALDO H. CORAZZA

en 7:27



















MALDITOS BASTARDOS
de Quentin Tarantino

Título: Malditos bastardos
Título original: Inglourious Basterds
Dirección: Quentin Tarantino
País: Estados Unidos, Alemania
Año: 2009
Fecha de estreno: 18/09/2009
Duración: 160 min.
Género: Bélico, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Brad Pitt, Samuel L. Jackson, Diane Kruger, Cloris Leachman, Mike Myers, Samm Levine, Eli Roth, B.J. Novak, Til Schweiger, Julie Dreyfus
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, A Band Apart, Lawrence Bender Productions, Weinstein Company, The, Neunte Babelsberg Film


Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa. Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como "The Basterds", los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark, una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.


La reaccion de la critica sobre este film del telentoso Tarantino ha sido de amores y odios, pasando los conceptos de ser el mejor o el peor film de este Director. Ni una cosa ni la otra. Es un Tarantino auténtico, excelentemente filmada, con momentos memorables, y con personajes de historieta, como son todos los personajes de Tarantino. Lo criticable es la duración del film, dos horas cuarenta minutos, que son por cierto excesivos, perdiendo el film ritmo, pero no deja de entretener esperando los delirios de Tarantino. Respetando todas las opiniones, en lo personal el film me encanto, no me defraudó. El papel y la interpretación de Christoph Waltz es descollante, aunque son muy buenas todas la actuaciones, aun la de Brad Pitt. La escena final es fantastica, desplegando la violencia exacerbada de los films de este realizador. Con el delirio que lo caracteriza Tarantino cuenta su propia historia de la segunda Guerra Mundial son la solvencia que lo caracteriza. Les encantará o no le gustará, pero sin ninguna duda, para los amantes del buen cine, es imprescindible verla.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

ARNALDO H.CORAZZA

EL REGRESO de Andrei Zvyagintsev (Rusia 2003) -ARNALDO H. CORAZZA

lunes, 27 de septiembre de 2010 en 18:36




















EL REGRESO
de Andrei Zvyagintsev

Título: El regreso
Título original:
Vozvrashcheniye
Dirección:
Andrei Zvyagintsev
País: Rusia
Año:
2003
Duración:
105 min.
Género:
Drama
Reparto: Vladimir Garin, Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Natalya Vdovina, Yelizaveta Aleksandrova, Lazar Dubovik, Lyubov Kazakova, Galina Petrova, Aleksei Suknovalov, Andrei Sumin
Productora: Ren Film
Casting:
Galina Dovgal, Genriyetta Bagdasarova
Dirección: Andrei Zvyagintsev
Diseño de producción:
Zhanna Pakhomova
Efectos visuales:
Dmitry Tokoyakov, Kirill Bobrov
Fotografía:
Mikhail Krichman
Guión:
Aleksandr Novototsky, Vladimir Moiseyenko
Maquillaje: Galya Ponomaryova
Montaje:
Vladimir Mogilevsky
Música:
Andrei Dergachyov
Producción ejecutiva: Andrew Colton, Yelena Kovalyova
Sonido: Andrei Khudyakov, Dmitri Nagorny
Vestuario:
Anna Barthuly

La vida de dos hermanos sufre un brusco cambio cuando de repente aparece su padre, al que sólo recordaban de una fotografía de hace diez años. ¿Es realmente su padre?¿Por qué ha vuelto tras todo este tiempo? Los chicos encontrarán las respuestas en una remota y solitaria isla, a lo largo de un emocionante viaje por los bellos parajes de Siberia, con el hombre que ha puesto sus vidas del revés.

En esta opera prima del director ruso Andréi Zvyagintsev, cuenta como dice el resumen, la historia de dos hermanos adolescentes que se reencuentran con su padre luego de 12 años de ausencia y juntos realizaran un viaje a una isla. No se ocupa el director de develarnos todas las incognitas planteadas,si es realmente el padre de los adolescentes, por que a vuelto, que contiene el cofre que recoge en la isla , los motivos de sus brusquedades con sus hijos. En fin estas incognitas parecieran que solo sirven para distraernos del tema principal, que es el rol del padre en dos adolescentes. El mayor que poco a poco va acercandose y admirando a su padre y el menor que lo rechaza y condena su ausencia durante casi toda su vida. El relato es magnifico, lento, denso, con una fotografia maravillosa. Creo es una reflexion sobre la presencia y ausencia del padre,el autoritarismo, en una historia por momentos mágica, y que nos lleva a reflexionar sobre los cambios que esa presencia - y luego la ausencia- va generando en los adolescentes, que no son los mismos al concluir el film. Excelente el trabajo actoral de los dos adolescentes. Estamos en presencia de un excelente film, altamente recomendable, aunque como ocurre con el cine ruso, no sera facil de encontrar.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos.

Arnaldo H.Corazza

DE PASOLINI A DE FILIPPO - Hernando Harb

domingo, 26 de septiembre de 2010 en 16:06














Transcribimos una carta escrita por el director de “Teorema” un 24 de septiembre de 1975 dirigida a Eduardo De Filippo. Un poco más de un mes después, el 1 de noviembre de 1975, Pier Paolo Pasolini fue asesinado en las playas de Ostia, cerca de Roma.

El famoso dramaturgo -autor de “Filomena Marturano”-, también director de cine y actor napolitano (1900-1984) era el destinatario de la misiva en la que Pasolini le proponía proyectar una película que deseaba realizar desde hacía mucho tiempo, “Pornoteo-kolossal”. Le confiaba a De Filippo su primer boceto.


“Roma, 24 de septiembre de 1975

Querido Eduardo:

Por fin, aquí te envío, por escrito, la película de la que hace años te hablo. Sustancialmente, está todo. Faltan los diálogos, todavía provisorios, porque tengo mucha fe en tu colaboración, mientras filmamos, colaboración quizá improvisada. Te confío Epifinio completamente; apriorísticamente, por toma de partido, por elección. Epifinio eres tú. El “tú” del sueño, aparentemente idealizado, aparentemente real.

He hablado del texto por escrito. En realidad, no es así. En efecto, se lo dicté al grabador (por primera vez en mi vida). Es por eso, lingüísticamente, oral. Cuando lo leas, notarás enseguida cierto aire un poco plomizo, repetitivo, pedante. Ignóralo. Pero me resulta imposible -por razones prácticas- escribirlo de otra manera.

Yo mismo lo leí completamente hoy –hace poco- por primera vez, y quedé traumado: boquiabierto por su compromiso ‘ideológico’, propio en verdad de un ‘poema’, y agobiado por su mole organizativa.

Espero con toda mi pasión no sólo que la película te guste y aceptes hacerla, sino también que me ayudes, que me alientes a afrontar una propuesta así.

Te abrazo con afecto. Tuyo


Pier Paolo.” (*)


(*) Pasolini, P.P. – Pasiones heréticas. Correspondencias 1940-1975. Buenos Aires. El Cuenco de Plata, 2005.


HERNANDO HARB

UN GRAN ACTOR: DICK BOGARDE - Arnaldo H.Corazza

en 6:34














Sir Derek Jules Gaspard Ulric Niven van den Bogaerde
(28 de marzo de 19218 de mayo de 1999), más conocido por el nombre artístico de Dirk Bogarde, fue un consagrado y prolífico actor de carácter y además escritor británico.Bogarde nació en West HampsteadLondres (), de ascendencia neerlandesa y escocesa. Su padre, Ulric van den Bogaerde (nació en Perry Barr, Birmingham) era el editor artístico de The Times y su madre, Margaret Niven era actriz. Se unió al ejército y participó en la Segunda Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Bogarde estuvo en las batallas de Europa y el Pacífico, principalmente como oficial de inteligencia. En abril de 1945 fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó bastante y de la cual no pudo hablar durante varias décadas. Su horror y repulsión hacia la crueldad que vio en Belsen ayudaron a crear una especie de hostilidad hacia Alemania; en los años 90 escribió que bajaría de un ascensor antes que estar en uno junto a un alemán. Irónicamente, tres de sus papeles más importantes serían interpretando a un alemán (uno de ellos, un oficial de las SS).Tras la guerra, la atractiva apariencia varonil de Bogarde le permitió comenzar una carrera como actor, siendo contratado por la Organización Rank.En 1950 logró cierto reconocimiento tras su papel como el criminal Tom Riley, quien disparó al policía George Dixon en The Blue Lamp; pero fue la comedia Doctor in the House (1954), producida por Betty Box, dirigida por Ralph Thomas y coprotagonizada por Kenneth More, Donald Sinden y James Robertson Justice, la que hizo de Bogarde una estrella.Durante los años cincuenta, interpretó a un asesino que se hace amigo de un joven en Hunted (1952, también conocida como The Stranger in Between); un aviador que, en contra de las órdenes, se une a un gran ataque en contra de los alemanes en Appointment in London (1953); el papel de un sargento atrapado en una lancha con sir Michael Redgrave en The Sea Shall Not Have Them (1954) y, en The Sleeping Tiger (1954), a un criminal, acompañado de la actriz Alexis Smith.La primera película de Bogarde junto al director Joseph Losey, Doctor at Sea (1955), coprotagonizada por Brigitte Bardot en uno de sus primeros papeles cinematográficos; Cast a Dark Shadow (1955), como un hombre que se casa por dinero y luego asesina a su esposa; The Spanish Gardner (1956), coprotagonizada por Cyril Cusack y Bernard Lee; Doctor at Large (1957), otro trabajo de la serie de doctores, coprotagonizada por Shirley Eaton; A Tale of Two Cities (1958), una adaptación del clásico de Charles Dickens; The Doctor's Dilemma (1959), por George Bernard Shaw y coprotagonizada por Leslie Caron y Robert Morley, no es parte de la serie de doctores; y Libel (1959), interpretando a tres personajes y coprotagonizada por Olivia de Havilland.Bogarde se convirtió rápidamente en un ídolo de matiné y se convirtió en el británico más popular de Hollywood durante los años cincuenta. La principal característica de las actuaciones de Bogarde era su natural desenvoltura frente a las cámaras, no costándole asumir complicados perfiles de sus personajes, de hecho fue uno de los primeros actores en interpretar a un bisexual en la pantalla inglesa.Tras 1960, Bogarde adoptó trabajos más difíciles, como su personaje en Victim (1961); Hugo Barrett en The Servant (1963) (dirigida por Joseph Losey); el reportero de televisión Robert Gold en Darling (1965); Stephen, un profesor de la Universidad de Oxford, en Accident (1967); el empresario alemán Frederick Bruckman en la película de Luchino Visconti The Damned (La caída de los dioses) (1969); el exnazi Max, en la controvertida The Night Porter (Portero de noche) (1974), dirigida por Liliana Cavani, y Gustav von Aschenbach, quizá el más conocido de sus personajes, en Muerte en Venecia (1971), también dirigida por Luchino Visconti. Estas filmografías son la "edad de oro" de Bogarde.Otras películas de Bogarde durante los años sesenta y setenta fueron The Angel Wore Red (1960), donde hizo de un sacerdote que se enamora del personaje de Ava Gardner, quien trabaja en un cabaret durante la Guerra Civil Española; Song Without End (1960), donde interpreta a Franz Liszt y dirigido por George Cukor; The Singer Not the Song (1961), como un bandido mexicano y coprotagonizada por Sir John Mills como sacerdote; HMS Defiant (también conocida como Damn the Defiant!) (1962), donde hace el personaje del teniente Scott-Padget junto a Sir Alec Guinness; I Could Go On Singing (1963), interpretando a David Donne coprotagonizando con Judy Garland en su último papel cinematográfico; The Mind Benders (1963), una película sobre experimentos en la Universidad de Oxford (precursora de Altered States (1980)) interpretando al Dr. Henry Longman; Hot Enough For June (1964), (también conocida como Agent 8 3/4) (1964), una parodia de James Bond interpretando al agente secreto Nicholas Whistler; King And Country (1964), haciendo el papel del Capitán Hargreaves, junto a Tom Courtenay; Modesty Blaise (1966), película de espías donde hizo del archivillano Gabriel; Our Mother's House (1967), donde interpretó a Charlie Hook, padre de siete hijos, dirigido por Jack Clayton; The Fixer (1968), basada en la novela de Bernard Malamud donde hizo de Bibikov, coprotagonizada por Alan Bates; Sebastian (1968), interpretando al profesor de la Universidad de Oxford Mr. Sebastian junto a Sir John Gielgud, Susannah York y Lilli Palmer; Oh! What A Lovely War (1969), haciendo el papel de Stephen, coprotagonizada por Sir John Gielgud y dirigida por Sir Richard Attenborough; Justine (1969), interpretando a Pursewarden y dirigida por George Cukor; Le Serpent (1973), haciendo el papel de Boyle, coprotagonizada por Henry Fonda y Yul Brynner; A Bridge Too Far (1977), en el controvertido papel del General Frederick "Boy" Browning junto a Sean Connery, y otras estrellas; Providence (1977), interpretando a Claude Langham y coprotagonizada por Sir John Gielgud; Despair (1978), como Hermann Hermann, y Daddy Nostalgie (1991), haciendo de Daddy junto al actor Jane Birkin, en la última interpretación cinematográfica de Bogarde.Mientras estaba en la Organización Rank, Bogarde fue considerado para la versión cinematográfica de Lawrence Of Arabia, la cual sería dirigida por Anthony Asquith. El rol de Lawrence finalmente fue entregado a Peter O'Toole, en una película distribuida por Columbia Pictures en 1962 y dirigida por David Lean. El no poder interpretar a Lawrence de Arabia fue una de las grandes decepciones de Bogarde en la industria del cine.[1] Bogarde también fue considerado para el rol en la película de MGM Doctor Zhivago (1965).[2] Mientras trabajaba en Darling con Julie Christie, recibió la noticia de que interpretaría a Lara en Zhivago, pero Bogarde no. Algunos años antes, había rechazado el rol de Gaston en Gigi (1958) de MGM. Cualquiera de estos tres papeles le hubieran dado reconocimiento internacional, pero no fue así. Sin embargo, Bogarde dejó su legado en un estilo diferente de personajes, más controvertidos.Bogarde fue nominado seis veces como mejor actor por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA), ganando dos veces por The Servant en 1963 y Darling en 1965. Además recibió el premio a la trayectoria del Círculo de Críticos Cinematográficos de Londres en 1991.Entre 1939 y 1991 hizo 63 películas.En 1977 Bogarde se dedicó a su segunda carrera, como escritor. Comenzando con su primer volumen A Postillion Struck by Lightning, escribió una serie de autobiografías, novelas y críticas de libros. Como escritor Bogarde demostró ser un autor de estilo elegante.Bogarde nunca contrajo matrimonio, y durante su vida, se dijo que era homosexual. Durante varios años compartió su hogar con su representante Anthony "Tony" Forwood (esposo de la actriz Glynis Johns y padre del actor Gareth Forwood), pero negó varias veces que su relación fuese algo más que amistad.Aunque Bogarde ha sido criticado por algunos ya que nunca hizo conocer su situación, protagonizó la película de 1961 Victim donde interpretaba a un bisexual en Londres que mantenía una relación sentimental con un joven. Victim es considerada la primera película británica en tratar seriamente el tema de la homosexualidad. La película ayudó a cambiar las leyes que afectaban a los homosexuales en el Reino Unido, gracias a las labores de Harold Wilson en 1967.La relación más seria de Bogarde con una mujer fue con la actriz francesa Capucine, con la cual quería casarse.En 1984 Bogarde fue presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes. Esto significó un gran honor para Bogarde, ya que fue el primer británico en ocupar este puesto.Los papeles de Bogarde lo convirtieron en un artista de culto. El cantante Morrissey era uno de sus admiradores, y, según Charlotte Rampling,[3] Bogarde recibió una oferta en 1990 de Madonna para aparecer en su video Justify My Love, citando The Night Porter como inspiración. Bogarde rechazó su oferta.Dirk Bogarde recibió el título de caballero en 1992 debido a sus servicios mediante la actuación, y recibió otros honores de las universidades St. Andrews y Sussex. Debido a su hábito de fumar, Bogarde sufrió un pequeño infarto en noviembre de 1987, mientras Tony Forwood estaba muriendo debido a su cáncer y enfermedad de Parkinson.En septiembre de 1996 se sometió a una operación debido a complicaciones arteriales, y sufrió un severo tromboembolismo pulmonar inmediatamente tras la intervención. Durante los últimos tres años de su vida Bogarde tuvo un lado de su cuerpo paralizado, esto además afectó su voz.Logró, sin embargo, completar un último volumen autobiográfico. Antes de morir pasó sus últimos días junto a su amiga Lauren Bacall. Sir Dirk Bogarde murió en Londres de un ataque cardíaco el 8 de mayo de 1999, a la edad de 78 años.Sus cenizas fueron esparcidas en el estado de Le Haut Clermont cerca de Grasse, al sur de Francia.Sir Dirk Bogarde es considerado por algunos la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX.Fuente Wikipedia

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