EL PLAN B de Alan Poul -HERNANDO HARB

martes, 25 de mayo de 2010 en 19:55















EL PLAN B

Título original: The Hack-Up Plan

Origen: EE.UU., 2010

Director: Alan Poul

Intérpretes: Jennifer Lopez (Zoe) – Alex O´ Loyghlin (Stan) – Christian Olsen – Anthony Anderson (Amigo de la plaza) – Linda Lavn (Abuela)

Idea y guión: Kate Angelo

Género: Comedia

Duración: 102’

Fecha de estreno en la Argentina: 20 de mayo de 2010

Calificación: No apta para menores de 13 años


Un reportaje (de dudosa credibilidad) aparecido en un matutino local le adjudicaban a Jennifer Lopez la intención de filmar comedias al estilo de Doris Day, una cantante y actriz de comedias amenas con moraleja adecuada para teenagers y matizadas con canciones dignas de un fin de semana de clase media más o menos alta.

La cuarentona y bella Jennifer no parece en este Plan B rememorar las muy coloridas estampas sesentistas de la saboreadora de un Té para dos ni la posibilidad de no enamorar a un Rock Hudson impertérrito y donjuanesco que caía en sus brazos en medio de escenografías muy en technicolor y pantallas anchísimas con sonidos estereofónicos surgidos de parlantes estrepitosamente románticos.

No. Aquí la publicidad ha obviado promocionar determinadas actitudes de esta actriz que acaba de ser madre de mellizos y que viene de fracasar en un óptimo filme denunciador de la explotación de las “maquiladoras” (obreras) en Ciudad Juárez (que le valió un premio de las autoridades mexicanas por su lucha a favor de los derechos civiles femeninos.

Por ejemplo nadie puede desconocer que ver a la Lopez en un orgasmo (en primer plano) que prologa el estallido de otros tres es un señuelo para atraer a decenas de espectadores a los multicines. Y menos si la estrella se “explaya” sobre la mesa de un sótano repletos de quesos de cabra a los que alude erotizando a su partenaire.

No es poco. Y mucho menos la osada historieta creada con astucia por Kate Angelo acerca de una mujer que no consigue un candidato adecuado para satisfacer su necesidad de ser madre. De ahí que recurra a la inseminación artificial, lo que permite mostrar a la Lopez sentada en el sillón de un ginecólogo que despliega sus aptitudes sin ahorrar sugerencias y repetir didácticamente el término vagina en tanto la paciente se somete en una postura que nada tiene que ver a su prontuario de sexual ícono.

No es poco. Pero no es todo. La inseminada conoce a un joven, mientras se pelea por el alquiler de un auto en plena lluvia, que (¡oh, imaginación frondosa de la libretista de turno!) tiene todos los dones para enamorarla y (así lo desea) embarazarla sino fuera por su concurrencia al centro de donación de semen…

Nace el amor, en medio de una impactante escena en la cual Zoe (nombre de la inseminada, dueña de una veterinaria y nieta de una abuela que permaneces de novia hace 30 años con un candidato nonagenario) sentada en el inodoro usa el termómetro confirmador del éxito de su sesión médica… Una escena no imaginada por ningún admirador de Doris Day y que provocará ciertos cosquilleos en una azorada platea.

La promoción del filme no hace referencia a estas osadías infrecuentes en la bella actriz. A la que se la verá eructar, querer hacer el amor con un poco de pollo en sus cabellos, añorar la belleza de su derrière deseable antes de su preñez y hasta asistir a un parto de la socia de un centro de madres solteras en medio de gemidos y en un piletón cuyas aguas reflejan las preliminares del alumbramiento, sin detallar puntillosas descripciones propias de un nacimiento muy gesticulado.

La platea femenina, tal vez, se interese en el dramático problema de la heroína que debe convencer a su prometido de adoptar a las criaturas (son mellizas) y de que dedique sus a la dpble crianza con todo los que esta noble hazaña significa.

La audiencia masculina quedará desconcertada. De verdad. En especial cuando Stan (el granjero divorciado que despierta los deseos de Zoe) es confundido como un depravado en una plaza por un hombre quien resulta ser un apostrofador del matrimonio (es padre de tres hijos y relata sus inconvenientes maritales con un desdén que espanta). Lo que indica que la opera prima de Alan POUM no promueve la planificación familiar ni otro proyecto casamentero.

En suma, que la Lopez ha filmado una comedia desprovista del encanto de otras sucedáneas. Y que este Plan B puede hacer la delicia de los espectadores adictos siempre que se les prevenga a tiempo.

Nada nuevo bajo el sol del mundo de la creación. Pero suficiente como para divertir sin aspiraciones intelectuales. Ya lo saben… Doris Day fue única en su estilo.


Hernando Harb

EL DESTINO DE NUNIK de Paolo y Vittorio Taviani -Arnaldo H.Corazza

en 10:05















EL DESTINO DE NUNIK

de Paolo y Vittorio Taviani (1)


Título internacional:
The Lark Farm
título original: La masseria delle allodole
año: 2006
género: ficción
fecha de estreno: IT 23/03/2007, FR 30/05/2007
fotografía: Beppe Lanci
escenografía: Andrea Crisanti
producción: Ager Tre, Sagrera Audiovisual, Nimar Studios, Flach Film, France 2 Cinéma (FR), Rai Cinema
apoyo: Ministero per i Beni e le Attività Culturali
distribuidores: 01 Distribution, UGC Distribution (FR)
ventas en el extranjero: Rai Trade

El genocidio de los armenios a través de la historia de una familia que vive en Armenia y que, a la espera de la llegada de ciertos parientes que se han instalado en Italia, restauran un casa para acogerles. Desgraciadamente, la Primera Guerra Mundial va a impedir que esta familia se reúna de nuevo. Además, verán como sus familiares lejanos se verán implicados en el genocidio armenio a manos de los turcos. Inspirada en la novela de Antonia Arslan.

Sin ninguna duda este producto de los Hnos. Taviani, esta legísimo de Padre Padrone. Contiene algunos de los elementos típicos de estos realizadores: la estética, y la denuncia social. Para quienes no conocen la historia del genocidio armenio en manos de los Turcos, creo será un material interesante. La Argentina, por ley del Congreso, reconoció el Genocidio armenio,, que aún hoy es negado sistematicamente por el estado Turco. El film, tiene algunas inconsistencias, y es mas parecido a una serie de TV que a un film. Las interpretaciones, son buenas, quizas en exceso sobreactuadas con el fin de acentuar cada personaje, lo que se torna absolutamente innecesario. Esta sin embargo bien filmada, como no podría ser de otra manera tratandose de un producto de los Hnos Taviani. La verdad, esperaba mucho mas, muchísimo mas. Quizás esta espectativa me ha hecho disminuir el valor del film. Mis espectativas superaban largamente el resultado final de la película. Pese a todas las observaciones, me parece que este film histórico, merece ser visto, aunque mas no sea para conocer y condenar el genocidio de los armenios.

1.-Vittorio Taviani (20 de septiembre de 1929) y Paolo Taviani (8 de noviembre de 1931) nacidos en San Miniato di Pisa, Italia, son dos directores de cine italianos. Autores de cine fuertemente politizados, influidos sobre todo por Roberto Rossellini, llevan trabajando toda su vida como escritores, directores y productores de todas sus obras. Vittorio estudió derecho en la Universidad de Pisa, donde dos años más tarde le acompañó Paolo, que se abocó a las Bellas Artes. Juntos se volcaron al cine tras el impacto que les produjo Paisà, de Rossellini, que vieron a poco de su estreno en 1946. Coescribieron y dirigieron varios cortos y un documental, L'Italia non è un paese povero (1960), financiado por la compañía estatal de petróleo, ENI. Censurada por la productora por las crudas imágenes de la miseria de la clase obrera, el corte original se consideró perdido por mucho tiempo, hasta que en 1999 Tinto Brass, quien fuera ayudante de dirección en la obra, dio al público la única copia remanente del positivado original, que había guardado. Con la experiencia adquirida, en 1962 filmaron su primer largo de ficción, Un uomo da bruciare, sobre el conflicto entre un activista siciliano por los derechos del trabajador y la Mafia, aliada a los intereses del gobierno y los terratenientes locales. El tema de los conflictos obreros, desde la perspectiva sobre todo marxista de la lucha de clases, constituiría uno de los ejes de su obra, desarrollado en varios filmes más en los años siguientes. En 1973 abordaron una producción más costosa, Allonsanfan, ambientada en las Guerras Napoleónicas, con Marcello Mastroianni en el papel de un aristócrata vuelto líder anarquista y luego de nuevo aristócrata con los vaivenes de la situación política, y el conflicto con sus antiguos camaradas. El éxito internacional les llegaría en 1977, con la filmación de Padre Padrone, la brutal historia de un opresivo padre campesino y su hijo, al que educa para su sucesor, arrancándolo de la educación primaria para que pastoree las ovejas de la familia. De dureza conmovedora, especialmente en la primera parte, e innovadora en el uso del sonido, Padre Padrone arrasó con los premios en el Festival de Cannes, ganando la Palma de Oro y el premio de FIPRESCI. Con una producción cada dos o tres años, realizadas siempre de manera conjunta donde alternan el rol de director, dejando una escena para cada uno, y sin interferir en la dirección del otro, han continuado trabajando hasta bien entrada su octava década. Con su relevancia como autores bien establecida, son una presencia sistemática en festivales de cine, aunque no con el gran público. Tras Padre Padrone, su obra más vista fue La notte di San Lorenzo, una tragicomedia ambientada durante la ocupación nazi de Italia, de elegante fotografía. Fuente Wikipedia.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos


GURU de Mani Ratnam-Arnaldo H.Corazza

lunes, 24 de mayo de 2010 en 10:40




















GURU
de Mani Ratnam


Dirección:
Mani Ratman.
País: India.
Idioma: Hindi.
Año: 2007.
Duración: 165 minutos.
Género: Drama, Romance.
Interpretación: Abhishek Bachchan (Guru Kant Desai), Aishwarya Rai (Sujatha,) Mithun Chakraborty (Manikdas Guptha/Nanaji), Mallika Sherawat (Bailarina), Arya Babbar, Madhavan (Shyam Saxena), Roshan Seth, Vidya Balan (Meenu), Sachin Khedekar, Dhritiman Chatterjee, Arjan Bajwa, Darshan Jariwala, Manoj Joshi, Rajendra Gupta, Sarita Joshi, Neena Kulkarni, Sanjay Swaraj, Sudhir Pandey, Laxmi Rattan, Murad Ali, Mukesh Bhatt (II), Pratap Pothen, Master Sunny, Bebe Simran, Bebe Ashoi, Bebe Anoushka.
Cantantes: Shreya Ghosal, Uday Mazumdar, A R Rahman, Chinmaye, Bappi Lahiri, Chitra, Maryem Toller, Keerthi, Hariharan, Aka Yagnik, Udit Narayan, Madhushree, Swetha Bhargavee.
Letras: Gulzar.
Director Musical: A R Rahman.
Coreografía: Brinda, Saroj Khan.
Guión: Mani Ratman.
Producción: Mani Ratman, G Srinivasan.
Vestuario: Ameira Punvan, Sai, Nikhar Dhawan, Anu Parthasarathy, Aparna Shah.
Año: 12 de Enero, 2007.

Guru cuenta la historia de un joven que vive en un pequeño pueblo de Idhar en Gujarat… el sueña con ser una persona reconocida y que no descansará hasta conseguir sus objetivos. Este viaja a Bombai y aquí es donde Guru se da cuenta de que sus sueños solo eran eso, ya que ve que la mayoria de negocios y empresas eran manejadas por personas poderosas y con mucho dinero, pero el no se da por vencido y monta un empresa llamada “Shakti Trading” con la cual ve que sus sueños se hacen realidad, pero Guru sabe que lo que hace para triunfar no es la manera correcta; y es por eso que un periódico local saca a la luz las sucias maneras en que Guru ha triunfado.

Este es unos de los tantos films que jamás se veran en la Argentina. Todos aquellos que no se ajusten al circuito comercial, jamas lo veremos. Felizmente, en esta como en tantos films, intenet nos permite al menos verlos y juzgarlos. Este film, de origen Indio, me llena de cotradicciones. Por un lado, un relato bien narrado y una historia insteresante la de Guru. Por otro lado por momentos parece ingenuo, y con raptos del cine americano donde todo termina bien. Es destacable la música, y los bailes donde participan los protagonistas. Si bien en cine es un lenguaje Universal, no podemos olvidar que la historia transcurre en la India, donde las costumbres y la idiosincracia son distintas. No pretendan ver un film sobre los problemas sociales de la India, porque solo los toca muy tangencialmente, sin profundizar demasiado. No juega a fondo en ningun momento. Y mucho menos mostrar la vida en Bombay. Desde mi perspectiva este es uno de los puntos debiles del film, que puede verse, y resultara interesante.

Puntos de 1 a 5: 2 puntos.

SIEMPRE A SU LADO de Lasse Hallstrom - Hernando Harb

domingo, 23 de mayo de 2010 en 17:21










SIEMPRE A SU LADO

(“Hachiko: A Dog’s Store”)

EE.UU.-Inglaterra, 2009

Dramática

Dirección: Lasse Hallström

Intérpretes: Richard Gere (Parker) – Joan Allen (Cate) – Cary-Hiroyuhi Tagawa (Ken) – Tora Hallström (Heather) – Sarah Roemer (Andy) – Jason Alexander (Carl)

Productor: Richard Gere – Shigekuni Wong –Bill Johnson

Música: Jan A.P.Kaczmarek

Fotografía: en colores y en blanco y negro de Ron Furtunato

Duración: 93’

Calificación: Apta para todo público


Un escolar es invitado a hablar en el aula de su héroe. El niño escribe en la pizarra el nombre de Hachiko. Es el de un can. E inicia su relato que es el emotivo raconto de este filme encantador en el que el eje es la amistad de su abuelo, el profesor de música Harper y un perrito perdido en una estación ferroviaria.

Un changarín descuidado pierde la jaulita de bambú que guarda a Hachiko y que ha sido misteriosamente enviada por un monje hindú.

Parker es un señor maduro, casado hace más de 25 años con la hermosa Cate y padre de Andy, una hija a punto de casarse. Sufre una especie de bloqueo emocional no sólo en su vida conyugal sino al sentarse frente al piano y crear su sentido musical del sensible universo que le cuesta exteriorizar. ¿Quién encuentra a quién? El bello Hachiko al musicólogo, o éste al can, cuya raza –datos aportados por Internet- es la Akita, la primera que compartió una sociedad capaz de convivir con los humanos hace miles de años. La empatía ha hecho implosión. Parker se lleva al perrito a su casa y pese a la oposición de su esposa terminará por adoptarlo en su hogar.

El relato nos revelará que la verdadera amistad es eterna. Una posibilidad que la realidad parece negar pero que este hermoso filme del artesano Lasse Hallström (el de Chocolate con la francesa Juliette Binoche) se obstina en demostrarlo como si estuviera ante un pizarrón para hacer la demostración convincente de una demostración formulada con sentimientos, caricias e irracionales comunicacionales.

Con el empleo de una fotografía admirable en colores, transformada en blanco y negro cuando se trata de la visión del exótico animalito (es sabido que los canes no reconocen los colores) el tono de la historia adquiere ribetes dramáticos que harán que Hachiko sea el protagonista dominante de esta remake de un filme japonés de 1987 de Seijiró Kóyama titulado Hachiko Monogatari. El original está basado en un hecho real (y no se trata de esa promoción reiterada hasta el hartazgo en la mayor parte de los filmes comerciales de diferentes cepas) sino en un episodio auténtico de un animalito que esperó en una estación de ferrocarriles durante casi nueve años a su amo fallecido.

Hay escenas sutiles como la de la (premonitoria) “despedida” del can entregándole al profesor una pelotita (simbólica) luego de que el hombre ha mantenido relaciones con su consorte imitando unos ladridos “amorosos” y que Hachiko observa desde su rincón.

La clave de esta historia tal vez esté en las palabras que el nipón Ken, un amigo del músico, lee en un entierro y que alude a la existencia de los misterios que el amor adquiere de distintas maneras.

Hay algo cierto: tanto los amantes de títulos poblados de lobos feroces, serpientes asesinas y hasta ovejas carnívoras sospechosamente elaboradas por un científico británico como los racionalistas más empedernidos no podrán sustraerse al encanto que emana de Hachiko, nombre que alude al ocho en japonés y que el animalito lleva impreso alrededor de su cadenita en su cuello.

Por supuesto, algunos dirán que el Fly de esa obra del neorrealismo italiano Umberto D

(1952, de Vittorio De Sica) convierte a Hachiko en un pedestre animador de lacrimógenas memorias relatadas por un nieto. Pero cabe recordarles que Hachiko tiene una estatua en una localidad japonesa levantada en 1935 después de haber esperado a su dueño en un andén, con la obstinación del que cree que lo amado no muere. Es cuestión de creer o… negarse a una hermosa chance ofrecida por la rutina de la vida.


Hernando Harb

UZAK IHTIMAL de Mahmut Fazil Coskum-Arnaldo H.Corazza

en 8:53










UZAK IHTIMAL

de Mahmut Fazil Coskum

Director:
Mahmut Fazil Coskun
Pais: Turquia
Guión:
Tarik Tufan , Gorkem Yeltan , Bektas Topaloglu
Fotografía: Refik Cakar
Música: Rahman Altin
Montaje: Cicek Kahraman
Dirección artística: Selda Cicek
productor: Mahmut Fazil Coskun, Tulin Cetinkol Soyarslan, Ismail Kilicarslan, Tarik Tufan
Productora: Hokus Fokus. Yeni Yuva Sokak No:7/2 Cihangir Beyoglu 34433 Istanbul Turquía +902122524763 info@hokusfokusfilm.com www.hokusfokusfilm.com
Intérpretes: Nadir Saribacak, Gorkem Yeltan, Ersan Uysal

El joven Musa llega por primera vez a Estambul para ocuparse de una mezquita del barrio de Galata. Se aloja en un apartamento que le han reservado. Sus vecinas son la hermana Anna y Clara. Su encuentro con Clara, que divide su tiempo entre la casa y la iglesia, le produce sensaciones desconocidas y placenteras. Al principio, el joven almuédano no se atreve a reconocer su amor, pero según pasa el tiempo, ese amor invade toda su vida. Paralelamente a esta primera historia, está la de Yakup, el bibliófilo, al que Musa conoce en la iglesia de Clara. Pequeñas sorpresas surgen entre estas tres vidas que se cruzan: Clara, medio italiana; Musa el almuédano; y Yakup, el bibliófilo, miembro de una familia de aristócratas de Galata.

Este film de origen turco, fue estrenado en Turquia en el año 2009. Dificilmente sea estrenado en la Argentina, aunque se puede ver en la PC online. El joven director turco, desarrolla una propuesta mas que interesante, con tres personajes principales cuyas vidas se unen entre si. El desarrollo de la trama es lento, pero apasionante, indagando sobre el perfil psicologico de Yakup, Musa y Clara. Es un film, simple, que transita el multiculturalismo de Turquia. Debo confesar que el film me encanto, es un muy buen film, que nos brinda muestras del talento de Mahmut Fazil Coskum, un director joven de Turquia. Muy recomendable.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

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