GRAN TORINO de Clint Eastwood -Arnaldo H.Corazza

viernes, 26 de marzo de 2010 en 8:52





















GRAN TORINO

de Clint Eastwood 1



TITULO: Gran Torino
TITULO ORIGINAL: Gran Torino INTERPRETES: Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her, Christopher Carley. GENERO: Drama. DIRECCION: Clint Eastwood. GUION: Nick Schenk. FOTOGRAFIA: Tom Stern. MUSICA: Kyle Eastwood, Michael Stevens. MONTAJE: Joel Cox, Gari Roach. ORIGEN: Estados Unidos (2008) DURACION: 116 minutos WEB: http://wwws.la.warnerbros.com/grantorino DISTRIBUIDORA: Warner ESTRENO EN BUENOS AIRES: 5 de marzo del 2009


Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un jubilado polaco-americano que vive con su perra Daisy en Highland Park (Míchigan). Además Kowalski es un veterano de Corea, lo cual le marca mucho a la hora de actuar. Kowalski descubre a su nuevo vecino adolescente hmong intentando robar su Ford Gran Torino para pertenecer a una banda, y que él y su hermana están siendo presionados por la susodicha. Walt decidirá ayudar, a su manera, a los dos jóvenes.

Clint Eastwood, con esta su última pelicula, nos demuestra nuevamente que sabe fimar. Es un verdadero artesano, que con muy poco, logra un producto por cierto nada desdeñable. Es un buen film, no esperen una obra de arte, pero se encontrarán con un producto encuadrado en la linea del cine americano, muy recomendable. La actuación de Eastwood, en un personaje que la calza a su medida, es excelente. Quizás lo mejor del film. Esboza una critica a la sociedad americana - no muy a fondo - , y tiene algunos golpes bajos con los que intenta conmovernos, y a veces -eso es lo increible- lo logra. Es dificil quedar desencantado con un film del viejo Eastwood, es un verdadero artesano, en el mejor sentido de la palabra artesano. Reitero, no esperen un obra de arte, pero recomiendo verla.

1.- Clint Eastwood esta considerado una leyenda del cine.Sus padres fueron Clinton Eastwood Sr. y Margaret Ruth (Runner) Eastwood.[1] Nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Éstos no podían permitirse pagarle estudios superiores por lo que, tras acabar los estudios primarios, tuvo que empezar a trabajar en diversas labores como leñador, albañil, pianista, bombero forestal, limpiapiscinas, obrero del metal y muchos otros más que ejerció para ganarse la vida. Cumplió el servicio militar como instructor de natación en Fort Ord. Esto le permitió ahorrar unos dólares con los que pudo pagarse unas clases de arte dramático en Los Angeles College. Cabe destacar que fue fuertemente influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego fue famoso por su papel como actor en la serie El fugitivo, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada La vida de Ritley. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales, garantizadas cuarenta semanas al año de trabajo en sus estudios. En esa época los grandes estudios tenían una política llamada del Star-system, con la que se encargaban de formar y pulir a las futuras estrellas. En 1953, a los 23 años, se casó con Maggie Johnson, que sería la madre de sus hijos Kyle y Alison, y un año después debutó en una película llamada Revenge of the creature con el director Jack Arnold, repitiendo con él en la película Tarántula. El mismo año (1955), trabajó en películas como Francis in the navy o Lady Godiva. Pasó seis años trabajando en televisión, en una serie llamada Rawhide. Esto hizo que su innegable apostura y buen parecido se hiciera muy popular en los medios. Pero su gran salto a la fama fue en 1964, cuando Richard Harrison y James Coburn rechazaron el papel protagonista de Magnificent Stranger de Sergio Leone, rodada en Almería. La película acabó titulándose Por un puñado de dólares. Anecdóticamente, Eastwood tuvo que aportar su propio vestuario, comprando el poncho que sería famoso en las siguientes películas de Sergio Leone. Con los spaghetti westerns Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio (en Hispanoamérica Por unos dólares más) y El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad. En 1968 creó su propia productora, The Malpaso Company (más tarde Malpaso Productions), con la que ha realizado todas sus películas desde entonces. En su país, trabajó en esta primera época con actores de la talla de Richard Burton, Lee Marvin, Shirley MacLaine, Telly Savalas y Donald Sutherland, consagrándose como una estrella de acción del celuloide. Su imagen se hizo muy popular en extremo, a tal modo que muchos imitaban su forma de ser y solicitaban su autógrafo en todo lugar que fuere. En esa época, Eastwood gustaba además de pasear con un orangután como mascota. En 1971, decide dirigir su primera película, The Beguiled : The Story Teller, un documental sobre el rodaje del filme El seductor de Don Siegel, en el cual actuaba el papel principal. Ese mismo año, Don Siegel le ofrece el papel que marcará su carrera interpretativa, Harry el sucio, en el que retorna al hombre duro y sin piedad de las anteriores películas, pero convertido en agente de la ley. Más tarde vendría Harry el fuerte, una secuela de la serie. Por estas actuaciones Eastwood se consagró definitivamente estrella del cine y lo enmarcó como duro. En un principio se pensó que la interpretara John Wayne, pero no se atrevió, al pensar que podría ser negativo para su imagen por su polémica "violencia gratuita". Reavivando la pobre llama del western, realiza dos películas Joe Kidd e Infierno de cobardes, su segunda película como director. Por temor a ser encasillado de machista y de fascista tras protagonizar sus siguientes películas, Harry el fuerte y Harry el ejecutor, elige interpretar las películas Un botín de 500.000 dólares, Licencia para matar y El fuera de la ley. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, la ciudad donde reside habitualmente y un año después abandona el cargo por la falta de tiempo para realizar sus películas, pero ya como director y actor. Su vida sentimental sufre un brusco cambio al conocer a la actriz Sondra Locke, mientras rueda Ruta suicida, de la que terminaría enamorándose y provocando la ruptura con su esposa Maggie Johnson, después de 25 años de matrimonio. La relación sentimental entre Sondra y Clint, terminaría en 1989, debido a su romance con la también actriz Frances Fisher (Sin perdón o Titanic), con la que tendría una hija. Siete años después terminaría casándose con la periodista latina Dina Ruiz. Experimentando como director y evolucionando hacia una etapa más creativa realiza varias películas seguidas, interpretadas por el mismo, destacan Firefox, Impacto súbito, El jinete pálido y finalmente El sargento de hierro. Por su pulido y exitoso trabajo, en 1991 recibe el Premio Irving G. Thalberg a su trayectoria en la gala de entrega de los Premios Oscar. A partir de ese momento dirige una serie de películas que le convertirán en uno de los directores más destacados de los años 90: tras Bird y Cazador blanco, corazón negro, dirige la que algunos consideran su mejor película, Sin perdón (llamada también en Hispanoamérica Los imperdonables), que a la larga se convierte en clásico de los western, que fue galardonada con un Globo de Oro al mejor director y 4 Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor director siendo también candidato como mejor actor. En Un mundo perfecto se dirigió a sí mismo y compartió cartel con uno de los intérpretes de moda en ese momento, Kevin Costner, tras lo cual filmó Los puentes de Madison, donde su calidad interpretativa se reafirma compartiendo cartel con Meryl Streep. Dirige a su propia hija en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) y en el año 2000 junto a los renombrados actores, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner, protagoniza y dirige Space Cowboys, segunda película más taquillera de los Estados Unidos ese año. Mystic River, película que dirige en 2003, significa la vuelta de Eastwood al drama. Con esta película consigue seis candidaturas a los premios Óscar, entre ellas mejor película y mejor director, ganando dos premios (al mejor actor y al mejor actor de reparto). En 2004, dirige y protagoniza junto a Morgan Freeman Million Dollar Baby, una excelente película de corte dramático que reedita el éxito cosechado con Sin perdón, y que le hace ganar su segundo premio Óscar como mejor director, además de conseguir el premio a la mejor película. En 2006 vuelve a su faceta como director y dirige dos películas llamadas Banderas de nuestros padres (basada en la novela escrita por uno de los hijos supervivientes de la batalla) y Cartas desde Iwo Jima. La película Cartas desde Iwo Jima cuenta las experiencias de la Batalla de Iwo Jima desde los puntos de vista estadounidense y japonés respectivamente. Cartas desde Iwo Jima ganó el Globo de Oro 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Eastwood fue doblemente nominado al premio al mejor director, pero no le fue concedido.En 2008 escribió, dirigió y actuó en Gran Torino, seguido en 2009 de Invictus, y para 2010 está programada Hereafter.Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 3 puntos.

LA CARRETERA (THE ROAD)-Hernando Harb

viernes, 19 de marzo de 2010 en 14:35












Título: La carretera

Título original: The road

Dirección: John Hillcoat 1

País: Estados Unidos

Año: 2009

Duración: 119 min.

Género: Drama, Thriller, Ciencia ficción

Calificación: No recomendada para menores de 13 años

Reparto: Charlize Theron, Viggo Mortensen, Guy Pearce, Robert Duvall, Garret Dillahunt, Michael K. Williams, Molly Parker, Kodi Smit-McPhee, Brenna Roth, Jeremy Ambler, Bob Jennings, David August Lindauer, Jack Erdie, Aaron Bernard, Nick Pasqual, Jared Pfennigwerth, Mark Tierno, Matt Reese, Amy Caroline, Kacey Byrne-Houser, Cerise Weidner, Chris Sechler, Kyle Quinn, Kirk Brown, Shawn Rolly

Web: www.theroad-movie.com

Productora: 2929 Productions, Nick Wechsler Productions, Road Rebel, AEG Live


Es un filme que desconcertará de diversas formas a los espectadores críticos (incluidos). Estrenado en algunos países latinoamericanos como “El último camino”, hace honores a sus antecedentes. Desde el autor del libro original (ganador del Premio Pulitzer-2007) hasta el de su director, John Hillcoat, pasando por uno de los autores de la banda musical, el prestigioso Nick Cave, esta “carretera” debe ser transitada con algunas prevenciones.

Ante los anticipos publicados (publicidad acerca de una trama apocalíptica, con un menú centrado en el canibalismo y la violencia) muchos espectadores asistirán a la espera de un desarrollo (habitual) de efectos especiales del tipo de “2012” con exotismos desprendidos de supuestas profecías mayas, saldrán decepcionados. Ni qué decir de los aficionados al terror tan de moda en estos tiempos que no se caracterizan por su pacifismo a ultranza.

Es que “The Road” es un recorrido doloroso signado por la soledad y la consecuente angustia de un padre que intenta preservar a su pequeño hijo de los peligros que le amenazan en un mundo devastado surcado por los aislados gritos de hombres dispuestos a devorarse (literalmente) a una madre y a su hijo; o por las apariciones de un anciano enloquecido o por un negro perseguido y sospechoso que es abandonado sin ropas. Nada es esperanzador (tal vez el final sea cuasi-victorioso) y el todo de la trama se erige como un llamado de atención acerca de la condición humana, la ausencia de Dios y la imposibilidad de planear un futuro.

La escritora española Rosa Montero clasificaba a los escritores en memoriosos y amnésicos. Los primeros escriben su obra sobre la base de detalles puntillosos vividos o enriquecidos por la imaginación (esa “loca de la casa”). Los segundos prefería abandonar la puntillosidad de lo verificaba e insertarse en un microcosmos poblado de fantasmas que convierten su creación en un producto universal y alegórico). Dentro de esa categorización (irregular) no hay duda de que la novela del laureado McCarthy pertenece a los últimos. El canibalismo (casi sugerido) y el periplo cumplido por padre e hijo adquieren una simbología crispadota en esta actualidad que nos toca vivir tan lejos de las clásicas road movies o de las sugestivas referencias a viajeros espirituales al mejor estilo de Kerouac.

El ascetismo que le imprime John Hillcoat a su filme está completado por una fotografía en sepia y una banda sonora intencionadamente inadvertida. Es un director a tener en cuenta tanto por el mundillo de los oscarizados como por el de los pobladores del cine independiente (al cual pertenece).

No se puede obviar la excelencias de las interpretaciones de Robert Duball (casi irreconocible en su rol de viejo trashumante), Charlize Theron (como una madre enloquecida que -en apariencia- abandona a los suyos), Guy Pearce y Viggo Mortenssen (lejos de las sagas adolescentes y más cerca del astuto David Cronenberg.

En suma: será una lástima que este filme pase inadvertido en la cartelera argentina. Sería inmerecido en medio de un aluvión de historietas inspiradas en el sub-género de las “historias reales” tan en boga y en las que pocos ya creen.


1.-John Hillcoat es un guionista y director de cine australiano. Nació en Queensland pero fue criado en Hamilton (Canadá). De pequeño le gustaba mucho pintar y sus obras fueron presentadas más tarde en la Galería de Arte de Hamilton. En varias ocasiones trabajó con Nick Cabe y también con la banda Depeche Mode. Hillcoat escribió y dirigió su primer filme, Ghosts... of the Civil Dead en 1988, premiado en el Festival de Venecia con el Premio de los Estudiantes de la Universidad de La Sapiencia. En 1996 fue nominado en el Festival de Películas Románticas de Verano en el apartado de Mejor Película por To Have and to Hold (1996). Tras rodar un telefilme, Nick Cave and the Bad Seeds: Babe, I'm on Fire (2003), se adentró en su tercer proyecto y quizás el más destacado de todo su carrera: The Proposition (2005), un drama cargado de misterio y crímenes ganador de 13 premios. Hillcoat reapareció en 2009 con La carretera, protagonizada por Viggo Mortensen y Charlize Theron. La cinta fue nominada a los premios BAFTA en la categoría de Mejor Fotografía y a los Premios Satélite a la Mejor Dirección de Arte y al Mejor Diseño de Producción.


Hernando Harb

AJAMI de Aaron Shani y Scandar Copti-Arnaldo H.Corazza

domingo, 14 de marzo de 2010 en 7:20



















AJAMI
de Aaron Shani y Scandar Copti
Título original: Ajami.
Dirección: Scandar Copti y Yaron Shani.
Actores: Fouad Habash, Nisrine Rihan, Elias Saba y Youssef Sahwani. Guión: Scandar Copti y Yaron Shani.
Producción:
Moshe Danon y Thanassis Karathanos.
Compañías:
Inosan productions / Twenty Twenty Vision Filmproduktion GmbH / ARTE / Das Kleine Fernsehspiel / Vertigo Films.
Género:
Drama.
País: Alemania / Israel.
Duración: 120 min.
Idioma: Árabe/ Hebreo. Año: 2009.

El título “Ajami” viene del barrio epónimo donde se desarrolla la historia. Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti (residente de Ajami. Hasta la fecha, “Ajami” ha recibido varios Premios Ophir (a la Mejor Película, al Mejor Director, al Mejor Guión, al Mejor Montaje y a la Mejor Composición Musical), así como el premio Mención Especial Cámara de Oro del Festival de Cine de Cannes y el Premio Wolgin a la Mejor Película en el Festival de Cine de Jerusalén de 2009. Fue nominada alOscar 2010 junto con el secreto de tus ojos.Ajami es uno de los barrios más duros la ciudad de Jaffa. Omar y su hermano pequeño Nasri son el objetivo de la venganza de un clan criminal después de que su tío disparase a uno de sus miembros. La venganza puede terminar, pero es cara y Omar necesita juntar una gran cantidad de dinero de forma rápida. Malek trabaja de forma ilegal en un restaurante y también necesita dinero para poder pagar una operación a su madre. Dando es un policía israelita obsesionado por la desaparición de su hermano soldado. Los tres conviven en la misma zona y sus historias se entrecruzan inevitablemente.

No deja de sorprendernos el nuevo cine Israeli. Y nos sorprende cada vez mas no solo por la calidad de sus films, sino porque puedan contar historias de sus residentes, judios y palestinos sin referirse directamente a la guerra que sobrevive desde hace años en la region. Los directores son uno judio, y otro palestino que vive en Ajami un barrio de la ciudad de Jaffa. Los actores no son profesionales, sino que son habitantes de Ajami. Los conflictos sin referirse a la guerra, refieren cabalmente la situacion social del barrio. Es un film impecable, fuerte, desgarrante, pero a su vez inteligente, bien narrado. Yo creo que es imprescindible verla, y reitero que el cine israeli, con vertiente judeo-palestionas, me sigue sorprendiendo, por la creatividad y calidad de sus films.

Puntos de 1 a 5: 4 puntos

EL SECRETO DE TUS OJOS GANO EL OSCAR

martes, 9 de marzo de 2010 en 8:08


El film de Campanella ganó el Oscar a la mejor película extranjera. Ya hemos opinado sobre este film en este espacio, por lo que no nos reiteraremos en su análisis. Es importante para en Cine Argentino, y tambien importante por sus efectos económicos para la producción de esta película. Nuestas felicitaciones

AFTERPLAY de Brian Friel-Arnaldo H.Corazza

domingo, 7 de marzo de 2010 en 7:22










AFTERPLAY

de Brian Friel
Teatro El Andamio
Parana 660 - Ciudad Autonoma de Buenos Aires

Afterplay (Sonya y Andrey)
Elenco: LIDIA CATALANO, MIGUEL MOYANO.
Dirección: MARCELO MONCARZ
Traducción: VILMA FERRARI
Adaptación: MARCELO MONCARZ
Diseño de iluminación: OMAR POSSEMATO
Escenografía y vestuario: CECILA STANOVNIK
Fotografía: VALENTINA MORISOLI
Derechos adquiridos a: F&F LITERARY AGENCY, Fernando Masllorens y Federico González del Pino

Los personajes se encuentran en un decadente café de Moscú. Con frases simples, sin grandes elocuencias, comparten una parte de su historia. Viven un pequeño e intenso tiempo en compañía, en la forma de un casi enamoramiento.

La obra transcurre en una mesa de Cafe de Moscu, en los que los personajes casi no se mueven de sus asientos. Debo reconocer, la dificultad en la puesta en este tipo de obras que se desarrolla en el diaologo de dos personas, aunque me sigue pareciendo poco imaginativa, còmoda, sin arriesgar nada en lo visual. Obviamente esta circunstancia convierte a la obra en monotona por momentos, y sin sorpresas. A Lidia Catalano, actriz estupenda, por cierto le he visto trabajos muy superiores. Me dio la sensaciòn que solo puso en el escenario su oficio, y nada mas. Mas creible por momentos la actuaciòn de Miguel Moyano. La escenografia esta a tono con esta puesta resignada. El espectaculo empero, es recomendable.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos

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