Título original: Días de gracia
Director: Everardo Gout.
Actores: Tenoch Huerta, Dolores Heredia, Carlos Bardem, Kristian Ferrer.
Guión: Everardo Gout.
Producción: Adriana Bello, Leopoldo Gout, Everardo Gout.
Género: Drama.
Compañía: ARP Sélection / Artecánica Producciones
País: México / Francia
Duración: 128 min.
Idioma: Español.
Año: 2011.
Fecha de estreno en México: 13 de agosto de 2012

Ciudad de México, 2002, 2006, 2010. Un policía, un rehén, una esposa. Corrupción, violencia, venganza. Tres destinos, durante 30 días, durante tres mundiales de fútbol. Tres maneras de luchar para sobrevivir...

En Días de gracia, la violencia por la que Mexico atraviesa es retratada con tres historias que se ubican en los mundiales de fútbol de 2002, 2006 y 2010; un policía, un rehén y una esposa. Es un film violento y realista, que pretende relatar la realidad social y la criminalidad en ciuydad de Mexico. Es la opera prima del director Everardo Gout, y si bien no es un gran film, la propuesta no es deshechable.Trata el tema de la corrupcion policial, los secuestros, la droga, aunque ninguno de estos temas con demasiada profundidad. Se tratan simplemente como una realidad sin indagar o investigar las causas. Las actuaciones aceptables, destacandose la del joven Kristian Ferrer. De todos modos, es un film mexicano que se puede ver.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos
ARNALDO H.CORAZZA

Título internacional: Private lives.
Dirección: Fito Páez.
Países: España, Argentina.
Año: 2001.
Duración: 96 min.
Interpretación: Cecilia Roth (Carmen Uranga), Gael García Bernal (Gustavo), Luis Ziembrowski (Alejandro), Dolores Fonzi (Ana), Chunchuna Villafañe (Sofía), Héctor Alterio (padre), Carola Reyna (Roxana), Lito Cruz (Rodolfo).
Guión: Alan Pauls y Fito Páez.
Música: Rodolfo Gandini y Fito Páez.
Fotografía: Andrés Mazzon.
Montaje: Fernando Pardo.
Ambientación: Marta Motta.
Dirección artística: Jorge Ferrari.
Vestuario: Ana Markarian.

Narra la historia de una mujer que vuelve a Argentina desde España, por la enfermedad de su padre. Se trata de una antigua exiliada, perteneciente a una familia de alto nivel, pero que fue torturada en la Escuela de Mecánica de la Armada tras el golpe militar, hasta que las influencias de su padre lograron salvarle la vida y enviarla al exilio en España.

Despues de ver este film, no hay dudas que Fito Paez es un gran musico. Y seria bueno que se dedique a la musica, sin distracciones. El film es horrible, y no se salva ni el gran eleco de actores de trabajan en el film. Solo Gael Garcia Bernal compone un personaje creible. El film, con componentes de dictadura en el medio, sin profundizar demasiado, tiene pocos aspectos rescatables. Es lo mas parecido a una telenovela mexicana. 
La musica crispada, me parecio espantosa.  La verdad, es que prefiero no seguir analizando el film, en un rapto de generosidad que me ha atacado. Es caso un acto de masoquismo seguir viendo algunos films argentinos, despues de tanto tiempo de no hacerlo. Ni se les ocurra verla.

Puntos de 1 a 5: 1 punto
ARNALDO H.CORAZZA

La mujer sin cabeza (2007)
Pais: Argentina, España
Fecha de Estreno: 21 de agosto de 2008
Intérpretes: María Onetto: Verónica
Claudia Cantero: Josefina
César Bordón: Marcos
Daniel Genoud: Juan Manuel
Guillermo Arengo: Marcelo
Inés Efrón: Candita
Alicia Muxo: Pía Uribelarrea
María Vaner: Tía Lala
Guión y Dirección: Lucrecia Martel
Productora Ejecutiva: Verónica Cura
Productores: Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Esther García, Verónica Cura, Enrique Piñeyro, Lucrecia Martel, Marianne Slot, Vieri Razzini, Cesare Petrillo, Tilde Corsi;
Dirección de Fotografía: Bárbara Alvarez
Dirección de Arte: María Eugenia Sueiro
Dirección de Sonido: Guido Beremblum
Edición: Miguel Schverdfinger
Jefe de Producción: Juan Pablo Miller
Casting: Natalia Smirnoff
Vestuario: Julio Suárez
Maquillaje: Marisa Amenta
Peinados: Alberto Mocchia

Una mujer maneja por la ruta. En una distracción atropella algo. Los días siguientes a este incidente, ella no reconoce los sentimientos que la unen a las cosas y a las personas. Sólo se deja llevar por la vida social. Una noche ella dice a su marido que ha matado a alguien en la ruta. Recorren la ruta pero sólo hay un perro muerto, y amigos allegados a la policía confirman que no hay información de un accidente. Todo vuelve a la calma y el mal momento parece superado, hasta que la noticia de un macabro hallazgo preocupa nuevamente a todos.

Lei que el el festival de Cannes de la epoca, en su primera exhibicion para la critica especializada, fue abucheada. Por lo que veo, creo que merecidamente. Advierto sin embargo que el film en nuestro pais, ha recibido criticas asombrosas, con elogis hacia su directora como si compusiera obras de arte. Es el primer film que veo de Martel, por lo que no creo prudente emitir una dura opinion sobre la directora. El film ma parecio aburrido, sin ninguna profundidad en los personajes, con solo una pintura de la burguesia del noroeste Argentino,tambien no demasiado profunda. Maria Onetto es casi la protagonista excluyente, y su trabajo resulto espantoso, sin variantes en sus dinstintos estados de animo, y con la misma cara para distintos momentos.  No la recomiendo.

Puntos de 1 a 5: 1 punto
ARNALDO H.CORAZZA

Titulo: La profesora de piano
Dirección: Michael Haneke.
Países: Austria, Francia.
Año: 2001.
Duración: 130 min.
Interpretación: Isabelle Huppert (Erika Kohut), Benoît Magimel (Walter Klemmer), Annie Girardot (la madre), Anna Sigalevitch (Anna Schober), Susanne Lothar (sra. Schober), Udo Samel (Dr. Blonskij), Cornelia Köndgen (Mme Blonskij).
Guión: Michael Haneke; basado en la novela de Elfriede Jelinek.
Producción: Veit Heiduschka.
Música: Pacal Chauvin.
Fotografía: Christian Berger.
Montaje: Nadine Muse y Monika Willi.
Diseño de producción: Christoph Kanter.
Vestuario: Annette Beaufays.
Decorados: Hans Wagner.

"La pianista" se centra sobre una rigurosa profesora de música con una fuerte represión sexual en parte provocada por su familia, un padre internado en un manicomio y una madre histéricamente posesiva. Cuando un joven alumno se enamore de ella, Erika intentará liberar sus instintos sexuales de formas totalmente fuera de la norma, sin conseguir satisfacer en ningún momento sus deseos. Su inadaptación al mundo normal en cuestiones de sexo acabará desembocando en una tragedia.

2001: Cannes: Gran Premio del Jurado, Mejor actriz (Huppert) y Mejor actor (Magimel)
2001: Nominada Premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa

El film es fantastico. Una profesora de piano vive en una relacion enfermiza con su madre, una verdadera perversa que enamora a un alumno adolescente. El film de Haneke, es atrevido, agaresivo, perturbador,pero contado y filmado de un modo superlativo. Es admirable el manejo de la cámara, y la creacion insuperable de los climas de un guion, nada facil, por cierto. Excelente la actuacion de la celebre Annie Girardot en el papel de la madre.Una actuacion insuperable, quizas la mejor de su carrera de la gran actriz que es Isabelle Huppert. Y muy buena la actuacion de Benoit Magimel en el papel del alumno.  No es un film facil, y por cierto perturbador, aunque manejado con delicadeza y maestria por su director. Deben verla.

Puntos dem 1 a 5: 5 puntos
ARNALDO H.CORAZZA 




1- Michael Haneke (23 de marzo de 1942 en Múnich, Baviera, Alemania) es un director y guionista de cine austriaco conocido por su estilo sombrío y turbador. Sus películas a menudo tratan problemas de la sociedad moderna, y suelen causar controversia. Haneke ha trabajado en televisión‚ teatro y cine. En 2005 obtuvo el premio a la mejor dirección por su película Caché en el Festival de Cine de Cannes, así como el premio de la FIPRESCI y el premio del Jurado Ecuménico del mismo festival. Ese año Caché sería la gran triunfadora en los Premios del Cine Europeo con cinco galardones, entre ellos los de mejor película y mejor director. El 24 de mayo de 2009 obtiene la Palma de Oro en la 62ª edición del Festival de Cannes por su trabajo Das Weiße Band (la cinta blanca), premio que volvería a ganar 3 años después, el 27 de mayo de 2012 en la 65ª edición del Festival con Amour. En 2012 Europa se rinde ante el director, otorgándole cuatro premios en la gala del cine europeo
Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz austriaca Beatrix Degenschild. Haneke creció y se crio en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia de su madre en el campo. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la Universidad de Viena para estudiar filosofía, psicología y drama después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la música. Después de graduarse en 1965, se convirtió en un crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y dramaturgo en la estación televisiva del sur de Alemania Südwestfunk. Como dramaturgo dirigió varias producciones escénicas en Alemania, entre ellas obras de Strindberg, Goethe y Heinrich von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.
Desde 2002 ejerce como profesor de Dirección en la Academia de Cine de Viena, Austria, donde reside habitualmente. En sus clases -dos veces por semana- intenta transmitir sus conocimientos fílmicos a sus estudiantes, haciendo especial hincapié en la dirección de actores, ya que para él es la base de la credibilidad real y emocional total de una escena.
Desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart sus producciones más notables.
Michael Haneke está casado desde 1983 con la propietaria de un negocio de antigüedades de Viena. Él mismo describe a su mujer como su crítico más agudo e importante de su trabajo.
La película comercial en que Haneke debutó fue El séptimo continente de 1989, que sirvió para trazar el estilo violento y grueso que florecería en los años siguientes. Tres años después, la controvertida El Video de Benny colocó el nombre de Haneke en el mapa. El gran éxito de Haneke llegaría en 2001 con su película más aclamada por la crítica La pianista. La película ganó el prestigioso Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y también ganaron sus protagonistas, Benoit Magimel e Isabelle Huppert, los premios de mejor actor y actriz. Ha trabajado con Juliette Binoche en dos ocasiones, después de que ella expresase interés en trabajar con él. Una de esas películas fue Caché, película en donde el director ganó el premio a Mejor director en Cannes y a Mejor película en la ceremonia de Premios del Cine Europeo
En el 2007, debutó en el mercado norteamericano, con el remake de su película Funny Games, que fue producida por la actriz Naomi Watts, quien también actuó en esta película. En el 2009 logra ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película La cinta blanca, película que ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y a mejor fotografía en los premios Oscar.
Haneke se declara admirador de los directores de cine Kiarostami and Bruno Dumont.
Haneke deconstruye las estructuras narrativas tradicionales para lograr un distanciamiento brechtiano. Su provocativa forma de narrar busca sobre todo hacer pensar al espectador y sacarle de sus cómodas convenciones cinematográficas situándole en encrucijadas donde todo es posible. En ese sentido, el precedente de Michelangelo Antonioni ha sido fundamental para él.

Son una llamada a un cine que aporte insistentes cuestiones en lugar de respuestas falsas (por lo excesivamente rápidas), que clarifique las distancias en lugar de violar la cercanía, que abogue por la provocación y el diálogo en lugar de la consunción y el consenso.

Rechazando lo que considera convenciones estándar de tiempo, construcción del suspense y continuidad lógica, Haneke no teme llegar a ser aburrido, irritante o frustante. Sus películas son consideradas como muy inmediatas y realistas sin ser simplistas. Es muy posible que trate acerca de una sociedad que no sabe cómo amar —o en todo caso cómo odiar— y sus películas son en diversos modos un intento por afinar los sentimientos del público y sus respuestas hacia el mundo. El ritmo de sus filmes es lo más particular: no necesita extender más de lo ordinario la duración de sus narraciones (generalmente sin verdaderas intrigas) o sus planos, incluyendo en la mayor parte de sus obras periodos de inacción, de vacío, de frustración y de irritación. Es, sobre todo, en la representación de la violencia en lo que el cineasta innova, sin estilizarla ni volverla espectacular. Sin exuberancia, la barbarie aparece en la progresión dramática misma de cada uno de sus filmes de manera estructural. Es, por otra parte, a menudo más sugerida que verdaderamente mostrada, manifestada sin subrayado alguno y generalmente jamás está justificada o motivada, lo que vuelve su puesta en escena aún más seca y brutal. De manera implacable el realizador busca sin cesar poner al espectador en una situación incómoda, alterando las maneras tradicionales y su manera de percibir o de recibir una obra cinematográfica. Deseando provocar reacciones vivas y emotivas, Haneke intenta interrogar sobre la responsabilidad del testigo ante las escenas expuestas, planteando cuestiones de orden social, político, histórico, cultural o moral sin jamás aportar respuestas claramente establecidas. Un trasfondo cultural y filosófico denso se percibe detrás de cada una de sus obras.
Entre sus temas recurrentes están:

• La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa, como se ve en Funny Games y en Caché;
• Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión, como sucede en Funny Games, donde algunos de los personajes son conscientes de pertenecer a una película.
• La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro, presente en Benny´s Video y Caché.
• Imágenes de maltrato animal: El director defiende que al espectador de cine le impresiona más la muerte de un animal que la de una persona, pues da por hecho que la muerte de la persona es ficticia. Para conseguir mayor impacto, en muchas de sus películas incluye escenas en las que aparece la muerte de un animal. En la mayoría de los casos es ficticia, así ocurre con uno de los caballos en El tiempo del lobo, entrenado para caer; sin embargo la muerte de otro caballo es real, filmado en un matadero donde se iba a sacrificar, ya que Austria no se permite el maltrato gratuito de animales. En El séptimo continente aparece la muerte de un pez, pero es ficticia ya que el pez fue de nuevo introducido en el agua.² En El vídeo de Benny, el protagonista graba como disparan a un cerdo en la cabeza (escena real), la cual es rebobinada y puesta a cámara lenta, y aparece de nuevo en varias ocasiones de la película. En Caché el protagonista tiene un sueño en el que se decapita a una gallina, y ésta sigue dando saltos después de decapitada; escena también real.^{[cita requerida]}

• 1989 Der siebente Kontinent - El séptimo continente
• 1992 Benny's Video - El video de Benny
• 1994 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls - 71 fragmentos de una cronología del azar
• 1995 Der Kopf des Mohren - La cabeza del moro (guion)
• 1997 Funny Games
• 1997 Das Schloß - El castillo
• 2000 Código desconocido
• 2001 La Pianiste - La pianista. Adaptación de la novela La pianista de la autora austriaca Elfriede Jelinek. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.
• 2003 El tiempo del lobo
• 2005 Caché o Escondido Premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo 2005
• 2007 Funny Games, remake U.S.
• 2009 Das Weiße Band- La cinta blanca. Palma de Oro en el Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película extranjera.
• 2012 Amour. Oscar a mejor película de habla no inglesa. Palma de Oro en Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa.

 Fuente Wikipedia

Película: Golpe de efecto. 
Título original: Trouble with the curve. 
Dirección: Robert Lorenz.  
País: USA.  
Año: 2012.  
Duración: 111 min.  
Género: Drama.  
Interpretación: Clint Eastwood (Gus Lobel), Amy Adams (Mickey Lobel), Justin Timberlake (Johnny), John Goodman (Pete Klein), Matthew Lillard  (Phillip Sanderson), Robert Patrick (Vince), Joe Massingill (Bo Gentry), Scott Eastwood (Billy Clark).  
Guion: Randy Brown.  
Producción: Clint Eastwood, Robert Lorenz y Michelle Weisler. 
Música: Marco Beltrami.  
Fotografía: Tom Stern.  
Montaje: Joel Cox y Gary Roach.  
Diseño de producción: James J. Murakami.  
Vestuario: Deborah Hopper.  
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.  
Estreno en USA: 21 Septiembre 2012.

Un veterano ojeador de béisbol de edad avanzada (Clint Eastwood), que está perdiendo poco a poco la vista, viaja con su hija (Amy Adams) hasta Atlanta para observar a un joven talento. Las relaciones entre padre e hija son bastante conflictivas

Debut en la dirección de Robert Lorenz, ayudante de dirección de Eastwood, con quien trabajó en 'Los puentes de Madison', 'Mystic River' y 'Million Dollar Baby'. Es un film que apela a constantes golpes bajos de sentimentalismo. Si,  esta basada en la muy buena actuacion de Clint Esatwood, que si bien simpre hace de Clint, pero lo hace maravillosamente bien. Es muy poco para conformar una buena pelicula, sin embargo, pese a ser un poco larga, resulta entretenida, aunque obvia, ya que siempre se sabe lo que va a ocurrir. Siempre. Y un final superfeliz, al mejor estilo del cine americano. De todos modos se puede ver, y de a ratos entretiene.

Puntos de 1 a 5: 3 puntos
ARNALDO H.CORAZZA