MEIN FÜHRER (Alemania 2007) Hernando Harb

sábado, 12 de junio de 2010 en 8:03
















MEIN FÜHRER

Título original: Mein Führer

Origen: Alemania 2007

Género: Sátira

Dirección, idea y guión: Dani Levy

Intérpretes: Helge Schneider (Adolf Hitler) – Ulrico Mühe (Adolf Grünbaum) – Silvestre Groth (Goebbels) – Adriana Altaras (Elsa Grünbaum) – Ulrico Noethen (Himmler) – Udo Froschwald (Tte. Gral. Rattenhuber) – Shawn Karlbor (Adam Grünbaum)

Fotografía (en colores y blanco y negro): Carl-F. Koschnck

Montaje: Meter R. Aram

Música: Nicki Reisser

Duración en la Argentina: 95’

Duración en Alemania: 89’

Duración en USA: 89’

Fecha de estreno en la Argentina: 17 de diciembre de 2009

Lanzamiento en dvd en la Argentina: mayo de 20010

Calificación: Sólo para mayores de 13 años


No gustó ni a tirios ni a troyanos. Por el mismo motivo: la figura de Adolf Hitler. Es que el dictador aparece como un payaso enfermizo y pusilánime, psicología que no conformó en Israel ni en Alemania, donde el filme del judío suizo-alemán Daniel Levy – el de la interesante Good by, Lenin!- intentó presentar al dictador de un modo satírico, casi inverosímil, para remarcar un probable probable culpable a su ascenso al poder: el mismísimo pueblo alemán, hipnotizado, capaz de no escuchar –pero sí oír- las arengas del hombrecito del bigotito.

Intención evidenciada en los tramos finales que combinan las imágenes de ficción con las de documentales que fotografían a masas enfervorizadas capaces de no reconocer la derrota del nazismo en un desfile llevado a cabo en diciembre de 1944. Levy señala conductas masivas y culposas, pero no se atreve a analizarlas. Parece dejar la tarea al espectador contando con la notable cooperación del montajista Niki Reisser y del fotógrafo Peter R. Adam. Tal vez en esa ausencia resida el porqué de la reacción de algunas audiencias y del cercenamiento de varios minutos de montaje, pasibles de molestar espíritus más o menos sensibles, incapacitados de comprender los propósitos de un director que optó por señalar y no por profundizar un relato que bordea la comedia y ridiculiza un período negro de la historia mundial.

El entorno de Hitler asiste a la próxima caída del régimen y a la decadencia mental de su líder, justo cuando se prepara un desfile donde el maestro debe pronunciar un discurso triunfalista ante una masa conformada por rubicundos niños, mujeres y hombres lanzando prestos a vitorear al creador de la guerra total. La solución está en recurrir a un profesor de interpretación, Adolf Grünsbaum, un judío instalado con su familia (esposa y tres hijos) en Auschwitz.

Lo convencen siempre que dejen en libertad a sus parientes, lo que Goebbels y compañía aceptan con tal de operar el milagro de normalizar a un Hitler infantil. Las clases se realizarán en las oficinas de Hitler, las que están calcadas de The great dictador (Charles Chaplin, 1940) donde el admirable mimo Carlitos se burlaba jugando con un mapamundi de los delirios mesiánicos del alemán.

Los dos Hitler sostienen cierta empatía derivada de la relación maestro-dicípulo. A no asustarse, era inevitable que surgiera ese vínculo circunscrito temporariamente a un ámbito a los que parecen no llegar los ecos bélicos que aún persisten en las tareas de los que observan detrás de un espejo cómo Grünbaum domestica al otro Adolf, hasta casi transformarlo en un muñeco sin delatar su proyecto develado al final del filme.

La arriesgada escena que provocó ciertas iras y estupor en el Festival de Cine Judío de junio de 2009 muestra al dictador, asustado por sus miedos interiores, recurriendo a la protección del matrimonio judío, que duerme en una pobre habitación de un sótano junto con sus hijos: Hitler se acuesta en medio de los cónyuges que se cuestionan si es momento de matarlo y ante la silenciosa mirada de Adam, el hijo mayor que ataca la claudicación (se verá que es aparente) de su padre. No es para menos. Ver al líder disfrutando del calor del lecho matrimonial de dos judíos ex prisioneros en un campo de concentración no resulta fácilmente digerible. Pero Levi la desarrolla en una impecable secuencia con cautela creativa y una coreografía de imágenes donde la tragedia y la comedia negra se ensamblan provocando lástima temporaria.

Párrafo aparte para las mágníficas labores de Ulrico Mühe del actor –fallecido en 2009- de La vida de los otros –ese notable filme que denuncia el fracaso del comunismo- y de Helge Schneider, un músico alemán que caracteriza con mesura al dictarzuelo de marras.

No es una gran película. Pero sí una visión que merecía verse y no dejarse llevar por la intolerancia. El profesor Grünbaum merecía una comprensión justificada por un final (que conviene no develar) digno de una sátira que pudo ser magnífica si su realizador se hubiese olvidado de ciertos pruritos y hubiera convocado a una imaginación sin convocar a censuras que conviene superar, sin que esto signifique olvidar lo ajusticiable. Pero se trata del arte y sus alcances.


HERNANDO HARB

SARABAND Ingmar Bergman-Arnaldo H.Corazza

lunes, 7 de junio de 2010 en 7:06

















SARABAND

Ingmar Bergman


Dirección y guión:
Ingmar Bergman.
País:
Suecia.
Año: 2003.
Duración: 107 min.
Género: Drama.
Interpretación:
Liv Ullmann (Marianne), Erland Josephson (Johan), Börje Ahlstedt (Henrik), Julia Dufvenius (Karin), Gunnel Fred (Martha).
Producción: Pia Ehrnvall.
Fotografía: Raymond Wemmenlöv, Per-Olof Lantto, Sofi Stridh, Jesper Holmström y Stefan Eriksson.
Montaje: Sylvia Ingemarsson.
Dirección artística: Göran Wassberg.
Vestuario: Inger Pherson.
Estreno en Suecia: 1 Diciembre 2003.
Estreno en España: 18 Noviembre 2005.


Casi como arte de magia, el día sabado a la tarde, en el canal de cable MAX, pasaron SARABANG en último film de Ingmar Bergman. Realizada para la TV sueca, con 10 capitulos y un epílogo, en formato digital, y luego llevada al cine, Bergman nos dá nuevamente muestra de su arte inigualable. Algunos cronistas han dicho que no hay nada nuevo en este film de Bergman, y es cierto, pero este mas de lo mismo esta volcado en una muestra de arte insuperable. El incesto, las relaciones posesivas, el odio, la imposibilidad del amor, y...la muerte. Cuatro personales centrales
Johan (Erland Josephson) y Marianne (Liv Ullmann), un hijo de Johan y su nieta. Tanto Erland Josephson como Liv Ullmann actores preferidos del Bergman nos brindan actuaciones memorables. repiten tanto los films en los canales de Cable, que sugiero no dejen pasar la oportunidad de verla, no solo no se arrepentirán, sino que llevaran siempre consigo una muestra del talento de este maestro del cine contemporaneo. El titulo del film deriva de Saraband de la suite No. 5 para violonchelo solo de Juan Sebastian Bach, y que brinda la música de la película.

Puntos de 1 a 5: 5 puntos


LEGION DE ANGELES de Scout Stewart -HERNANDO HARB

domingo, 6 de junio de 2010 en 17:29















LEGIÓN DE ÁNGELES

Título original: Legion

Estados Unidos, 2010

Género: Suspenso

Director: Scout Stewart

Guión: Meter Schnik – Scout Charles Stewart

Fotografía (en colores): John Lindley

Música: John Frizzell

Montaje: Steve Kemper:

Productores: David Lancaster, Michel Litvak, Marc Sadegh

Intérpretes: Paul Bettany (Arcángel Michael) – Lucas Black (Jeep) – Adrianne Palicki (Charlie) – Dennos Quaid (Bob) – Kate Walsh (Sandra) – Jon Kennedy (Howard) – Tyresse Gibson (Kyle)

Duración original: 92’

Estreno en Argentina: 3 de junio de 2010

Calificación: No apta para menores de 13 años


Este segundo largometraje de Scout Stewart (encargado de efectos películas de exitosas superproducciones) dicen que provocó las iras de algunos grupos cristianos. Una pérdida de tiempo que merecía mejores objetivos. Hay gentes que merecen el perdón divino, no san lo que hacen.

La historia casi bizarra sino fuera por la millonaria producción y el despliegue de sonido comienza con el mismísimo Arcángel Miguel robando en una corrompida Los Ángeles un armamento. Luego de matar a dos policías se va con dos bolsos cargados rumbo a un restorán perdido en un desierto de USA cuyo nombre es (prevención de los guionistas) Paradise Falls con el fin de ayudar a una camarera que está a un mes de dar a luz. Bueno, es una madre soltera que desconoce quién es el padre del bebé y cuyo compañero de trabajo (Jeep, un bobalicón enamorado hasta el punto de prohijar al que se asoma al mundo en latitudes tan solitarias) es el hijo del dueño del local (Bob, marido abandonado, comerciante quebrado).

El plan del alado Miguel se explica. Dios está enojadísimo con la raza humana (una voz femenina en off se encarga de decir –al comienzo y al final del filme- que los hombres han terminado por hacer del mundo un basurero sin arreglo, en verdad no dice basurero, puesto que es una divinidad aggiornada al léxico de estos tiempos.

La gente del restorán recibe algunas visitas antes de la del alado personaje: un matrimonio con hija adolescente ninfómana y el auto descompuesto, un negro delincuente, una dulce ansiada que resulta ser una adicta a la carne humana y que se trepa por las paredes como una mujer araña, y una invasión de moscas provenientes no de precisamente de Egipto, a la que le seguirá una plaga (más peligrosa) de especímenes humanos dispuestos a aniquilar a los reclutados por azar en el boliche (incluido un negro cocinero que lee la Biblia con mucho afán).

Pero llega el Arcángel (quien se ha despojado de sus alas) con sus armas y una decisión: convertirse en el ángel rebelde porque no acepta las órdenes del Supremo Arquitecto (terminar con los terráqueos por pecadores irredimibles).

Si el bebé de la mesera nace, la orden del Altísimo se va al infierno y los colegas alados (presididos por un musculoso Gabriel) fracasarán. Miguel es un personaje de cómic capaz de disparar a los caníbales que invaden el lugar con ferocidad imaginativa: hay un rubicundo niño con voz de ultratumba que prefiere prenderse al cuello de un humano antes que saborear un chupetín.

Es fácil imaginar lo que sigue. Abundan los gags humorísticos para aliviar algún derrame de sangre: hay una nena con globo de cumpleaños no vegetariana, el dueño del local se manda un buen chiste antes de morir) y algún guiño cinéfilo: el televisor se descompone justo cuando James Stewart indaga por un ángel en la optimista ¡Qué bello es vivir!.

Legión de ángeles no pretender ser más que un entretenimiento con final abierto y asperjado de incienso. Al final Dios sabe lo que hace y comprende que la bondad vale más que un par de majestuosas alas. Y los arcángeles son hermanos al final, aunque se peleen por cumplir las consignas del enojado Padre.

Hay suspenso por doquier, cánticos religiosos como fondo, mucha sangre y hasta la presencia a medianoche de una camioneta que –altavoz mediante- vende ice creams. El heladero de medianoche (un avejentado Josh Stamberg) resulta ser un muerto viviente, como era de esperar.

Si el boicot de los grupos religiosos hubiera sido exitoso, una legión de adolescentes y adultos adictos a estos platos fuertes se habrían privado de una de suspenso y hasta echar una hojeado al Libro de los Libros, aunque más no sea el salmo que precede a esta ficción coloreada con el rojo que deben tener los exponentes de un género que promete invadir las pantallas (hasta en tridimensional). A prepararse. Así sea.


Hernando Harb

UNA VIEJA AMANTE de Catherine Breillat -Arnaldo H.Corazza

sábado, 5 de junio de 2010 en 17:07






















UNA VIEJA AMANTE
de Catherine Breillat
(1)

Título:
Una vieja amante Título original: Une vieille maîtresse País: Francia, ItaliaEstreno en USA: 07/10/2007Estreno en España:
Productora: Flach Film Director: Catherine Breillat Guión: Catherine Breillat, basado en la novela homónima de Jules-Amédée Barbey d’Aurevilly Reparto: Asia Argento, Fu’ad Ait Aattou, Roxane Mesquida, Claude Sarraute, Yolande Moreau

París, 1835. Para sobrellevar las inquietudes de la época, la nobleza se lanza a un juego de "amistades peligrosas" (medio siglo después de la publicación de la novela epistolar de Choderlos de Laclos), creyéndose todavía en el Siglo de las Luces. La Marquesa de Flers, decide casar a su hija pequeña, flor de la aristocracia francesa, con Ryno de Marigny, una especie de Valmont romántico. Pero lo que nadie sabe es que este Don Juan, impenitente es, desde hace diez años, amante y presa de una cortesana escandalosa, un demonio de la seducción, hija natural de una duquesa y un torero.

La directora francesa Catherine Breillat ha adaptado para esta película de una novela de Barbey d'Aurévilly del siglo XIX. Es un film de epoca que relata las viscicitudes de un trio amoroso, Ryno, su esposa y su amante. En el papel de la amante Asia Argento -la hija del Director Dario Argento- hace una buena composición, aunque bastante sobreactuada. El film esta bien filmado, acompañado por una buena música, aunque ya hemos dicho que la lentitud no es un pecado en el cine, se torna insoportable cuando las escenas se van tornando obvias y previsibles. La ambientación de la época es impecable. La crudeza de las escenas sexuales de los films de Breillat, no aparecen en este film. Los actores, no se si por influencia de la directora, o por sus propias limitaciones, aparecen como frios, sin explicitar emociones. En fin el film es un Breillat distantes de otros de sus films. Si biern no es un gran film, se puede recomendar para un ssbado a la tarde lluvioso.

1.-
Catherine Breillat directora de cine radicada en París, reconocida por su trabajo documental basado en las problemáticas de la sexualidad, los problemas del género y la competencia de la hermandad, también se destaca por sus novelas. Catherine Breillat es controvertida por la manera en como presenta la sexualidad. En 1999 trabajó con el actor porno Rocco Siffredi, en el film titulado Romance, considerado uno de los primeros filmes con escenas de sexo real que se destinaron al circuito del cine comercial.

1976: Une vraie jeune fille
1979: Tapage nocturne
1988: 36 Fillette (Lolita' 90)
1991: Sale comme un ange
1995: À propos de Nice, la suite
1996: Parfait Amour !
1999: Romance
2000: À ma sœur!
2001: Brève traversée
2002: Sex is Comedy
2004: Anatomie de l'enfer (Anatomía del infierno)
2007: Une vieille maîtresse
2009: Barbe bleue / Bad love
Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 2 puntos

ROMA CIUDAD ABIERTA de Robeto Rossellini -Arnaldo H.Corazza

viernes, 4 de junio de 2010 en 16:02




















ROMA CIUDAD ABIERTA
de Robeto Rossellini (1)

Título Original:
Roma Citta Aperta
Año:
1945
País de Orígen:
Italia
Formato:
avi
Duración:
1h 37m 55s
Idioma:
Italiano
Subtítulos: Español
Direccion:
Roberto Rossellini
Elenco:
Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Plagiero, Nanda Bruno y Harry Feist.


En la Roma de 1943 - 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la resistencia antinazi. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijito. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -éste traicionado por su ex amante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.


Es uno de los films que marca el comienzo del neorrealismo italiano. Fue filmada en 1945 sobre hechos que acaecieron en 1943/44. Esta contemporaneidad con los hechos le trajo a la pelicula de Rossellini muchos problemas, siendo prohibida en Italia y Alemania, y hasta en la Argentina en el año 1947. Pese a todo ganó la palma de oro del Festival de Cannes en 1948. Es un film de denuncia respecto de los hechos de la Roma ocupada por los nazis, y podrá cuestionarsele muchas cosas, pero el film se traduce en un relato de alto dramatismo, casi con formato documental, con una clara reivindicación de los valores éticos. Es muy dificil valorar la honestidad y valentía intelectual de Rosellini despues de mas de 50 años, pero este film fué filmado apenas terminada la segunda guerra mundial, es casi contemporanea a los hechos denunciados y filmada con un realismo y convicción que asombran. Es un gran film, que cuenta con interpretaciones magníficas como la Ana Magnani, y Aldo Frabrizi en el papel del cura. Marcó un rumbo en el cine italiano de la época, dando sin duda nacimiento a la etapa fecunda del neorealismo italiano. Es un film indispensable, para los amantes del cine.

1.-Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre construyó el primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas), garantizando a Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto trabajó como técnico de sonido en películas, y por algún tiempo pudo trabajar en varios campos relacionados con la creación de películas, ganando competencia en cada uno. En 1938 giró su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra pilota, una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Santis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (1941) es la primera de la llamada Trilogía Fascista, junto con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce (1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi. Cuando el régimen fascista terminó en 1945, sólo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, con Fellini asistiendo en el guión y Fabrizi en el papel del sacerdote), que él mismo produjo, obteniendo la mayor parte del dinero de créditos y préstamos. Este drama fue un éxito inmediato. Rossellini comenzó así su Trilogía Neorrealista, cuya segunda película fue Paisà(1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (1947), patrocinada por un productor francés y dirigida en el sector francés de Berlín. Como declaró en una entrevista, para crear realmente el personaje que uno tiene en mente, es necesario para el director entablar una batalla con el actor que normalmente termina sometiéndose a los deseos del actor. Como no deseo estar malgastando mis energías en una batalla como ésta, sólo uso actores profesionales en contadas ocasiones. Se ha dicho que una de las razones de su éxito fue el hecho de que Rossellini reescribió los guiones según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Acentos regionales, dialectos y vestimentas se ven en sus películas del modo en que verdaderamente eran. Después de su Trilogía Neorrealista, Rossellini produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (con Anna Magnani) y La macchina ammazzacattivi, mostrando realidad y verdad. En 1948 Rossellini recibe una carta de Ingrid Bergman proponiéndole trabajar con él y así comienza una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine, con Ingrid Bergman y Rossellini en la cumbre de su popularidad e influencia. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (en la isla de Stromboli) 1950, cuyo volcán entró en erupción durante el rodaje), y en Europa '51 1951. En 1953, Viaggio in Italia completa la llamada Trilogía de Ingrid. Esta relación causó un gran escándalo en algunos países (Bergman y Rossellini estaban casados antes de conocerse); el escándalo se intensificó cuando comenzaron a tener hijos (uno de los cuales es Isabella Rossellini).
Filmografía (parcial)
:
Fuente Wikipedia

Puntos de 1 a 5: 5 puntos

LAS HORAS DEL VERANO de Olivier Assayas-Arnaldo H.Corazza

miércoles, 2 de junio de 2010 en 17:08

















LAS HORAS DEL VERANO

de Olivier Assayas

Dirección: Olivier Assayas.
País:
Francia.
Año: 2008.
Duración: 102 min.
Género: Drama.
Elenco: Juliette Binoche (Adrienne), Charles Berling (Frédéric), Jérémie Renier (Jérémie), Edith Scob (Hélène), Dominique Reymond (Lisa), Valerie Bonneton (Angela), Isabelle Sadoyan (Eloise), Kyle Eastwood (James), Alice de Lencquesaing (Sylvie), Emile Berling (Pierre), Jean-Baptiste Malartre (Michel Waldemar).
Guión: Clémence Schaeffer.
Producción: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz y Charles Gillibert.
Fotografía: Eric Gautier.
Montaje: Luc Barnier.
Diseño de producción: François-Renaud Labarthe.
Vestuario: Anais Romand y Jürgen Doering.
Estreno en Francia: 5 Marzo 2008.


La película habla de tres hermanos en la cuarentena cuyos caminos chocan cuando su madre, encargada de gestionar la excepcional colección de arte del s. XIX que pertenició a su tío, muere repentinamente. Los tres se verán obligados a entenderse y a limar sus diferencias. Adrienne es una diseñadora con éxito en Nueva Yok, Frédéric un economista y profesor universitario en París y Jérémie un dinámico hombre de negocios asentado en China, deberán enfrentarse al fin de su niñez, memorias compartidas, orígenes y su particular vision del futuro.


El film de Assayas es un retrato de los sentimiento encontrados de tres hermanos referidos a la herencia de su madre, la venta de la casa y de las obras de arte que ella contenían. La pelicula esta estupendamente filmada, con una excelente fotografia, aunque la trama por cierto no parece muy original, ni de una profundidad en los conflictos deseable. Aparecen historias paralelas como el amor cuasi secreto de su madre hacia un tio de los protagonistas, una mera referencia a las diferencias generacionales respecto de sus hijos. Pero no mucho mas. Me parecio un film correcto, pero nada mas que eso. Su lentitud -que no es un pecado en el cine- la va tornando aburrida, por la falta de sosten y profundidad de los conflictos. Si bien hay opiniones muy encontradas sobre este film, en lo personal me dafraudó, no logró retener mi atención, por la obviedad de la trama. Todo pareciera previsible, aunque es de destacar los pulidos dialogos de los protagonistas, y la muy buena factura del film. Recomendada, con advertencias.


Puntos de 1 a 5: 2 puntos

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